Marianne y la pócima del amor (Strange Magic)

7.1
Musical inspirado en El Sueño de una Noche de Verano, de William Shakespeare, donde “canciones populares de los últimos 60 años relatan la historia de un nutrido reparto de goblins, elfos y hadas, y sus encontronazos para hacerse con una poderosa poción”. (FILMAFFINITY) critica: ¿Quién no quiere cantar cuando está enamorado y feliz? ¿Quién, de hecho, no lo hace en casa simplemente porque se siente de buen humor? ¿Quién no ha aspirado a que alguien nos quiera? ¿A quién no le amarga un poquito el carácter un rechazo o una decepción sentimental? ¿Quién no tiene una madre pesada que quiere que seas, oh, miserable vida, simplemente feliz? Marianne y la pócima del amor (Strange Magic) Strange Magic no pretende innovar. Hasta me atrevería a decir que tampoco pretende sorprender, al menos a nivel argumentativo. Visualmente, como vienen siendo las películas de animación de la última década, es de un realismo apabullante, y para quienes ya tenemos cierta edad y hemos crecido con la evolución de los dibujos y la tecnología, nos sigue descolgando la mandíbula que se haya alcanzado este nivel de detalle, expresividad y precisión. ¡Qué no veremos en los próximos 10 años! Las canciones están bien escogidas y no interfieren en el desarrollo de la historia, bien al contrario, hacen que una pelea que pudiera ser aburrida se haga más amena. Francamente, no comprendo las denostadas críticas hacia este largometraje surgido de la imaginería de George Lucas. No, no es una Toy Story, ni una Shrek, pero tampoco es una película de Barbie. Es una fantasía animada, entretenida, sin nada que reprochar técnicamente y que te hará tararear algunas canciones famosas. Marianne y la pócima del amor (Strange Magic)
<

Torrents

Servidor Formato Idioma Fecha Tamaño Total Descargas Descargar
Torrent 1080p Dual Español Latino 14/05/2022 1.50 GB 1 Descargar
Torrent 1080P Español Latino 14/05/2022 1.60 GB 0 Descargar

Comentarios

También te puede interesar

Modern Life Is Rubbish

Musica Romance
7.2

Unidos por su amor a la música, la relación de 10 años de Liam y Natalie llega a un punto de inflexión. Deciden separarse, pero a la hora de repartirse los discos, la banda sonora de sus vidas les vuelve a unir. critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Modern Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia. Modern

Your name

Animación Drama Romance
8.5

Taki y Mitsuha descubren un día que durante el sueño sus cuerpos se intercambian, y comienzan a comunicarse por medio de notas. A medida que consiguen superar torpemente un reto tras otro, se va creando entre los dos un vínculo que poco a poco se convierte en algo más romántico. critica: Makoto Shinkai con el tiempo ha sabido consolidar su sitio como uno de los grandes Directores de Cine de Animación de Japón, con sus películas tan estilizadas, sus planos y cambios de cámara, su belleza al contar una historia y el detalle que le confiere a cada una de sus cintas. Sin embargo con el correr del tiempo se ha bañado en criticas que lo endulzan como el mejor director cuando a mucha gente no le gustan sus filmes por uno u otro motivo. Your name Más allá de que seas pro o no Shinkai, Makoto sabe lo que hace. Si bien algunas de sus producciones pueden estar un poco sobrevaloradas, nunca serán malas. Desde mi punto de vista, este señor hace producciones más que muy buenas. Su ultimo estreno Kimi no Na wa, o Tu Nombre, por su traducción al castellano, esta lejos de ser una de sus mejores obras, sin embargo es una película a la cual tengo envidia de no poder haberla visto en los cines de Japón y al tiempo que salio (Fines de Agosto de 2016). No le voy a hacer toda la justicia que se merece en esta pequeña reseña, ya que opino que la película se disfruta más en una calidad HD o directamente en Cine, debido al detalle que Shinkai utiliza en sus obras, sin embargo, si alguno aun tiene dudas de si ver o no esta película, o de si esperarla para verla en una calidad decente yo opino que hace lo correcto. Por mis ansias de verla tuve que aguantarme una calidad mucho menor, no obstante, no deja de ser disfrutable por eso. Kimi no Na wa es una película para toda la familia que cualquiera puede entender, esta muy bien estructurada y pensada de manera que transmita los sentimientos de los protagonistas de una forma muy elegante, con sus cambios de planos, sus sonidos, los detalles, el dibujo... Todo fomenta que los sentimientos de los protagonistas salgan de la pantalla e inunden nuestros corazones (si, así de cursi, pero así lo sentí). Sin entrar mucho en detalle, la trama es lo mejor de la película, los personajes están muy bien desarrollados (aunque con algunas pequeñas fallas, pequeñitas) lo que hace que el espectador este constantemente pegado a la pantalla preguntándose que ocurrirá después. Es preciosa en todo sentido y brilla por si sola, acompañada de una banda sonora y unas canciones que le hacen total justicia. Tiene tanto momentos de comedia, como de drama, así como momentos que pueden a mas de uno hacer que se le escape una lagrima (a mi se me escaparon mil). Visiten mi blog para más reseñas! Gracias por leer. http://categoria-aristotelica.blogspot.cl/2016/11/resena-rapida-kimi-no-na-wa.html Your name

Jersey Boys

Drama Musica
6.8

Se centra en la carrera de Frankie Valli, el líder de la banda 'Four Seasons', cuyos éxitos más sonados fueron 'Big Girls Don't Cry', 'Grease' o 'Can't take my eyes off you'. La vida de Valli estuvo llena de polémica y mantuvo siempre una relación fluida con la mafia, hecho que acabaría por pasarle factura. critica: No es la primera vez que Clint Eastwood entra en terrenos musicales (en cuanto al género cinematográfico), ya antes había demostrado su valía de forma superficial en El aventurero de medianoche y ya más en forma en Bird donde realizo un biopic del legendario Charlie Parker. Ahora el director llega con Jersey Boys, una cinta que narra la historia musical de Four Seasons, un grupo que tuvo gran auge en los 60s con éxitos como Big girls don´t cry o Can't take my eyes off you. Jersey Boys Para la narración de su Jersey Boys Eastwood toma una decisión que pudo resultar arriesgada pero que es bastante acertada, buscando hacer una especie de homenaje al cine de Martin Scorsese más específicamente a su Goodfellas, de echo podemos afirmar que se trata de un homenaje constante, desde la presentación de los personajes, el dibujo de varios de ellos, la progresión de la historia, incluso se dan pequeños guiños al cine de gangsters. Los personajes de Eastwood miran a la cámara e interactúan con el espectador, evolucionan a través de los años y manejan de forma alterna su carrera con su vida privada, como si de un documental se tratara somos testigos de la creación de Four Seasons, de cómo se une cada uno de sus integrantes, de sus primeros éxitos, de su llegada a la fama y finalmente su caída, todo narrado de forma elegante y clasicista. Nuevamente el director de Million dólar baby da muestras de su maestría tanto a nivel narración como su trabajo con la cámara y manejo de actores, a medio gas este señor es capaz de conseguir lo que otros a su cien por ciento, manejando fantásticamente los tiempos utilizando elipsis y flashbacks ejecutados de forma eficaz, mientras que el trabajo de cámaras es para degustar lentamente, paneos, close up, todo marca de la casa. Para la formación del casting principal Eastwood recurre a actores desconocidos, tres de los cuales cumplen con sus papeles, mientras que Vincent Piazza (Boardwalk Empire) se come a todos sus compañeros de elenco, su Tommy DeVitto es un personaje fantástico, tan fácil de querer y tan fácil de odiar, es el motor del filme y aunque termina por ser relegado después a un papel secundario (en beneficio del personaje de Frankie Valli) es al final quien se queda en la mente del espectador. Hablando de Tommy DeVitto, el filme no pierde oportunidad para hacer alusión a Joe Pesci cuyo personaje en Goodfellas es prestado del integrante de Four Seasons, abriendo incluso la relación entre el actor y el músico. Frank Sinatra y Ringo Starr son otros de los mencionados en este filme, incluso a modo de cameo Eastwood aparece unos segundos en pantalla. El punto débil de Jersey Boys viene en un guion bastante elemental, justito y poco trabajado en personajes y diálogos, por momentos hace más fuerza y carisma en la historia y en sus protagonistas (sin contar a DeVitto), aunque bien el filme posee uno que otro chiste que harán soltar la carcajada. Todo termina siendo muy predecible. También hay que decir que la parte inicial se pudo haber pulido más a nivel narrativo, media hora en la que Eastwood tarda en hacerse por completo de la historia sintiéndose un poco tropezada, terminando este bache el ritmo es excelente. Christopher Walken por su parte no pinta nada en la película, pasado de rosca en todas sus escenas. No, no se trata del Eastwood de Unforgiven, Million dólar baby o Letters From Iwo Jima, tampoco el de Los puentes de Madison, Un mundo perfecto o Changeling, Jersey Boys viene a unirse a sus filmes menores como Deuda de sangre o Flags of our fathers, pero sí de esta calidad son los filmes menores de esta leyenda de la dirección, por mí que siga en activo otros diez años más. Eso sí; cuando vuelva a tener un guion a su altura, atención señores, atención. ayala1788 Jersey Boys

Kubo y las dos cuerdas mágicas

Animación Aventura Familia
7.7

Kubo es un joven desaliñado y bondadoso que se gana la vida humildemente y cuida de su madre en una apacible aldea costera. Tiene una tranquila existencia hasta que un espíritu del pasado vuelve para llevar a cabo una vieja venganza. De repente, rodeado por dioses y monstruos, Kubo verá que su supervivencia pasa por encontrar la armadura mágica de su caído padre, el más grande samurai que el mundo ha conocido. Llenándose de coraje, Kubo se embarca en una emocionante odisea enfrentándose a su historia familiar, navegando entre los elementos y luchando valientemente por la Tierra y las estrellas. critica: Hablar del estudio de animación Laika es hacerlo de uno de los más libres y personales que se encuentran a día de hoy produciendo cine en el seno de Hollywood, y con sólo cuatro películas han conseguido no sólo labrarse un nombre sino abrir nuevas vías en un medio que cada vez se encuentra en mejor forma a nivel comercial sin que esto encuentre réplica en lo cualitativo. En un año en el que las franquicias numeradas no han dado precisamente lo mejor de sí y cuando incluso Pixar ha flaqueado con su "Buscando a Dory" (aún habiendo entregado un trabajo digno, pero falto de imaginación) han tenido que llegar los responsables de "Coraline" a dar un puñetazo sobre la mesa y demostrar que aún tienen aquello que hace falta para perdurar: una visión, un objetivo y sobre todo, el talento para llevarlo a cabo de la mejor forma posible. Kubo y las dos cuerdas mágicas De base, "Kubo y las dos cuerdas mágicas" es la sencilla historia de un pequeño niño cuyo pasado le persigue sin que él siquiera lo sepa, abriendo la caja de Pandora en el momento menos adecuado y dando así inicio a un viaje que se muestra como físico pero que en el fondo se entiende iniciático, de la niñez a la edad adulta, sin peajes de por medio. Kubo enfrentará varios peligros contando con la ayuda de ciertos personajes pero su mayor desafío será sobreponerse al gran mal del cine de Laika: un tercer acto desvalanzado, sin la misma fuerza expresiva que el resto de su metraje, abandonando lo que hacía especial al film para abrazar de lleno los mecanismos más convencionales de este cine. Y es una pena porque la historia se construye sobre el clasicismo, y es capaz levantar metáforas e ideas visuales fascinantes hasta que llega la hora de la verdad y deciden pulsar el botón del modo pánico; no vaya a ser que quede la cosa agridulce y los peques se queden con mal sabor de boca. Afortunadamente, creo que "Kubo" es una película que puede sobrevivir a ese bajón en su último acto porque en todo lo demás es un verdadero prodigio, desde ese maravilloso prólogo que por emoción y capacidad expresiva no tiene mucho que envidiar al Pixar más inspirado ("Toy Story 3", "Up") hasta el punto de acercarse a esa sensibilidad asiática tan propia de Miyazaki o Hosoda, pasando por algunos momentos de verdadero éxtasis en lo puramente estético. Cuando vi "Los Boxtrolls", me lamenté de un guión plano pero aplaudí su fascinante apuesta estética. "Kubo" está al mismo nivel o incluso por encima y eso es mucho decir, pues es incuestionablemente uno de los films en stop-motion más hermosos que se han filmado Y para poner nombre y apellido al "culpable" de que esto sea así, hay que citar a Frank Passingham, un director de fotografía veterano en Aardman que trabajó en films como "Chicken Run" o "¡Piratas!". En resumen, "Kubo y las dos cuerdas mágicas" es una película magnífica a la que se le puede poner algún pero en su tramo final pero esto sucede, sobre todo, porque lo anterior había sido tan bueno, sorteando incluso algunas trampas habituales, que en comparación palidece un poco. Pero su nivel general es tan alto en lo narrativo y sobre todo lo técnico que se me ocurren pocas razones para no recomendársela a cualquier persona interesada en un cine capaz de contar buenas historias sin necesidad de sobrecargarlas con elementos innecesarios; y eso, ya sea en animación o fuera de ella. Kubo y las dos cuerdas mágicas

Batman: Gotham a Luz de Gas

Acción Animación Ciencia ficción Suspense
6.7

Adaptación de la novela gráfica creada por Brian Augustyn y Mike Mignola, que sitúa a Batman en el siglo XIX con Jack el Destripador como villano. critica: Parece mentira que tras lo perpetrado con la obra de Alan Moore tanto por la parte de Jack el Destripador como con la mismísima Broma Asesina, sea esta 'Batman: Gotham a la luz del gas' -la cual no es ni su creación- la que tal vez rinde mejor tributo al tratamiento de Moore con respecto a una creación y otra. Esta asombrosa película de animación PARA ADULTOS tiene las vísceras de sorpresas provocativas de el Destripador, a la par que el tratamiento sombrío y moralmente ambiguo del Batman más detectivesco y sufridor de palizas físicas. Una sorpresa gigantesca para un servidor. Batman: Gotham a Luz de Gas De momento el universo animado de DC lo había clavado para mí en 'Asalto en Arkham' entregando una gran película del Escuadrón Suicida. Ahora esta película que al menos para mí ha emergido de la nada merece estar posicionada a su lado. Es una hora y cuarto de entretenimiento oscuro y tensión narrativa entre personajes y resoluciones de conflictos muy bien manejada. No sólo la animación corre a cargo de la fantástica ambientación en el siglo XIX, ni tampoco sus escenas de acción son tan vistosas como cabría esperar y exigir. El cómo juguetean con la mitología del universo del hombre murciélago así como el trasvasar a sus personajes a esa época y bajo ese argumento es una jugada excelente. He disfrutado con los retratos de Harvey Dent y James Gordon en esta película, así como el de Selina Kyle y el cómo juegan con la inclusión de guiños como el de la Batseñal y la Batmoto (más en esos tiempos sin la tecnología de vanguardia que caracteriza al humano superhéroe). El guión juega sus cartas de forma inteligente. Se permite modificar la historia y el tercer acto de la novela gráfica en la que se basa y para muy bien en mi opinión. Toda una lección de cómo tomar una mitología y unos personajes tan conocidos y presentarlos de forma inesperada y magnética. Una versión en carne y hueso puede que no hubiese ni llegado a estos niveles. Debido a aparecer de ninguna parte, puede que nadie la espere. Pero, por favor, tenéis que verla. Seáis fanáticos de Batman (del buen Batman, quiero decir), del Londres del Siglo XIX, de Jack el Destripador o simplemente de una intriga inteligente resuelta de forma magistral. Es cine de superhéroes -no olvidemos la base de todo- que hereda el intentar hacer algo diferente con el género y el tebeo como los grandes padres del género como 'El caballero oscuro' o 'Logan' hicieron, pero aquí dentro de los códigos de la animación. 2018 me ha entregado su primera gran sorpresa. Batman: Gotham a Luz de Gas

Bajo cero

Aventura Drama Familia
7

En la Antártida, los miembros de una expedición científica se ven obligados a abandonar a sus queridos perros guía debido a un accidente inesperado y a las terribles condiciones meteorológicas. Los perros tendrán que luchar para sobrevivir en medio del invierno polar hasta que los exploradores puedan enviarles una expedición de rescate. Esta historia inspirada en hechos reales, ya había sido adaptada al cine en 1983 por el director japonés Monogatari ("Antarctica"). critica: Bajo cero está inpirada en una historial real, es un film que se debería de ver por su sentimiento de compañerismo entre la figura del hombre y la figura del perro, por sus preciosos escenarios de la Antártida, por la angustiosa historia del portagonista de salvar a sus perros y por la lucha por la supervivencia que desempeñan estos animales en la Antártida. Son maravillosas las escenas de como estos perros logran salvar muchas adversidades sin ayuda alguna y por medio de su instinto, como se comunican entre ellos y como se deja ver en la película la jerarquía que hay en este grupo de perros. En mi opinión no tiene ninguna falta la película y su director puede estar orgulloso del trabajo realizado. Especialmente para amantes de los animales. Bajo cero