Película homenaje a Van Gogh en el que cada fotograma es un cuadro pintado sobre óleo, tal y como el propio Vincent lo hubiera pintado. Sus 80 minutos de duración están compuestos por 56.800 fotogramas que han sido pintados, uno a uno, por una gran cantidad de excelentes pintores a lo largo de varios años, todos inspirándose en el estilo y arte magistral de Van Gogh. critica: Después de dos años y medio como usuario de Filmaffinity, voy a hacer mi primera crítica. Si bien muchas películas pudieron tentarme a hacerlo antes, ninguna me pudo convencer lo suficiente como lo hizo "Loving Vincent", que trás salir de la sala, ya sabía que tenía que escribir una crítica sobre el film. Loving Vincent No vale la pena hablar a fondo sobre la estética impresionante de esta película porque ya esta todo dicho y se cae de madura lo original y bien lograda que está, siendo el motor principal de toda la película. En lugar de esto, prefiero hablar de la mirada de la película sobre Vincent Van Gogh. La historia se ubica en Auvers, posterior a la muerte del pintor, siendo contada a través de los relatos de los habitantes de este pueblo, siendo tanto criticado como alabado. De esta forma, presentan a Vincent como alguien que solo quería encajar (nunca dejando de ser auténtico) dentro de un mundo que no lo entendía, ni en su familia (sacando a su fiel hermano Theo), ni en París con sus contemporaneos artistas, ni en Arlés, y tampoco dentro de Auvers. Roulin, al igual que el espectador de la película, poco a poco va empezando a comprender y amar a la figura del artista, pudiendo ver cada estrato de él. Tras su misteriosa muerte, lo único que queda dentro de las personas que lo querían es lamento. Lamento por su muerte, lamento por no poder evitarla, lamento por no poder acercase más a él, lamento por la perdida de un artista de tal mágnitud. Trás su muerte, Van Gogh logró un reconocimiento muy grande, siendo hoy uno de los artistas más reconocidos. Esta película, es otra carta de amor, y recomiendo fervientemente que la vean. Loving Vincent
El incidente Umbrella que surgió en Raccoon City ha terminado con la erradicación de un virus letal mediante un misil nuclear lanzado por el gobierno, Umbrella se ha disuelto y ha dejado de existir. Han pasado 7 años, nos encontramos en un aeropuerto cualquiera de USA, estamos en otoño… un zombi descontrolado acaba con el pacifico día atacando a todo lo que se mueve. El infierno que se había extinguido resurge nuevamente de manera inesperada. Película de animación digital basada en el popular saga de videojuegos de Capcom, Resident Evil. Está protagonizada por Claire Redfield y León S. Kennedy y se desarrolla siete años después del incidente de Racoon City narrado en Resident Evil 2. critica: Cinco minutos de metraje bastan para percibir la esencia de Resident Evil en este extraño film, lúcido, espectacular a nivel estético y visual, en el que el argumento es poco menos que un tributo a los fans. Resident Evil: Degeneración Leon y Claire son los protagonistas de la aventura, cada uno en su respectivo rol desempeñado en los videojuegos de la saga, fielmente adaptados y con coherencia a la hora de ser llevados a escena. El film adolece del habitual problema en las películas basadas / inspiradas en un videojuego, y del mismo modo que Advent Children parecía quedarse corto en cuanto a la historia, en Degeneration pasa un tanto de lo mismo. Resident Evil: Degeneración Ciertamente es difícil sacar una introducción, nudo y desenlace coherentes con la línea que ha seguido la saga, manteniendo algunas características propias sin matar de tedio al espectador. Capcom ha elaborado una película apta para todos los públicos, centrada en los aficionados, de calidad media / notable que entretiene, divierte y muestra un espectáculo visual digno de ser justamente apreciado. Resident Evil: Degeneración Resident Evil: Degeneración Tiene sus taras, como de costumbre, pero en resumidas cuentas es un producto bastante recomendable que ningún fan de la franquicia debería perderse. Eso sí, hay que dejar de lado los típicos clichés del género (melodramas, relación entre protagonistas, etcétera), para centrarse en lo que Degeneration aporta a Resident Evil. Afortunadamente es suficiente para dejar un agradable sabor de boca cuando aparecen los títulos finales, mucho más de lo que se le puede pedir a una producción de estas características. Resident Evil: Degeneración
Philadelphia. Año 1961. Un niño negro acaba de nacer en unos grandes almacenes. Un médico acude a ver como se encuentran tanto la madre como el bebé, y horrorizado le pregunta a la mujer si se le ha caído el niño, ya que tiene tanto los brazos como las piernas fracturadas. Philadelphia. Año 2000. Un hombre llamado David Dunn está en el expreso que va de Nueva York a Philadelphia camino de su casa después de una entrevista de trabajo en la ciudad de los rascacielos. En el tren entabla conversación con una atractiva mujer, pero ésta cree que quiere ligar y se cambia de asiento. Un momento después se produce un dramático accidente. critica: Te levantas todos los días. Vas a trabajar. Realizas las mismas tareas. Hablas con la misma gente. Te haces la comida. Le haces un corte de mangas imaginario al capullo de tu compañero de piso. Limpias la casa. Lees un poco de esa novela que lleva cinco meses en tu mesilla de noche. Ves una película. Duermes. El protegido El ciclo (el círculo) renace y pasa el tiempo y llega un día en que te levantas como todos los demás y te das cuenta de que has empezado a deambular por un mundo fantasma. Este día, aunque no puedes saberlo fue el día en que abandonaste la Búsqueda. Fue el día en que cruzaste el meridiano y perdiste la esperanza. No hay mensajes escondidos, ni personas especiales ni sucesos inesperados y mágicos. Esto es lo que tenemos y te lo comes porque no hay más remedio. El protegido Pero no siempre. Puede que "El protegido" nos esté hablando de la génesis de los mitos a través de la historia, es una posibilidad. Puede que "El protegido" nos hable de la reencarnación, las fuerzas fatales del destino, del ying y el yang, de las fuerzas negativas y las fuerzas positivas. El protegido Pero también puede que Elijah Price, ese patético y enfermizo amante de los cómics obsesionado por David Dunn, el Irrompible, seamos nosotros en la desesperada búsqueda de algo excepcional, inesperado, imposible que nos confirme que la vida no era eso, que hay cosas escondidas, que merece la pena seguir intentándolo. Elijah Price se diferencia del resto en que convierte la búsqueda en su elección de vida. Al precio que sea. Y no con los mejores medios. Pero nunca se rinde. A pesar de su fragilidad, de ese mundo de azules y grises. Porque está acercándose a Algo. El protegido Y es por eso que esta película es única y hermosa y perfecta. Porque está hecha por y para aquellos que nunca han dejado de buscar, para todos los Elijah Price iluminados y tristes que parecen sobreescritos sobre los renglones torcidos de una vida de mierda, pero que cuando llega el momento están preparados como nunca lo estará nadie y puede que David Dunn sólo sea un tipo tremendamente saludable y puede que Elijah Price no sea más que el dueño de una tienda de cómics, enfermo y desgraciado pero la fe, amigos, la fe es lo que separa a veces a un hombre de un insecto. La fe es la clave de todo. El protegido La fe y los nombres. El protegido
Drea (Tashiana Washington) es una joven de 20 años que acepta a regañadientes convertirse en la niñera de una de sus profesoras de Universidad. En su intento por entretener a Trissy (Ava Preston) y a Jake (Jack Fulton), además de a su hermano pequeño Phillip (Jaeden Noel), Drea decide sacarlos de paseo por un sendero rural, sin saber que por él pulula una misteriosa raza alienígena que devora todo lo que encuentra a su paso. critica: Los Critters fueron unas criaturas que surgieron en 1986 tras el gran éxito de Gremlins y cuya vida fílmica gozó de cuatro películas que evidenciaron un desgaste de la idea inicial debido sobre todo a que había más interés en recuperar la inversión – y en potenciar el exploit de los Gremlins - que en desarrollar las virtudes de estos seres alienígenas; y sin embargo, las criaturas diseñadas por los hermanos Chiodo vuelven a la pantalla debido a su potencial. ¿Habrán acertado esta vez con la tecla? Critters ¡Al ataque! Drea tiene 20 años y su mayor ilusión es entrar en la universidad donde estudió su fallecida madre, para ganarse el favor del profesorado decide cuidar a los hijos de la decana. La llegada de dos vainas extraterrestres portando Critters puede echar por tierra su sueño y, de paso, acabar siendo devorada. Voy a responder la pregunta hecha poco antes: no, de nuevo han vuelto a fallar en este reboot de Critters. Hay ideas buenas en el guion de Scott Lobdell, también guionista de comics que basó su fama en absurdos giros en la franquicia X-Men y sobre todo es recordado por su guion de Happy Death Day, e incluso recupera todos los elementos que los fans de la saga adoran: la bola de Critters que devora todo a su paso, el Critter que suelta pompas tras beber jabón y las clásicas púas paralizantes; encontramos aroma de los ochenta en Critters Attack!, críos perseguidos que no consiguen ser creídos por los adultos, una trama que se nutre de critters rodando… Lobdell añade elementos a la mitología como que los huevos critter necesitan ser depositados en un cuerpo para crecer – ¿Alguien dijo xenomorfo? – o la existencia de una reina Critter envuelta en una suerte de guerra critter. Los aciertos del guion se pierden por culpa de la escasa pericia del director Bobby Miller para darle ritmo a una historia que necesita ser frenética, tal vez se ha dejado llevar por el elemento autoral e irrita al espectador con una narrativa demasiado lenta que desaprovecha los momentos de humor. Los aromas ochenteros de los que hablaba antes también los encontramos en la fotografía de Hein de Vos y la música sintetizada de Russ Howard III que, a veces, consigue retrotraerte al pasado; el problema es que este Critters Attack! ya no se esconde y plagia las cintas de Gremlins con tanto descaro que asusta: la reina Critter es un remedo de Gizmo, aunque en ningún momento consiguen acercarla a lo tierno del Mogway, el ataque al pueblo es clónico al de los Gremlins en la primera cinta. Y no voy a mencionar qué película de Tim Burton “homenajean” como un método para acabar con los Critters. Si hablamos del nivel actoral, Tashiana Washington arranca con fuerza como Drea pero enseguida pierde fuelle, Dee Wallace se pasea por la trama con gesto anodino y del resto del elenco destacaría a Jack Fulton como Jake, un personaje que habla poco y siempre acierta. Critters Attack! gustará a los fans de la saga Critters, gracias a los guiños hechos a las películas anteriores e incluso descubrirán el alto body count que dejan las criaturas a su paso; tal vez algún lector que no conozca a los Critters se anime a verla y, ojalá, la disfrute. Seamos positivos: tal vez algún día se haga una cinta que esté a la altura de estas icónicas criaturas. https://www.terrorweekend.com/2019/07/critters-attack-review.html Critters ¡Al ataque!
A un joven y ambicioso ejecutivo le encargan una misión: traer de vuelta al director de su empresa de un idílico y enigmático centro de “bienestar” situado en un área remota de los Alpes suizos. Pronto sospecha que los milagrosos tratamientos que allí tienen lugar no son lo que parecen. Su cordura se pone a prueba cuando empieza a desvelar los terroríficos secretos que allí se ocultan y es diagnosticado con la misma extraña enfermedad que mantiene a los pacientes a la espera de la cura. critica: En el inicio, una nana infantil resuena entre imponentes edificios de oficinas, a modo de réquiem por los pobres trabajadores que siguen delante del ordenador, ajenos al sueño y los horarios naturales. Una colección de empleados del mes cuelga de la pared recordando a los que sacrificaron todo por la última negociación, negándose el último suspiro, como homenajes sonrientes de una felicidad nunca disfrutada. Y somos testigos del derrumbamiento existencial del trabajador común, que yace en el infinito cementerio de pantallas iridiscentes que ha sido su único hogar. La cura del bienestar Después de eso habrá gente que diga que esta película no cuenta nada, claro que no, pero permítanme recomendar un diagnóstico: váyanse a la mierda, críticos mediocres y espectadores con déficit de atención. Con 'La Cura del Bienestar' Gore Verbinski se ha enfrentado al mismo panorama ranciete que está dejando la falta de cultura y el ansia de inmediatez: ha señalado a la luna, y muchos tontos se han quejado de que solo ven el dedo. "El misterio es una mierda"; como si a Verbinski le importara una conclusión normalita, y no un viaje increíble. "¡No da miedo!"; como si fuera culpa de Verbinski que a muchísimos espectadores se les haya fundido el gusto por la atmósfera y la sugestión. "Es que me da asco, y no la entiendo"; a muchos se les van a freír las neuronas por unir dos puntos argumentales sin un montaje que se lo dé mascadito, mientras se desmayan porque no encuentran el mismo gore "light" que prolifera en el género. Gore Verbinski ha querido incomodarnos, mandarnos sin billete de vuelta a un viaje jodido, recordarnos una sensación de locura y espanto con algo nunca visto... pero meh, demasiado darle a la neurona (que encima tampoco es tanto), vamos a encumbrar el enésimo remake precuela reboot de 200 millones que no nos haga pensar demasiado. Para los que lo quieran y busquen, allá que ha concebido Verbinski este milagro: una película con cierta ambición de medios, rodada como dios, que no pide disculpas por asquearte o provocarte, y que, mientras juguetea con la serie B, no tiene ningún problema en hablar seriamente de esa enfermedad que a todos nos aqueja. Una enfermedad que el joven oficinista Lockhart empieza a advertir, cuando lee la carta de su jefe Pembroke enviada desde un asilo en los alpes suizos, en donde dice que "la mente se engaña, mientras el cuerpo dice basta". Un sentimiento demasiado familiar en su vida dedicada a su carrera en alza, reconocido también en las pétreas caras de sus elegantes y manipuladores jefes, e incrustado en el mismo corazón de una sociedad dedicada al beneficio más inmediato que puedan obtener. Pero todo eso está ausente en el asilo al que va a buscar a su jefe. Allí flota un sentimiento de paz senil, entre ricos trabajadores que han adoptado el pijama perpetuo y el olvido del mundo exterior. El agua, símbolo de pureza y limpieza, domina el ambiente como la medicina oficial para las dolencias del espíritu. Todos estamos enfermos, y lo notamos, pero allí se permite ser felices. No hay un vuelo que coger, no hay una reunión que adelantar: el infernal ritmo de vida contemporáneo se detiene en los muros erigidos por un marqués visionario, que han elegido sostener médicos intachables como el Doctor Volmer. Verbinski no juega demasiado al despiste: algo no cuadra en ese ambiente idílico. El personal médico no podría estirar más el gesto en una mueca de falsa amabilidad, mientras se acumulan los misterios a plena vista, apenas señalados por una figura misteriosa al fondo de una sauna nublada o ruiditos insistentes que mordisquean nuestros nervios como zumbido de mosquito. El aséptico ambiente de hospital busca tranquilizarnos, pero la aterradora colección de barbaridades que presenciamos nos recuerda nuestra enfermedad: abortos animales, dientes taladrados, gastados cuerpos ancianos, perversiones masturbatorias... casi empezamos a creer al Doctor Volmer, cuando recalca que somos pacientes, que no estamos bien, que necesitamos la milagrosa cura. Este mundo enfermo no nos dejará parar de pedirla. Y Lockhart, joven paciente de avanzados síntomas, se da cuenta de que esa es la razón por la que avejentados poderosos renuncian a extensos imperios: porque, por mucho pisoteo progresivo y corporativo, nunca podrán quitarse el recuerdo de sus vidas sin sentido ni rumbo. Si en el sanatorio eso no existe, ¿por qué alguien querría abandonarlo? Bravo por Gore Verbinski, por su poca vergüenza para mezclar influencias, y por su mucha maestría para convertirlas en una fascinante inmersión a la oscuridad de nuestra pérdida espiritual. Porque estoy enfermo de películas que saben a lo mismo, que me dan lo de siempre y ni se molestan en ocultarlo. Y, por esta vez, he sentido que me han curado. La cura del bienestar
Un periodista viaja con su familia a lo largo y ancho del país para investigar terribles asesinatos que luego convierte en libros. Cuando llega a una casa donde ha tenido lugar el asesinato de una familia, encuentra una cinta que desvela horribles pistas que van más allá del esclarecimiento de la tragedia. critica: Vista en el Festival de Sitges y tras su paso por Estados Unidos, Irlanda y Reino Unido, llega lo nuevo del director de “Hellraiser V: Inferno” (2000). Derrickson no ha defraudado y ha sabido confeccionar un film consistente y regular que logra convencer, aunque con algún que otro “pero” del que no se libra. Sinister El género de terror lleva bastantes años de capa caída. A estas alturas hay pocas cosas que realmente sorprendan o impacten y hagan que el espectador no logre conciliar el sueño debido al miedo que ha pasado viendo la película. O por lo menos a mí, quien curado de espanto no se sorprende con facilidad al haber visto en exceso demasiadas cosas del mencionado género. Pero hay excepciones y una de ellas es “Sinister”. Ellison Oswalt es un escritor novelístico famoso por realizar novelas sobre crímenes sucedidos. Para encontrar inspiración en su nuevo libro, Oswalt se muda junto a su familia a una casa donde hubo un asesinato. Investigando por los recovecos de la casa, encuentra una caja que contiene varias cintas con grabaciones familiares que acaban conteniendo algo más que imágenes normales. Con un planteamiento que puede recordarnos a “The Ring” por el hecho de compartir algún paralelismo respecto al poder de las imágenes, “Sinister” se aleja de cualquier otra cinta convencional, siendo un film de terror puro, efectivo y que no oculta el hecho de que se nutre de las ideas de otros, sabiendo plasmarlas en pantalla sin que nada chirríe ni sea predecible. Eso sí, hasta cierto punto. Porque llegando a los minutos finales es donde el director comete el pecado de cómo si de alguien que tuviera prisa, finiquita todo de forma rápida, haciendo añicos el resto del film. Y es una lástima, porque podría haber sido un film redondo al tener todos los ingredientes esenciales que le podrían haber convertido en algo más. Aún así, hablemos de lo bueno que tiene esta película, porque no son pocas cosas. Para empezar, cuenta con Ethan Hawke ("Gattaca", 1997), quien interpreta a Ellison Oswalt, escritor con un gran interés por la investigación de sucesos sin resolver, en este caso los asesinatos familiares. A raíz de visualizar las cintas que encuentra en la casa, se meterá en una espiral que hará que se obsesione más y más por los asesinatos, consumiéndose en un estado casi de locura. Notable alto para Hawke, quien logra transmitirnos su temor y sus miedos, asustándose como lo haría cualquier persona, sin sobreactuar, sin ser predecible, algo que en un film de terror siempre suele ser difícil de ver. James Ransone (“The Wire”, 2002-2008) interpreta al policía que ayuda a Oswalt a investigar los asesinatos que se ha ido encontrando. Siendo su interpretación de carácter secundario, Ransone cumple bien, siendo un personaje enigmático del cual no entendemos del todo su obsesión por querer ayudar al protagonista, lo que nos hace dudar de sus intenciones durante el transcurso del film. Vincent D'Onofrio es quizás la interpretación que “pincha”, ya que su presencia en la cinta es meramente de apoyo y únicamente se le ve a través de la pantalla del ordenador cuando habla vía webcam con el protagonista. Puedo decir con total seguridad, que el hecho de que “Sinister” sea un film poderoso en su género, es en parte por su escalofriante banda sonora, realizada por Christopher Young, quien curtido en el género con trabajos como Hellraiser, ha sabido componer unas partituras magistrales. He escuchado bastantes trabajos del compositor de Nueva Jersey y puedo afirmar a nivel personal, que es de lo mejor que ha hecho hasta el momento. El horror en estado puro que se ve en la cinta no sería el mismo sin los temas que se escuchan en el film, mientras el protagonista visualiza los rollos de Super 8 con impacto e incredulidad. Por lo que no puedo decir ni una mala palabra sobre este apartado, siendo uno de los pilares del film. Recalco los detalles que me han gustado del film como la importancia que el director le da al proyector Super 8, mostrándolo como si fuera un protagonista más y no escatimando ni un plano en detallar de cómo se monta el proyector, coloca la cinta o lo enciende. En definitiva, “Sinister” convence, impacta y consigue con bastante sencillez causar un horror y temor más que convincente. Con escenas palpables en las que Hawke logra de una manera eficaz meternos el miedo en el cuerpo, transmitiéndonos lo que él siente. Sinister
