Un equipo legendario

Anthony y Rosemary son dos amantes irlandeses cuyas familias se ven envueltas en una enemistad por una parcela que separa sus dos granjas. Adaptación del musical "Outside Mullingar". critica: "Volverá el verano. Y volveremos a recoger el tomillo silvestre de la montaña". Una canción irlandesa Fue un regalo ver esta película durante una tarde del mes de Octubre, aún con el regusto del verano pasado en el recuerdo: Los verdes paisajes de Irlanda traían a mi memoria los familiares y espléndidos escenarios naturales de la Montaña Leonesa, donde, al igual que en la Isla Esmeralda, "el tomillo crece alrededor de las flores del brezo". Una historia sencilla, cercana, vecinal y amable: Los protagonistas se desenvuelven en un entorno, compartido a lo largo de muchos años; sus familias se han venido relacionando generación tras generación. Jamie Dornan (auténtico en su papel de muchacho granjero) y Emily Blunt (formidable, como siempre) interpretan a los protagonistas principales: Anthony Reilly y Rosemary Muldoon. Se conocen desde que tienen uso de razón y comparten un modo de vida prácticamente idéntico. El argumento se sostiene principalmente por esa tierna ironía que destila toda la película, reflejo, tal vez, del carácter irlandés: Lugares comunes y manías particulares (obsesivas, quizá) de los personajes, como el empeño del padre de la chica de acabar con los cuervos que merodean por su granja, a lo mejor, en un intento de impedir que se coman el cereal. En el terreno de lo doméstico y familiar sobresale poderosamente la figura del padre del chico: Anthony Reilly Sr, interpretado magistralmente por un bronco y tierno, amenazador y desvalido, despreciable y adorable Christopher Walken: Increíble en todos estos registros, como ya es habitual en él. Luego están los guiños constantes a esa gran referencia, espléndida e impagable película: "El Hombre Tranquilo". Al igual que en la cinta de John Ford, no hay villanos o, al menos, no lo son tanto. Muchas escenas nos remiten también a aquella película memorable, como los dos jóvenes, empapados por la lluvia, aislados en una colina o bien dialogando sobre temas relacionados con el trabajo de la granja; otras veces (la mayoría), enfrentados en una discusión tormentosa. Hasta la protagonista es pelirroja, como un trasunto de la inolvidable Maureen O'Hara. No ha sido bien recibida por la crítica, pero, a un servidor, le ha encantado y dejado buen sabor de boca. Es de esas películas que apetece ver otra vez y recrearse en los detalles, mejor en invierno, cuando sus fríos pidan recordar los días fugaces del verano, esos en los que florece el tomillo silvestre de la montaña. Una canción irlandesa

Cuando Nicole Atkins regresa a la escuela de posgrado, lo último en lo que piensa es en una aventura anterior con un profesor casado. Sin embargo, alguien más en el campus le ha echado el ojo a Nicole, alguien que conoce todos sus secretos.... A Professor's Vengeance critica: esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila s.... A Professor's Vengeance

Narra la historia del paramédico William H. Pitsenbarger, que salvó él solo a más de 60 personas en la guerra del Vietnam, y de la investigación de un miembro del Pentágono, Scott Huffman (Sebastian Stan), que trabajó contra viento y marea superando todos los obstáculos para que se honrara al médico con la medalla al valor. critica: Es verdad que alguien puede esperar una película de guerra como tal, por lo visto en trailers, posters y demás. Pero realmente se trata de magnificar la figura de un soldado, que fue de los más valientes en la guerra de VIetnam y que no fue reconocido como un héroe, como tuvo que haber sido. Se basa en una historia real y eso sin duda es lo que más toca el interior del espectador. Pero los procesos para hacer justicia sobre el reconocimiento de dicho soldado, son muy aburridos y no me querría ver en la posición del personaje de Sebastian Stan, porque tengo poca paciencia. El reparto que interpreta a los veteranos de VIetnam es sin duda, de élite, aunque su participación se ve reducida a poca cantidad de minutos en pantalla debido a como es la dirección de la historia. Se van alternando escenarios bélicos y escenarios políticos y jurídicos y sin duda, los más divertidos son los bélicos, no porque la guerra sea divertida, si no porque, esa parte de la película para mí, es la que mejor hecha está. Es verdad que se nota demasiado patriotismo americano típico de este cine, pero hay que aceptar que lo que hizo el soldado, fue de un total héroe. Los últimos diez minutos de la película, bastante emotivos aunque exageradamente pastelosos. Con todos los honores

La historia tiene lugar en el entorno surrealista de una ciudad que se desvanece. Cuando un adolescente descubre un camino secreto hacia una ciudad subacuática, su madre se ve arrastrada a un macabro submundo de fantasía. critica: Lost River es una de aquellas películas que apunta al subconsciente y te deja la sensación de haber visto algo especial. Lost River Hay algo en ella que se intuye pervertido y depravado. Incomoda el uso de unas metáforas inquietantes, se dirían extraídas de un macabro cuento de hadas, para describir con crudeza una sociedad peligrosa donde impera la ley del más fuerte, donde el pez grande se come al pequeño, donde la putrefacción humana está arraigada en el seno de los que manejan el cotarro, donde la gente acomodada se regocija al contemplar el sufrimiento ajeno, donde siempre hay alguien que se quiere aprovechar de otro alguien y donde no hay salvación para los menos favorecidos. E incluso en un lugar tan inhóspito aún es posible el amor y la esperanza, la redención contra nuestros demonios. El resultado es un cuento onírico de un impacto visual pornográfico en cuanto a lo explícito y con una crítica social subyacente. Bebe del cine de David Lynch en cuanto al simbolismo y a la estética, así como en la turbia psicología de los personajes y la maldad pútrida que personifican los antagonistas de la historia. Incluso el título y el plano de la casa ardiendo son un claro homenaje a Lost Highway, una de las películas más emblemáticas de este director. Pero a diferencia de las películas de Lynch, que a veces constituyen un puzzle que da pereza resolver, en Lost River se nos presenta una historia poderosa y al mismo tiempo sencilla, que no exigirá sofisticadas elucubraciones ni planteará ningún reto para descifrar su significado. Atención también a la banda sonora de Johnny Jewel, que tal y como consiguió con Drive, te cala bien hondo en el corazón con su música electrónica y convierte la película en una experiencia aún más trascendente, en especial el tema central de Chromatics, Yes. Se la ha clasificado de pretenciosa, aunque tratándose de la primera película de Ryan Gosling, me parece más apropiado el término de valiente. Algunas escenas de esta infravalorada película se graban a fuego en la retina. La dirección artística es sin duda uno de sus puntos fuertes. Mantiene el suspense y juega con nuestra psique a través de las luces y de su particular mitología. Resulta extraña y bizarra. A mí personalmente me ha hechizado. Lo único malo que se puede decir de ella es que te deja con ganas de más y de que quizás podrían haberse desarrollado más algunos conceptos. Sin embargo esto es algo que no desmerece el conjunto. Hay que verla como lo que es: una cinta de cine experimental, de ése que te encanta o detestas, y posiblemente destinada a convertirse en una película de culto a pesar del rechazo del establishment. Lost River

Jackie Justice es un luchador de artes marciales mixtas que deja el deporte en desgracia. Con mala suerte y hirviendo de rabia y arrepentimiento años después de la pelea, su manager y novio Desi la persuade en una brutal pelea clandestina y llama la atención de un promotor de la liga de lucha que le promete a Jackie una vida de regreso en el octágono. Pero el camino hacia la redención se vuelve inesperadamente personal cuando Manny, el hijo que entregó cuando era un bebé, aparece en la puerta de su casa. Una historia triunfal de una luchadora que reclama su poder, dentro y fuera del ring, cuando todos la han contado. critica: *Una historia clásica de resurgimiento Herida En Herida (Bruised) volvemos a encontrarnos con un relato de caída en desgracia y redención, en este caso protagonizado por una luchadora. Y es que Jackie (Halle Berry) fue una gran luchadora de MMA, capaz de mantenerse invicta durante diez combates consecutivos. Una situación que le labró un reconocimiento deportivo que, sin embargo, ya casi nadie parece recordar. Es por ello que vemos como Jackie malvive en una Nueva Jersey oscura y sucia, junto a su pareja y representante. Un tipo puertorriqueño, alcohólico (como ella) y con muy pocas luces para encauzar la carrera de nuestra protagonista. Una posición desesperada que dará un vuelco tras la aparición de Manny, el hijo que Jackie abandonó y que con seis años entrará repentinamente en su vida. Y junto a él, se sucederán las noticias esperanzadoras, otorgándole a Jackie la oportunidad de volver a encerrarse en la jaula para luchar por el campeonato mundial. Un reto muy complejo, para el que tendrá que prepararse a conciencia de la mano de Bobbi, una curiosa entrenadora aficionada a la meditación. En un devenir que recuerda, irremediablemente, a otras cintas del género como la icónica Rocky (1976). Aunque desde una óptica femenina pocas veces vista, más allá de cintas como Million Dollar Baby (2004). *Cambiando de perspectiva Y es que posiblemente sea ese cambio de perspectiva, el mayor acierto de Herida. Nos están contando una historia muy vista, de la que nos vamos esperando la mayoría de los acontecimientos, pero desde una mirada femenina. Una mirada, además, de una mujer afroamericana, adicta y a la que se podría tildar de mala madre. Es decir, una luchadora con gran lastre a sus espaldas que tendrá que partirse la cara doblemente para alcanzar aquello que anhela. Todo ello sin juzgar en exceso al personaje y desmitificando un tema tan tratado como el de la maternidad. Porque más allá de ponerse en forma y entrenar, Jackie tendrá que aprender a ser madre. Una tarea mucho más complicada, que el más extenuante de los ejercicios, al que Jackie se acerca desde el trauma. Un trauma que la película desarrolla muy poco, pero que surge de una relación doliente con una madre pasota y nada protectora. En definitiva, igual que ahora se habla mucho de las nuevas masculinidades, podría decirse que la cinta nos presenta otras formas de ser mujer. Dando incluso cabida a otras formas de amar, que encarna el personaje de Bobbi. Una figura enigmática y atractiva que podría haber recibido más atención en el desarrollo del guion. *Concebida para el lucimiento de Halle Berry Porque parece que Herida (Bruised) ha sido creada pensando, casi, únicamente en el lucimiento de Halle Berry. Obviamente es entendible que Berry en su incursión tras las cámaras haya querido apostar por un vehículo de lucimiento, de esos que tanto pueden gustar a los académicos. Pero si las fuerzas se hubieran dispersado un poco más el conjunto hubiera brillado con más fuerza. A pesar de ello el trabajo de Halle Berry demuestra que es una actriz potente, capaz de pasar de la vulnerabilidad y el desamparo a la fuerza bruta. Sobresaliendo en cada uno de los planos cortos que se autorregala, casi siempre con el rostro desfigurado. Y siendo capaz de imprimir cierto pulso cinematográfico, con una lucha final que lleva al espectador a sufrir, casi, en primera persona los golpes. No obstante, Herida (Bruised) resulta excesivamente larga en mi opinión (129 minutos), con situaciones que se repiten y parecen no fluir, fruto de un guion que no está acorde con el trabajo de la protagonista. Todo, como ya hemos mencionado, resulta muy previsible y se echa de menos algún otro personaje secundario de mayor calado. Una situación que la cinta pretende remediar con la relación que se establece entre Jackie y su hijo de seis años, aunque de nuevo no destaca por su originalidad. Con algunas secuencias un poco forzadas, salvadas gracias a Berry y la expresiva mirada del niño, toda una sorpresa. *Conclusión Así que en resumen, Herida (Bruised) puede definirse como una cinta de factura clásica sobre segundas oportunidades. Con una luchadora de MMA caída en desgracia que tendrá que aprender a ser madre, a la vez que se prepara para competir de nuevo. Una historia mil veces contada, que se sustenta en su novedoso punto de vista. Y es que estamos ante una historia protagonizada por una mujer, afroamericana y a la que se podría definir como mala madre. Siendo este nuevo enfoque el que puede acercarnos a la pantalla para dejarnos llevar por una historia imperfecta y en ocasiones predecible, liderada por una visceral Halle Berry. Escrito por Laura Tabuyo Acosta Herida

Cinco chicas problemáticas se ven obligadas a acogerse a un programa experimental de enseñanza, impartido por la enigmática Madame Duret (Uma Thurman) en el internado Blackwood. Pronto empiezan a mostrar talentos singulares que no sabían que poseían, y a tener extraños sueños, visiones y lagunas de memoria. Cuando la frontera entre realidad y sueño comienza a hacerse demasiado difusa, todas comprenden al fin el motivo por el que han sido llamadas a Blackwood. Aunque puede que ya sea tarde... critica: Llega a nuestras pantallas la última película del director gallego Rodrigo Cortés, quien en su cuarto largometraje se le empieza a ver un auténtico potencial para películas de gran presupuesto con producción americana. El que empezaba con una cinta de crítica social como era Concursante (2007), mostrara al gran público una película que a grandes rasgos era más experimental que otra cosa como Buried (2010) y que supiera manejar a un reparto repleto de estrellas en Luces Rojas (2012), hace ver en perspectiva que este director está a una sola película de dar el campanazo. ¿Esa película es Blackwood? Yo creo que no. Blackwood Kit, es una adolescente con problemas de actitud. Su madre, harta de su comportamiento la inscribe en un muy exclusivo internado. Ahí conoce a otras cuatro chicas con sus mismos problemas. Madame Duret las motiva para, ayudándose de los estudios, sacar lo mejor de si mismas y así ocurre al principio. Pero Kit sabe que hay algo raro en la velocidad de aprendizaje que están teniendo. La cinta, que es una adaptación de una novela de Lois Duncan, nos cuenta bajo una atmósfera gótica y oscura, y bajo un argumento de terror, la excesiva presión que se le ejerce a los jóvenes para ser siempre los mejores en su campo. La película pasa de puntillas sobre este tema, pero me parecía muy interesante los trabajos forzados que tienen que hacer las chicas 24 horas al día para mejorar sus habilidades, y cómo son rápidamente descartadas si no cumplen las expectativas que se les han impuesto. En cambio en Blackwood, tenemos una historia de pseudo-fantasmas bastante insípida e impersonal que no logra enganchar al espectador. Además el argumento pierde cualquier interés que el espectador pueda tener cuando se resuelve todo enigma y ves como, a parte de que nada tiene demasiado sentido es bastante estúpido. Pero donde más duele es en el trabajo de Rodrigo Cortés, y es que es su trabajo el que logra salvar la película del desastre, su trabajo sobrio y elegante encaja perfectamente con la atmósfera y la fotografía (gran trabajo de Jarin Blaschke) pero todo se viene abajo con los malditos jump scares, ese recurso tan fácil como gratuito que las películas de terror mainstream de los últimos cinco años me han hecho odiarlos de manera visceral. En Blackwood hay un buen número de ellos, y aunque no es tan escandaloso como en otras cintas, se las podrían haber ahorrado todas ellas por innecesarias. Donde tampoco me gustó la dirección es en su último cuarto, una vez ya no hay misterio en el argumento la película se torna demasiado imprecisa, la cámara va de un lado para otro, ocurren demasiadas cosas en muy poco tiempo y su final, bastante ridículo, no deja un buen sabor de boca al espectador. Tal vez si durante la cinta nos se hubiera preocupado de que nos importen mínimamente los personajes, no sería necesario tanto fuego artificial para captar la atención. En el reparto destaca la ya veterana Uma Thurman (Kill Bill, Pulp Fiction) con un peculiar acento francés que, una vez vista la cinta todavía no sé si quedó auténtico o ridículo. Buen trabajo de su protagonista AnnaSophia Robb (Charlie y la fábrica de chocolate), el único personaje que, con un poco de esfuerzo, puede llegar a interesar. La cinta tiene algunos aciertos, como decía, su dirección en los tres primeros cuartos de la cinta son para destacar, y celebro el nulo problema en matar a personajes que en otras películas sobrevivirían, pero es una cinta que no destaca por mucho más, no tiene mucho que resaltar ni ofrece una mirada original a nada. Tal vez tengamos la edad equivocada. http://www.terrorweekend.com/2018/07/blackwood-review.html Blackwood