Red Snow es una aventura dramática que comienza cuando Dylan, un soldado gwich'in del Ártico canadiense, es atrapado en una emboscada en Panjwayi, Afganistán. Su captura e interrogatorio por parte de un comandante talibán libera un alijo de recuerdos relacionados con el amor y la muerte de su prima inuit, Asana, y lo une más a una familia pastún mientras escapan a través de paisajes traicioneros y a través de una tormenta de nieve que se convierte en la clave para sobrevivir. ....Red Snow critica: sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia..... Red Snow
Durante el siglo XVI, los piratas japoneses proliferan a lo largo de la costa china. En 1557, los piratas toman Cengang en Zhejiang. Después de meses de vanos avances, el Comandante Yu (Sammo Hung) finalmente los derrota bajo la dirección del recién ascendido General Qi (Vincent Zhao). Los piratas, sin embargo, logran escapar. En 1561, los piratas se reagrupan y atacan de nuevo las ciudades costeras de China. Con las dos ciudades de Xinhe y Taizhou bajo ataque, el ejército de Qi está atrapado entre dos fuegos. A pesar de que la mayoría de los miembros de la familia de sus soldados se encuentran en Xinhe, Qi toma la decisión difícil de ir a Taizhou y deja a su esposa a cargo de la lucha contra los piratas en Xinhe, sabiendo que la derrota del equipo de élite de los piratas en Taizhou traer paz duradera a las ciudades costeras. critica: God of War, película del director chino Gordon Chan, presenta la lucha entre los piratas y el ejercito oficial en el siglo XVI. God of War No soy muy conocedor del cine bélico, no es mi genero favorito, sin embargo las escenas de lucha estan muy bien trabajadas, además las actuaciones ayudan a realzar el transcurso de la historia. faltó a mi parecer, más de las tradicionales artes marciales de Vincent Zhao. La historia tiene algunos tropiezos en el guion, se hace lenta en algunas partes pero la puesta en escena y las batallas hacen pasables las 2 horas que dura. God of War
Alana Kane y Gary Valentine se conocen, pasan el tiempo juntos y acaban enamorándose en el Valle de San Fernando en 1973. critica: Chico conoce chica. Y ya está. De eso trata Licorice pizza. De primeras podría parecer un argumento demasiado manido, visto ya mil veces, demasiado simple... Y lo es, pero en la nueva película de Paul Thomas Anderson lo importante no es el argumento, la trama, lo que cuenta, sino la suma de tres puntos: la manera de contarlo, la época que se retrata y el espacio en el que transcurre. Licorice Pizza 1973 en el valle de San Fernando. Gary se prepara para la foto del anuario de su instituto y allí conoce a la ayudante del fotógrafo, Alana, casi diez años mayor que él. Muy seguro de sí mismo, se viene arriba y decide invitarla al bar al que él suele ir. Tras un sonoro e instantáneo rechazo, sorpresa. ella acude a la cita. Licorice pizza sigue cómo esta relación tiene lugar por parte de dos jóvenes en plena adolescencia: él estrenándola y ella resistiéndose a abandonarla. Una chica que no quiere madurar y un chico que quiere ser mayor. Es innegable que el carisma, la chispa y la vitalidad del dúo protagonista bien podrían sostener las más de dos horas de metraje, pero no estamos hablando de una comedia romántica al uso. El Qué, se ve alzado y desarrollado a su máxima expresión gracias al Cuándo, al Dónde, y sobre todo, al Cómo. Tras Boogie nights y Puro vicio, es la tercera vez que Paul Thomas Anderson retrata los años 70 y en esta ocasión sublima la representación de la época. En Boogie nights quiso abordar el funcionamiento de toda una industria a través de un actor porno y su séquito. La majestuosidad de su puesta en escena, la ambición de aquella, su exitosa segunda película, y todo el contenido de su trama rocambolesca resultaron en una obra de una consistencia y potencia sorprendentes. Se presentaba al gran público el Anderson cartógrafo, el pupilo de Altman que construía y a la vez limitaba el patio en el que la acción transcurría, en el que los personajes se entrecruzaban y, a partir de estos encuentros, el relato avanzaba. Eso sí, el problema de los atlas es que pasan por alto el detalle. Los Ángeles aparece en todos los mapamundi, pero para las esquinas en la que los comercios quiebran y vuelven a abrir se necesita un mapa mejor adaptado. Abarcar menos y apretar más. En Licorice pizza Anderson nos convierte en exploradores de un terreno que él ya conoce. Nos permite captar toda la ciudad y la época gracias a la precisión con la que agarra la cámara y la pluma, digna del Cassavetes de Minnie & Moskowitz. Esta vez, el espacio se crea a partir de los recorridos de los personajes. Si bien, estos periplos parecen modestos, los lugares y personajes con los que coinciden provocan una expansión del marco espacial en la mente del espectador y hacen que captemos toda la esencia de Los Ángeles a través de las vivencias de los dos jóvenes. Licorice pizza, la pizza de regaliz eran los LP en el argot, según el propio Anderson, símbolo inequívoco de su infancia. Si el Combray de Proust emergía de una magdalena que caía en el té, Los Ángeles de Anderson salen de un vinilo que da vueltas y cuya banda sonora acompaña toda la película. Si bien hay una creencia por la que el mejor montaje cinematográfico es aquel que apenas se nota, en Licorice pizza la virtuosidad del cineasta hace que su dirección pase desapercibida, lo que no significa que sea inapreciable. Esto es debido a la ligereza de la que dota cada instante sacado de las anécdotas de Gary Goetzman, productor de cine, Además, logra transmitir al público una sensación de eterna juventud y despreocupación en cada movimiento, como si la cámara flotase y por lo tanto nuestra mirada de espectador se volviera liviana, como si el movimiento grácil, las muecas socarronas y las miradas pillas de los protagonistas fuesen contagiosas pese a la barrera de la pantalla. Licorice Pizza
Enfrentadas a sus fantasías más ocultas, seis parejas intentan explorar las facetas más oscuras de su vida íntima. Seis puestas en cuestión sobre el acceso al placer. Desde los juegos de rol a la abstinencia, pasando por el exhibicionismo, seis historias distintas alrededor del mismo cuestionamiento sobre lo que es el deseo hoy en día. critica: El dúo formado por los hermanos Foenkinos, Stéphane y David, ya ha producido varias proyectos, entre ellos alguno tan sugerente como La delicadeza. Ambos son coguionistas y codirectores también de Las fantasías, una comedia desenfadada acerca de los deseos sexuales que se salen de lo común. Las fantasías Su premisa no es demasiado original desde el momento en el que, como ellos mismos cuentan, se inspiraron tanto para el tema como para el formato en una producción australiana de 2014, La pequeña muerte. Los Foenkinos han concebido el guion, a imitación del film citado, estructurado en pequeños sketches, a modo de capítulos unidos por el tema principal y protagonizados por distintos personajes y actores. Apostar por este formato tiene, como suele ser habitual, el riesgo de que la distinta intensidad, elenco, interés, escenario o eficacia de cada relato confiera irregularidad al conjunto, como efectivamente vemos que pasa en Las fantasías. La película empieza con pulso y con la promesa de una planificación diversa, de pantallas partidas que, sin ser original, introduce cierta gracia a la narración. Su último fragmento consigue mantener la inercia y añadir un detalle que pone sutilmente punto final. Sin embargo, entre medias, la atención del espectador ha tenido ya demasiados altibajos. La ilación entre los capítulos está hecha con imaginación y soltura y el público entra en el juego de esperar el título que ya sabe que vendrá tras las primeras escenas. No obstante, del mismo modo, este sistema de episodios hace que nunca (o demasiadas veces) se alcance el punto máximo y, por lo tanto, no se atisbe un final que debería anunciarse de alguna manera. Del tedio que esto pudiera producir, salva la prodigiosa interpretación de casi todo el reparto, con unas actuaciones que conociendo los nombres no sorprenden, pero no dejan de maravillar por su naturalidad y tono espontáneo. Tema aparte merece el contenido de Las fantasías. El extraño catálogo de parafilias sexuales, llamadas así por la medicina, son tratadas por Foenkinos en tono de comedia, con desenfado y desinhibición, dando carta de cotidianeidad a lo que, por propia definición, es algo inusual y excesivamente peculiar. Este largometraje subraya su carácter lúdico, aunque soslaya las graves consecuencias que suelen causar y, casi más preocupante aún, el aburrimiento que provoca en las parejas la desconexión entre sexo, amor y familia. Tengo claro que no era el objetivo. Y, sin embargo, cuando se van sofocando las risas al terminar el film, una mínima reflexión acaba por hacernos comprender que Las fantasías son, efectivamente, muy poco reales. www.contraste.info Las fantasías
Cuando Tony Stark intenta reactivar un programa caído en desuso cuyo objetivo es mantener la paz, las cosas empiezan a torcerse y los héroes más poderosos de la Tierra, incluyendo a Iron Man, Capitán América, Thor, El Increíble Hulk, Viuda Negra y Ojo de Halcón, tendrán que afrontar la prueba definitiva cuando el destino del planeta se ponga en juego. Cuando el villano Ultron emerge, le corresponderá a Los Vengadores detener sus terribles planes, que junto a incómodas alianzas llevarán a una inesperada acción que allanará el camino para una épica y única aventura. critica: La gran película que reúne a los héroes mas poderosos de la Tierra (y alguno de Asgard) otra vez, se convierte en una parodia de la primera entrega, siendo sin duda, lo mejor los trailers y los efectos especiales. Vengadores: La era de Ultrón No es que no ha gustado porque sea un súper forofo de los comics y han puesto la suela las botas de alguien rojas cuando son moradas, o soy un erudito cinéfilo que solo ve cine ruso sin subtítulos. Tampoco estaba espoleado por el "hype". Me ha decepcionado por la flojera de los guionistas. La "era de Ultron" dura 48 horas y el mundo no parece enterarse de su existencia. El mismo titulo ya engaña. Mas en los spoilers. Vengadores: La era de Ultrón
Un hombre despierta en un hospital, incapaz de recordar quién es. Poco a poco y con la ayuda de una doctora, se va recuperando. Sin embargo, su pasado no tarda en alcanzarle, cuando un capo de la droga secuestra a la médica. El desmemoriado Ishmael deberá enfrentarse a una banda de luchadores que, quizá, fueron también sus compañeros. critica: ¿Disfrutaste en grande The Raid: Redemption de Gareth Evans? Si la respuesta es sí, Headshot no te defraudará y desde ya puedes ir a verla, tal y como yo lo hice después de leer los nombres de Iko Uwais, Kimo Stamboel y Timo Tjahjanto. El primero, de la mano de Evans actor protagónico del “renacimiento” del cine de artes marciales nacido en el Oriente Extremo (filmes de acción más encaminados a la filosofía y el drama en el Japón feudal, ejemplo de ello son títulos de Akira Kurosawa como Sugata Sanshirô de 1943), adoptado por Hong Kong y exportado (explotado) en Estados Unidos en los 70’s (Kung Fu, la serie donde salía David Carradine) y la influencia de Bruce Lee. Con el tiempo se convirtió meramente en Cine de Acción, en donde su fuerte recae en la veracidad de sus coreografías, dejando de lado la trama. Y hoy en día… ciertamente “pasado de moda”, notándose menos películas, y de haberlas, más inclinadas a las artes marciales mixtas, kickboxing, peleas callejeras… y la verdad que eso es más lo mío, disfrutando en su momento de Undisputed I, II y III, peleas colegiales en Crows Zero I y II, y cuando era niño hasta del torneo por el dragón de oro en Contacto Sangriento (1988) con Van Damme; prefiriendo poco el otro cine de artes marciales, casos aislados son 13 Asesinos (2010) o Yakuza Apocalypse (2015), ambas de Takashi Miike. Headshot ¡Pues bien! En el 2011 Evans nos traía de una manera espectacular y con una trama simplista, el nuevo cine indonesio de artes marciales en The Raid 1 y 2 (ambas geniales), repleto de brutales combates cuerpo a cuerpo, y la violencia explosiva del armamento de asalto. Genial. Con semejante calidad de violencia poco me importa la esterilidad dramática. Uno se lleva en el recuerdo a personajes como Mad Dog, Hammer girl o Baseball bat man –si no sabes de qué estoy hablando, no dudes en verla–. Pero eso es Evans. ¿Qué hay de Kimo y Timo? Bajo el nombre de The Mo Brothers y con filmes como Macabre (2009) y Killers (2014) son los directores más sólidos dentro del cine de terror indonesio. Por un lado (Macabre), un gore exquisito de la vieja escuela, y por el otro (Killers) un despiadado e inteligente filme de suspenso y asesinos seriales. De ahí lo prometedor de la combinación: Iko Uwais + Kimo Stamboel y Timo Tjahjanto. Con bastante previsibilidad y no por ello menos efectividad, Headshot narra la historia de Abdi. Un misterioso hombre que es arrastrado inconsciente por la marea hacia la costa, siendo encontrado e internado en el hospital de un pequeño pueblo. Bajo los cuidados de la joven y hermosa doctora Ailin, Abdi despierta del coma, sin embargo amnésico, debido a los restos de una bala alojados en el cerebro. Con el nuevo nombre de Ishmael, tiene la oportunidad de reiniciar su vida a lado de Ailin y los amables lugareños de la isla; por desgracia esto no durará mucho, la noticia de su aparición llega a oídos del jefe criminal Lee, quien recientemente ha tenido un sangriento escape de prisión y sabe exactamente quién es Abdi. Dispuesto a cobrar la deuda que éste le debe, Lee secuestra a Ailin para atraer al ahora Ishmael al seno de su organización y terminar con él por una vez de todas. Con reminiscencias pero sin en lo absoluto llegar a ser una The Raid 3 –no, no, ésa llegará en el 2018 a través del propio Gareth Evans–, The Mo Brothers ejecutan un filme repleto de acción con una estructura similar a los filmes de Evans: coreografías bien trabajadas, violencia explícita y visceral (quizá un poco más fuerte al involucrar aquí a niños y mujeres) y combates uno a uno in crescendo (hasta llegar con el jefe). Es la película en la que han contado con mejor presupuesto, y eso se percibe en la edición de sonido y la calidad de fotografía, ofreciendo una delicia cada que vemos como un rostro es reventado a golpes o los huesos crujen. Otro aspecto que comparte con The Raid (el cual es negativo pero no mella nuestra apreciación) es la actuación: no es su fuerte. Los villanos cumples su función satisfactoriamente. Los protagonistas son los que fallan: “Iko Uwais” será muy bueno para pelear no así para interpretar sentimientos o recitar diálogos, y la bella Chelsea Islan… ¿sobreactuada? No sé... bueno, nimiedades. Basta de similitudes, debo mencionar algo en lo que The Raid y Headshot difieren: su trasfondo melodramáticamente artificial. No me gustó y es lo que sí termina mermando ligeramente mi nota. No pido un argumento inteligente en películas con estas características, pero sí, que no me disfracen el producto de sensiblería sosa. Finalmente, ¿es una película recomendable? Por supuesto. Hartamente entretenida si te gusta el cine asiático extremo, The Raid, y/o el cine de acción y de artes marciales. ¿Es mejor que The Raid? No. ¿Es la mejor película de The Mo Brothers? No. Carece de la “originalidad” e inteligencia de The Killers, también de la pasión desordenada y aún inexperta de Macabre. Eso sí, es un filme más maduro. http://teatro-vandrian.blogspot.mx Headshot
