Basado en transcripciones de la vida real extraídas de conversaciones entre el analista del FBI Bill Hagmaier y el asesino en serie Ted Bundy que tuvieron lugar entre 1984 y 1989, No Man of God detalla la complicada relación que se formó entre los dos hombres durante los últimos años de Bundy en el corredor de la muerte. critica: Un drama psicológico en el que se pone en tela de juicio el porqué matan de esta manera tan horrible los asesinos en serie, profundizando en sus impulsos criminales y su naturaleza difícil de comprender. Ted Bundy. En la mente del asesino A principios de la década de 1980, el agente del FBI Bill Hagmaier está en la Unidad de Análisis del Comportamiento de asesinos, este departamento busca perfilar a los delincuentes violentos en un intento por comprender mejor sus delitos. Hagmaier termina asignado al perfil del asesino en serie Ted Bundy, tras muchas visitas a la cárcel durante años hasta su ejecución. Los dos formarán un vínculo que cambiara sus vidas para siempre. Basándose en entrevistas reales grabadas entre Ted Bundy y el agente del FBI, Bill Hagmaier. y de forma muy teatral, el guion de C. Robert Cargill (recordándonos en algunos momentos a "El silencio de los corderos") nos lleva a reflexionar sobre la naturaleza oscura de algunos humanos mediante diálogos que consiguen tenernos enganchados y la "fascinación" que llegamos a ver en estos monstruos. Por lo menos seis películas se han llevado al cine sobre este siniestro personaje, la última interpretada por Zack Efron titulada "Extremadamente cruel, malvado y perverso" de 2019 y la serie documental "Conversaciones con asesinos; las cintas de Ted Bundy" también de 2019 y las dos se pueden ver en Netflix. El actor Luke Kirby visto haciendo de Lenny Bruce en la serie"La maravillosa sr. Maisel"retrata humanamente el personaje de este psicópata, atención a la escena donde le agarra las manos al agente y le narra uno de los asesinatos que cometió con la sensación de placer y poderío que sentía en ese momento. Aunque el número real de víctimas se desconoce y durante más de una década negó los hechos, durante sus últimos días de vida y antes de enfrentarse a la silla eléctrica confesó que había matado a unas 30 mujeres entre 1974 y 1978 en siete estados. Destino Arrakis.com Ted Bundy. En la mente del asesino
Cuenta la verdadera historia de Eugene Allen, un empleado de color de la Casa Blanca que sirvió a ocho familias de presidentes del gobierno estadounidense, a lo largo de tres décadas. critica: Esta cinta deja bastante insatisfecho, sabe a poco, está hecha con políticamente correctas intenciones, presenta una dolorosa situación de abusos raciales pero todo suena a tópico, a regurgitación trillada, demasiado construida y falta de vigor. Lo que vemos nos impacta (la violencia racial es siempre dolorosa y atroz) y hasta nos conmueve, pero lo que habría sido una película arriesgada o novedosa hace cincuenta años, se queda en un catálogo de buenas intenciones, malas prácticas, mojigatería social y afán de superación donde falta genuino desgarro y verdadero espíritu transgresor. Todo se queda a un nivel superficial, masivo e industrial, pero como confirmando lo que ya sabemos (los negros pasaron las de Caín en el país de las oportunidades) y sin revelar o desvelar nada que nos sorprenda u ofusque con su tono o intensidad. El mayordomo Y es una pena, porque semejante reparto (por lo general, desaprovechado) daría juego para mucho más, pero se queda en bastante menos, en fuego fatuo de artificio, en salva brillante de tributo institucional… mucho ruido para tan pocas nueces. Como casi todas las películas que recorren ochenta años en la vida de una persona (aquí vamos de 1926 hasta 2008) la narración peca de anecdótica y fragmentaria, sin llegar a atrapar en ningún momento, todo lo que vemos está ‘bien’, pero podríamos haber visto algo diferente y también habría estado ‘bien’, es decir, que es una mera acumulación de episodios que nada aportan a la idea central que se repite machaconamente (¡pero cuanto han sufrido los afligidos negros!), sin importar mucho ni desbaratar nada. Casi lo más entretenido es ver desfilar al impresionante reparto en cometidos exiguos y decorativos (sobresalen, aunque aportando poca sustancia, John Cusack, Jane Fonda, James Marsden, Vanessa Redgrave, Alan Rickman o Alex Pettyfer) y si bien el protagonismo absoluto recae en un inexpresivo Forest Whitaker, las buenas críticas se las ha llevado, unánimemente, Oprah Winfrey, a mi entender de forma arbitraria y desmedida. Su composición es correcta pero tan superficial y vulgar que apenas remonta el vuelo y tanto elogio parece más circunstancial ('por ser vos quien sois') que sincero. Lo dicho, se deja ver, no es ofensiva ni produce rechazo pero se queda corta y no aporta nada interesante. Es un merengue a punto de ser indigesto, con un exceso de azúcar (mirando de reojo a la taquilla) y un déficit total de profundidad o intensidad. Bastante superflua y adocenada. Prescindible. El mayordomo
Tonya Harding fue la primera mujer estadounidense en completar un salto de triple axel en competición en patinaje sobre hielo en 1991. Pero el éxito en el hielo no siempre estuvo acompañado de felicidad en su vida personal. critica: Dentro del mundo del deporte, del cine, y del espectáculo en general, nos encanta tanto crear leyendas como destruirlas. Con la familia ocurre lo mismo. Muchas veces, a quienes menos soportas es a quien has adorado desde pequeño, con quien has convivido. "Quien más te quiere, más te hará sufrir", dicen. O algo así. Yo, Tonya Pues de esto va esta cinta: sobre una patinadora "amada" y golpeada por su madre, por su marido, por una masa llamada público, por una crítica especializada (esa que dice saber de lo que habla aunque los criterios estéticos anden en las mismas antípodas que las estrellas o puntos que asignan) y por la vida. Con una cámara que no para quieta y en base a un montaje dinámico, asistimos a los "amores", las hostias y los odios que esta patinadora tuvo que sufrir antes, durante y después del "incidente" que la puso en el punto de mira de toda la sociedad estadounidense. Primero fue "amada" y golpeada por una madre dura y seca interpretada por una espectacular Allison Janey (¡qué recuerdos de El ala Oeste de la Casa Blanca!), luego por su violento novio y marido (un correcto Sebastian Stan) y, finalmente, por unos jueces que admiraban su patinaje pero cuyas puntuaciones para las clasificaciones locales y olímpicas tenían casi más en cuenta su vestimenta y su volátil vida personal que su técnica. Sin embargo, cuando consigue hacer lo que ninguna patinadora había hecho hasta entonces, público y crítica se rinden ante ella; empiezan a conocerla, a adorarla. A servirse de ella. Desgraciadamente, llega el incidente. Y ahí cambia todo, incluyendo la película. Y el público. Y Margot Robbie. En la mejor interpretación de su carrera por la cantidad de registros que maneja en una única cinta, la vemos pasar de adolescente vulgar e hija sufriente a esposa maltratada y patinadora constante amargada en las derrotas y eufórica en los éxitos. Y suma y sigue. La vemos hundirse con la crítica de unos medios que la habían encumbrado para terminar haciendo del "incidente" pura carnaza televisiva, independientemente de si pasó lo que pasó o no. Gracias a estas dos estupendas actrices, la película se libra de lo que de otra manera podría haber sido catalogada como "una película del montón". Sinceramente, no es una película de virguerías técnicas ni de originalidad cinemática o cinematográfica, por más que conjugue falsas entrevistas con realidad, hablar a cámara al estilo de House of Cards, algún falso plano secuencia y que los efectos especiales de Margot Robbie "patinando" estén bastante bien. Es una película de interpretación. De actrices. De ellas. Ellas hacen todo aunque haya algún bache narrativo en el ritmo allá por los cuarenta minutos de película que dura más de lo necesario. La película habría estado perfecta con quince minutos menos. Se recupera también por el cambio a "thriller" en el que desembocó el rocambolesco incidente y que da una nueva oportunidad a todos (y todos y todas lo aprovechan) para seguir evolucionando intepretativamente con la película. En definitiva, I, Tonya se ve muy bien pero que me deja la misma sensación que me dejó Dallas Buyers Club en su día: qué buenas actuaciones, la historia es interesante... pero temo que de aquí a dos años tendré que hacer esfuerzos por recorar el título, no así a las actrices. Pero sí, creo que nadie sentirá que pierde el tiempo visionándola. Es mi opinión. Yo, Tonya
Una antigua prisión del siglo XIX, ubicada en una zona inaccesible e indeterminada del territorio italiano, está siendo abandonada. Por problemas burocráticos, los traslados están bloqueados, y quedan alrededor de una docena de presos, con pocos agentes, esperando nuevos destinos. En esa atmósfera extraña, poco a poco, las reglas parecen tener cada vez menos sentido, los protocolos se relajan y se vislumbran nuevas formas de relación entre los hombres que allí quedan. critica: Las grandes huidas, las peleas violentas o la acción trepidante suelen caracterizar los filmes carcelarios. Ejemplos claros de ello son clásicos como Fuga en Alcatraz, Un condenado a muerte se ha escapado o la reciente Celda 211. Sin embargo, Ariaferma recoge el universo de dichos títulos para construir una historia sobre las relaciones y la naturaleza humana. Ariaferma Leonardo Di Costanzo erige un largometraje comedido, pero honesto, que sigue los pasos de un grupo de oficiales y presidiarios que deben permanecer en una cárcel desamparada mientras esperan a ser reubicados. Un superficial trámite burocrático plantea la difícil labor de mantener a raya a los criminales para evitar una revuelta. Paradójicamente, esto termina diluyendo fronteras y creando puntos de unión entre personas que, en un principio, no tienen nada en común. Mediante el uso de una fotografía intachable, aunque en ocasiones un tanto artificial y poco naturalista, junto con una iluminación oscura y una banda sonora simple, pero contundente, se potencia el tono de dejadez, abandono y claustrofobia del relato. Rodada íntegramente en una prisión real, la película se toma su tiempo para narrar los hechos. No se apresura y se focaliza en un cine de miradas y de pocas palabras, cosa que, al mismo tiempo, puede llevar a una sensación de densidad y pesadez en la trama. Quizá lo más destacable de la producción sea el duelo de titanes entre los dos intérpretes principales, Toni Servillo y Silvio Orlando, veteranos del cine italiano. Ambos realizan un trabajo actoral impecable encarnando a un guardia impasible y a un recluso tenaz. Sus personajes ponen en entredicho lo absurdo que pueden llegar a ser el presidio y las normas cuando la ocasión de la reinserción no existe. Asimismo, ambos se asientan como el vehículo hacia un punto de entendimiento y concordia que se materializa, especialmente, en la secuencia en la que los oficiales y cautivos comparten mesa. Este hecho evoca, de manera palpable, al episodio evangélico de La Última Cena, con el trasfondo moralista que ello pueda implicar. A pesar de la exquisitez y honestidad del guion, así como la oda a la convivencia y la comprensión, es imposible no percibir un aura melancólica y tremendamente triste sobre la historia. La cárcel se erige como un embrollo del que sus habitantes no pueden escapar. Por unos pocos días comparten un estado de limbo, que sirve como una válvula idílica e incluso onírica. No obstante, los protagonistas pronto regresan a la realidad de las jerarquías y arbitrariedades. Los hombres de Ariaferma están condenados, literal y metafóricamente, a una vida de desconcierto y reclusión. Como el Simón Bolívar de García Márquez se lamentan “¡Cómo voy a salir de este laberinto!”. www.contraste.info Ariaferma
En la Italia de los años cincuenta, un agricultor se enamora de la hija de un hacendado y su sueño de mejorar la vida de los campesinos se derrumba. critica: ITA (2020) Cine de 2.89 estrellas El último de los Paradiso Me propuse ver esta cinta por su título cautivador, -El último paraíso- ese título evoca a la primer lectura un sinfín de imágenes. Sin embargo, todo se limita a que Paraíso (Paradiso) es el apellido de uno de los protagonistas, y entonces ya el título ha perdido su primera esencia evocadora. Es una cinta con escenas demasiado explícitas, sexo y violencia, y son pocas, pero mal cuidadas, expuestas sin más y hasta parece que sobran y bien pudieron evitarse pues no aportan nada y sí restan. En cambio, el casting de escenarios me parece de lo más valioso, nos muestra locaciones italianas muy bien escogidas. En ese aspecto el director Rocco Ricciardulli y el fotógrafo Gian Filippo Corticelli hicieron un trabajo notable, sobresaliente, elogiable, para ilustrar el sur rural de la Italia de los años 50. Pero es la historia la que NO está a la altura de esos lugares filmados, tiene una trama muy básica la mitad de la película, y la otra mitad ya ni eso, la narración romántica que encuadra a Gaia Bermani Amaral (Bianca) y que sustenta el filme se cae y se echa mano de una evidente improvisación. Da la sensación de dos historias distintas que se han querido fundir sin lograrlo, la del personaje masculino principal (Ciccio Paradiso) que hace dos actuaciones y en ninguna de ellas conecta con el espectador ni con la protagonista. (25feb2021) Por: Godofredo Oscós Flores El último de los Paradiso
Will y Stella son dos adolescentes que padecen fibrosis quística y están ingresados en el hospital para tratarse. Aunque ambos tratan de refugiarse en su propio mundo, de forma inevitable acaban enamorándose. La pareja deberá luchar para mantener viva su relación, con una única regla: separarse con una distancia de alrededor de dos metros para evitar que ambos se puedan contagiar. Sin embargo, la vida de ambos estará en peligro. critica: A veces sienta bien sentarte en frente de una pantalla para tomar consciencia de lo afortunados que somos. A dos metros de ti Ésta es una de esas películas que te hacen eso: tomar consciencia. ¿De qué?, os preguntaréis. Pues la respuesta es tan simple, tan poca cosa, como de poder respirar y, por ende, existir y, por supuesto, de estar vivo, viviendo. Y es que el ser humano tiende a naturalizar todo aquello que puede hacer sin pararse a valorarlo de verdad. El gran error de la sociedad: no saber lo que uno tiene hasta que lo pierde. Ya decía Savater aquello de que la alegría era eso que reconocemos por el ruido que hace al marcharse. Y cuánta razón. Da pena, muchísima pena, tener que escribir sobre este tipo de cosas porque una película te ha dado un golpe de realidad: de que no tienes motivos aparentes, ni lo suficientemente complejos, por los que quejarte a diario, como solemos hacer. Que la vida son suspiros y, cuando menos te lo esperas, llega el último y te has pasado más de la mitad de ellos sin apreciarlos. Sin apreciar nada a tu alrededor. Sin apreciar que estás vivo y que, sólo por eso, ya merece la pena ser feliz. Esta película gira en torno a dos grandes ideas: el amor y la muerte. Yo siempre me he cuestionado acerca de los dos grandes motores de nuestra vida. El amor y la muerte. La muerte y el amor. Todo ese entramado y vaivén de emociones. Y es que... ¿qué pasa cuando se abrazan el amor y la muerte?, ¿se muere el amor?, ¿o se enamora la muerte? Tal vez la muerte morirá enamorada y el amor amaría hasta la muerte. Solo gracias. A dos metros de ti
