Cuando la famosa fotógrafa Christina Eames muere inesperadamente, su hija Mae Morton (Issa Rae) se queda confundida, enfadada y llena de preguntas. Cuando encuentra una fotografía escondida en una caja de seguridad, Mae comienza a investigar la vida de joven de su madre, comenzando al mismo tiempo un apasionado e inesperado romance con un periodista, Michael Block (LaKeith Stanfield). critica: La famosa y conocida fotógrafa Christina Eames muere de forma súbita e inesperada. Su hija Mae Morton (Issa Rae) queda en una especie de shock, desorientada y con muchas interrogantes en su interior. En una caja de caudales, Mae encuentra sendas cartas manuscritas de su madre, una para ella y otra para quien fue el amor de su vida, lo cual que la joven emprende una labor de investigación para conocer la vida de su madre cuando era joven. Al hilo de esta búsqueda comenzará un imprevisto y pasional idilio con un periodista, Michael Block (Keith Stanfield). Retrato de un amor Cuarta película de la afro-canadiense Stella Meghie, con un guión de la propia Meghie que por vez primera confecciona el libreto ella sola. La película, no sin esfuerzo y excesos consigue llevar a puerto la historia, tanto a través de las imágenes, acompañadas de una fotografía excelente de Mark Schwartzbard, como con la sustancial y en ocasiones excesiva banda sonora de Robert Glasper. S. Meghie transpone y trenza las vidas sentimentales de una madre y una hija a lo largo de los años ochenta hasta el momento actual, desde los orígenes en un sur pobre, al sofisticado Manhattan. Es una cinta de múltiples capas, con un lenguaje visual exuberante y preciso, que pretende invitar al espectador a mirar debajo de la superficie, lo mejor y más bonito de un encuentro azaroso y providencial. Pero no siempre lo logra. Se trata de un film de verano un tanto meloso, donde un un periodista que se siente guapo, se cruza con la historia de la recién fallecida fotógrafa y la de su hija, a la sazón una conservadora del Museo de Queens en New York, muchacha de color plan pija con ropa cara y bolsos de Prada en ristre, que confluirá en un amor almibarado que acaba siendo digerido mejor que peor, gracias entre otras a la banda sonora firmada por el pianista y productor Robert Glasper, una música sensual y envolvente que acompaña bien la historia; aunque en ocasiones tanto jazz envuelve de más; y música de la cultura afroamericana, que va desde Al Green a Kendrick Lamar, pasando por los temas de Mos Def o Anderson Paak. La historia de amor entre los protagonistas, Mae y Michael, entre el joven egocéntrico y carismático y una muchacha bien, amor a primera vista, una relación que Meghie no acierta a dibujar bien, el romance carece de ímpetu y exaltación, y a la mitad del metraje ya se hace aburrido. Unos personajes confrontados a unos miedos un tanto triviales que finalmente pueden unirse plenamente de manera forzada en la cual la protagonista cede ante el apuesto galán que se ha marchado a Londres llevado de su ambición (como antaño hiciera su madre). En el reparto destacan los protagonistas Keith Stanfield e Issa Rae que aunque sintonizan o mejor, tienen eso que se denomina química en la pantalla, sin embargo acaban por resultar impostados y artificiales, con un exceso de gestos manuales y falta de repertorio para los matices. Para mí, los mejores actores del film son la importante actriz Chanté Adams, que consigue dotar a Christine de una incandescencia de mujer encantada, y Y’lan Noel, que encarna el eterno amor de Christine y pescador de cangrejos en el sur. Acompañando con nivel y profesionalidad actores y actrices como Chelsea Peretti, Kingsley-Ben-Adir o Courtney B. Vance, entre otros. Una sentida y entrelazada historia de querencias y arrumacos, algunas pinceladas de calidad, un guión al que le falta un hervor cuando poco e historias de amor, la antigua agridulce tirando a amarga (la mejor), y la de los protagonistas jóvenes, predecible y dulzona como para disfrutar durante las vacaciones, sobre todo a los de corazones de delicados. Retrato de un amor
El teniente Somerset, del departamento de homicidios, está a punto de jubilarse y ser reemplazado por el ambicioso y brillante detective David Mills. Ambos tendrán que colaborar en la resolución de una serie de asesinatos cometidos por un psicópata que toma como base la relación de los siete pecados capitales: gula, pereza, soberbia, avaricia, envidia, lujuria e ira. Los cuerpos de las víctimas, sobre los que el asesino se ensaña de manera impúdica, se convertirán para los policías en un enigma que les obligará a viajar al horror y la barbarie más absoluta. critica: Leí hace poco de un crítico importante una frase sobre esta película que engloba mi sentimiento hacia ella: "¿Quién habría sospechado que una truculenta y perturbadora investigación policíaca para descubrir a un asesino en serie tendría un parecido tan asombroso con una obra de arte? Seven (Se7en) - Yo nunca lo sospeché y fue precisamente eso lo que elevó el grado de sorpresa al ver esta película, pero en seguida de verla uno puede afirmar con toda seguridad de que en verdad se trata de una obra de arte. Seven (Se7en) La oscuridad nunca brilló tanto, el viaje comienza desde los títulos de crédito experimentales, es un viaje sin retorno. Seven (Se7en) El asesinato es la forma de arte que sugiere el guión, magistrales muertes perfectamente diseñadas y estilizadas, el crimen se justifica según el asesino que solo mata a altos pecadores que toman a los pecados capitales como formas de vida. (Muchos dicen que las muertes de la trilogía Destino Final son las más espectaculares del cine, pues no, no existe más oscuridad, poesía, intención, impresión y espectacularidad que las muertes propiciadas por nuestro genial asesino serial de se7en). La película La Celda del director Tarsen Singh intentaba mostrar la mente del Asesino, pero tan solo resultó un desfile de buenas imágenes aunque vacía, pues la verdadera mente del asesino queda plasmada en la figura de Kevin Spacey (irreverente, trasgresor y siempre dando cátedra sobre actuación). Seven (Se7en) La oscuridad se vuelve protagonista también, junto con los desbordados de Brad Pitt y Morgan Freeman en sus mejores papeles. La oscuridad es el resultado de la fotografía del siempre genial fotógrafo iraní Darius Khondji, que plantea un juego de claroscuro que llega a estremecer. La dirección artística posee también un papel decisivo, la fealdad y el horror viven en cada centímetro de cinta. Seven (Se7en) El guión de Andrew Kevin Walker y la excelente dirección del ya aclamado David Fincher hacen de esta película una obra levemente superior a El silencio de los corderos. La visión de Fincher nos introduce perfectamente en el crimen, quién es quien verdaderamente gana la batalla, pues ya no existen buenos ni malos, pues en esta época cada cual hace la suya sin importar lo demás. Seven (Se7en) Se7en recupera un género que se venía infantilizando y le otorga alma, le da la sabiduría propia de la calle. Y consigue así construir el mejor de los thriller, con poesía visual y con inteligencia. Esto se demuestra pues creó toda una forma de abordar el género que se ha utilizado hasta el hartazgo pero siempre fallido y casi sin valor (quizás su mejor discípulo sea el personaje Jigsaw de la película Saw, aunque por supuesto jamás superará al maestro). Seven (Se7en) El mundo se oscurece para que sea más fácil ver la luz. Seven (Se7en)
Robo is an amazing story of friendship between a boy and a robot. Where a whole new world opens up for both of them. The boy learns to be strong and courageous, and the robot, initially devoid of feelings, begins to empathize and experience real human emotions.....Mi amigo Robot critica: En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.....Mi amigo Robot Robo
Ray (Elle Fanning) es un adolescente transgénero que decide someterse a una operación de cambio de sexo. Maggie (Naomi Watts), su madre soltera, debe encontrar al padre biológico de Ray para conseguir su consentimiento legal para la operación. Dolly (Susan Sarandon), la abuela de Ray, no acepta que ahora tiene un nieto. Juntas tendrán que confrontar sus identidades y abrazar su fuerza como familia para llegar a la aceptación y el entendimiento. critica: About Ray( me parece más acertado el título en su idioma original) no viene a cambiar nada; eso sí, nos cuenta una historia nueva. O al menos relativamente reciente, sobre diferentes tipos de familia y de personas. Porque vivimos en el siglo XXI y ya es tiempo que los medio de comunicación, que el cine y televisión hagan de plataforma para dar a conocer estas nuevas formas que tan sólo se diferencias en el envoltorio, puesto que el contenido es el mismo (a pesar del odio de sus detractores). 3 generaciones Ante todo tengo que decir que la historia me llegó, me la creía de cabeza a pies y me pareció muy sincera. Naomi Watts como madre siempre me convence, sabe transmitir ese tipo de dulzor, de amor tierno, sincero y desinteresado siempre que tiene la oportunidad( espero que no le pese el estigma). Susan Sarandon y el resto del reparto lo hacen bien, sin nada destacar. Por último os diré que me costó pensar en que Elle Fanning fuese realmente ella y no él. Cada movimiento, cada gesto por pequeño que sea lo borda. Parecía que Dakota iba por delante de ella en el terreno de la actución, pero Elle le ha desbancado sobradamente, no me parecería extraño que antes de que tuviese la total mayoría de edad en EEUU se ganase alguna nominación al Oscar. A lo largo de la película se nos muestra un pedazo de las vidas de esta familia: 3 generaciones conviviendo en un mismo hogar. La madre de Maggie vive con su mujer, Maggie está soltera(la madre de Ray) y luego tenemos al joven protagonista: Ray. Hay una mordaz crítica al feminismo de la segunda ola encarnada en la pareja de lesbianas matriarcas con sus problemas a la hora de aceptar la transición del joven. No logran comprender como simplemente no puede identificarse como una lesbiana butch("machorro"), ni acaban de entender el atractivo de querer convertirse en un hombre. No asimilan que Ray siempre fue un hombre nacido en una piel que no era la suya. La teoría queer de Judith Butler(3ª ola) se les antoja algo muy lejano a ambas mujeres. Como feminista no me acaba de convencer este punto de la película, pero es un debate real y no está mal que se muestre esta visión. Para mi gusto he echado en falta más escenas con la perspectiva de Ray, con todo su microcosmos y en particular con las relaciones de amistad/amor que mantiene. Pero como una de las pocas aproximaciones a la transición de mujer a hombre en el cine, no está nada mal. Otras series y películas tratan el caso inverso, el de transicionar de hombre a mujer, olvidando siempre el reverso de la moneda. Hay que sensibilizar y visibilizar todo el arco iris, no solo un color determinado. En resumen, About Ray es un canto al amor, a la familia, a la aceptación y a la comprensión. Ojalá se comiencen a realizar más de este tipo de películas, dedicadas a un público mainstream, con actores y actrices sobradamente conocidos y más que válidos. 3 generaciones
Una famosa autora junta a sus amigos para divertirse y cerrar viejas heridas en un crucero, con su sobrino allí para hablar con las chicas y enamorarse de una joven agente literaria. critica: Alice (Meryl Streep) es una afamada escritora estadounidense de la que se espera su nueva obra, su agente Karen (Gemma Chan) idea que realice un viaje transatlántico hasta Inglaterra para recibir un premio debido a su temor a volar. La septuagenaria autora invita al viaje a dos amigas universitarias a las que no ve desde hace años, Susan (Dianne West) y Roberta (Candice Bergen), así como a su sobrino Tyler (Lucas Hedges). Déjales hablar Karen, que realiza el viaje a escondidas de Alice, contacta a Tyler para que este trate de investigar algo sobre el nuevo libro, él comienza a sentirse atraído por ella, mientras su tía le dice que pase tiempo con sus amigas, con las cuáles se dan claras cuentas de que existen ciertos recelos y no son tan unidas como se esperaría, especialmente la relación entre la protagonista y Roberta. El filme se compone de una amalgama de encuentros entre los personajes, donde se van desnudando algunas intenciones y rasgos personales que van dilucidando momentos y emociones, que se suman al hilo dramático de celos, esperanzas e incluso cierta intriga que se encuentran presentes en la obra, todo esto mientras realizan este ostentoso viaje. La escritora Deborah Eisenberg, especialista en relatos cortos, es la encargada de la realización del guion de la película, lejana a su concepción clásica, este se basa en un contexto de ideas y encuentros, e incluso algunos diálogos bien definidos, pero en general a las situaciones se les da una estructura argumental donde el elenco tenía cierta libertad para improvisar. La historia toma como base una idea gestada por Steven Soderbergh y el productor Greg Jacobs, el mismo director fue el interesado en contactar a Eisenberg para la realización del guion, la idea le pareció maravillosa a la escritora, especialmente por la posibilidad de retratar personajes femeninos en su rango de edad, los cuales desde su punto de vista en general son retratados de forma hasta caricaturesca. El realizador continúa con su línea de realización imaginativa y perspicaz, saliendo de su zona de confort y retándose a sí mismo, en esta ocasión además de los detalles del guion y esa improvisación no tan improvisada ya explicada, está el hecho de filmar en el transatlántico Queen Mary 2, en un viaje real, con iluminación natural, así como un equipo mínimo, tanto de personal como tecnológico. Soderbergh sigue año a año haciendo lo que le plazca, recibiendo el apoyo necesario para llevar a cabo sus proyectos, a pesar de no contar siempre con el beneplácito de la crítica y el público, algo común a lo largo de su carrera que continúa edificándose como una de las más versátiles y fructíferas de la actualidad. Déjales hablar
Joaquín está en silla de ruedas. Su casa, que conoció tiempos mejores, ahora es lúgubre y oscura. Berta, bailarina de striptease, y su hija Betty, llaman a su puerta respondiendo a un anuncio que puso Joaquín para alquilar una habitación. Su presencia alegra la casa y anima la vida de Joaquín. Una noche, mientras trabaja en su sótano, Joaquín escucha un ruido casi imperceptible. Se da cuenta entonces que una banda de delincuentes está construyendo un túnel que pasa bajo su casa con la intención de robar un banco cercano. critica: Rodrigo Grande dirige esta película de suspense al más puro estilo Hitchcock (hombre tranquilo e inválido se enfrenta a delincuentes profesionales armado sólo con su inteligencia). Y no sólo se trata de la trama, también el estilo narrativo, los elementos en que se apoya (la música y los efectos visuales), los sorprendentes giros de guión, la sensación de claustrofobia que desprende el protagonista que no puede moverse (incluso su perro, tampoco puede caminar), etc. hace que uno se acuerde del cine del Hitchcock irremediablemente. Al final del túnel La película mantiene la tensión durante las dos horas que dura. Y, a pesar de que hay pocas escenas de violencia, éstas son impactantes y uno se teme que se repitan en cualquier momento porque se respira constantemente que cualquier cosa puede pasar. Hasta aquí, todo bien. El problema es que todo esto debería estar sostenido por un guión sólido y convincente, y no es el caso. Las situaciones, desde el principio, no atienden a ninguna lógica. El personaje de Berta está metido con calzador, y no digamos el de su hija Betty, que figura en la película con la única función de que el malo sea más malo todavía, y por extensión, Berta más tonta de lo que ya de por sí se podía esperar. A pesar de que casi toda la película se desarrolla en el interior de la casa, se nota que la producción no ha reparado en gastos. La fotografía es excelente y la música está bien, a pesar de que creo que está mal utilizada. Y en el elenco de actores tampoco se han cortado. Leonardo Sbaraglia, Clara Lago, Federico Luppi, Pablo Echarri… no son precisamente actores baratos. Y creo que aciertan, porque la película será un éxito en taquilla, o debería serlo. Hablando de actores, Sbaraglia y Echarri son lo más logrado de la película en el tema interpretativo. A pesar de que ambos están bien, tampoco va a ser la mejor actuación de su vida. Pero vamos, cumplen. Clara Lago en cambio no me convence. Y no es porque hable con acento argentino (que lo hace bastante bien, la verdad) sino porque no tiene talla como actriz, o yo no se la veo. Muy floja. Y Federico Luppi… su sola presencia ya vale la pena, pero sentí que su talento quedaba totalmente desaprovechado en un personaje demasiado simple para su calidad interpretativa, que la sigue teniendo aunque esté tan mayor. Volviendo a la música, me parece el ejemplo claro de lo que es la música mal utilizada en el cine. Estoy seguro que esa música escuchada en casa gustaría a cualquiera. En cambio, dentro de la película se vuelve hasta molesta. No encaja. No aporta nada. Más bien resta. Utilizar bien la música parece fácil, pero en esta película se demuestra que no lo es. ¿La única función del perro inválido es desvelarnos el motivo por el que la niña no habla? ¿La única función de la niña es mostrarnos lo malísimo que es el malo? ¿Todo tiene que ser tan extremo? ¿Es normal que un tío que va en silla de ruedas trabaje en el sótano, teniendo una casa enorme y viviendo solo? ¿Tiene algún sentido que una mujer como Clara Lago esté enamorada de un delincuente macarra, que además pasa de ella? ¿Para qué sale la niña al pasillo cuando el malo está interrogando al paralítico y éste está diciendo que no hay nadie? ¿Por qué el español se tira media película diciendo que ha perdido el reloj? Se supone que los espectadores se deben creer las cosas que pasan en la pantalla, pero algunas veces no lo ponen fácil. Lo mejor de la película es que, con todos sus defectos, mantiene el interés durante todo el metraje. Esto hay que ponerlo en el haber de Rodrigo Grande, que con un argumento plagado de lagunas es capaz de tenerte dos horas pendiente de saber cómo coño va a terminar aquello (aunque en el fondo, sabes de sobra cómo va a terminar). Si eres capaz de abstraerte de las incongruencias del guión, disfrutarás mucho del film, pues los giros sorprendentes están muy bien dosificados en los momentos claves de la película y eso hace que la tensión no decaiga y hasta crezca. Pero para eso tienes que poner de tu parte y tragar con todo. Yo no pude. No logré meterme en esa historia tan rocambolesca, y me pareció que quedaban muchos cabos sueltos cuando terminó. A pesar de lo cual, no me lo pasé mal viéndola. El mínimo de entretenimiento lo tienes asegurado. https://keizzine.wordpress.com/ Al final del túnel
