Inglaterra, principios del siglo XX. El futuro escritor y filólogo John Ronald Reuel Tolkien (1892-1973) y tres de sus compañeros de escuela crean un fuerte vínculo entre ellos al compartir la misma pasión por la literatura y el arte, una verdadera hermandad que se fortalece a medida que crecen; pero el estallido de la Primera Guerra Mundial amenaza con destruirla. critica: El biógrafo de J.R.R. Tolkien, John Garth, dice que entiende por qué la sociedad oficial de Tolkien y su familia se desvincularon por completo de este proyecto y anima a cualquiera que esté interesado, a que busque información sobre la verdadera vida del legendario autor. En mi opinión la película viene a ser otro ejemplo de como Hollywood suplanta a una personalidad interesante y rica, por un estereotipo plano y sin alma que encaje en su esquema. Tolkien La película "Tolkien (2019)" ignora el eje central de la vida de Tolkien: el catolicismo. El autor de "El señor de los anillos" fue un fiero defensor y dedicó gran parte de su vida al estudio de la religión católica. Casi cualquier carta de su abundante correspondencia da testimonio de su fe. La cinta evita o ignora esto, distorsionando así puntos cruciales en su vida: - La madre de Tolkien, Mabel, murió de complicaciones de diabetes. Su familia, que era protestante, se negó a ayudarla económicamente ya que ella se había convertido, junto con sus dos hijos, al catolicismo. Aún así ella prefirió no renunciar a su fe y creencias. Años más tarde Tolkien criticaría duramente al protestantismo por ser en sus palabras "una rama del cristianismo basada en el odio al catolicismo" y elogiaría a su madre. - A los 12 años es acogido por un cura católico, quién dará al huérfano un lugar en el mundo, le ayudará a crecer, a desarrollar su interés por las lenguas y a convertirse en estudiante de Oxford (aunque en este film solo se le presente como una figura severa que le regaña o le da malos consejos). - Tolkien mantuvo correspondencia con estudiosos como C.S. Lewis (autor de Narnia) sobre el sentido del cristianismo y la importancia de la doctrina católica. Criticó severamente el cambio del idioma en que se hacían las misas (del latín al inglés), y su hijo Christopher recuerda como le avergonzaba que su padre alzase la voz en latín en mitad de la misa. Pero en la película no se hace ni la más mínima mención a su vínculo con la religión, de vital importancia para entender su personalidad. No es descuido ni equivocación, tuvieron que saberlo pero lo arrancaron de raíz. Incluso parecen sugerir lo contrario: en la casi única referencia que se hace en el film a que una vez existiese algo llamado cristianismo, el cura le dice a Tolkien que no es buena idea andar con Edith en público ya que ni siquiera están casados, a lo que el escritor responde con una mueca de incredulidad y desagrado, como si le hubiese dicho algo completamente absurdo y anticuado para esas personas en esa época. El Catolicismo es más importante para entender su obra que la mitología nórdica y las Eddas, más importante que "El anillo de los Nibelungos", más que "la leyenda del anillo de Gijes" (en "La Republica" de Platón), más importante que la mitología céltica, las leyendas artúricas y el folklore y literatura anglosajones. Como cristiano convencido se puede decir que su relación con Dios era incluso más importante que sus amigos y que su esposa para él. En su magnífica obra, Tolkien reserva para el catolicismo un lugar especial entre las otras influencias y en sus cartas lo llama en varias ocasiones el "Mito verdadero" situándolo por encima de todo lo demás. Al eliminar la piedra angular de su psique el biopic queda hueco así que hay que rellenarlo con una historia genérica de "chico nuevo encuentra amigos en el colegio" vista ya mil veces; otra de amor homosexual no correspondido que, de existir (según creo está basada en una mala interpretación de una frase en una carta), no tendrá trascendencia ni en la obra de Tolkien ni siquiera en este film, la metieron porque si; y su historia con Edith se convierte en otra historia de amor prefabricada de Hollywood, más que vista también. En las escenas de guerra el único símbolo de esperanza es un caballo blanco (?), ¿no cabría pensar, que en mitad de la guerra, sus miedos y esperanzas se tornasen hacia la fe que profesó toda su vida? Y no solo eso sino que al final de la guerra meten una escena de un crucifijo quemado (¿?). ¿Es que a alguien le va a hacer daño saber que Tolkien era cristiano? En una especie de inversión extraña hoy en día se censura lo religioso y parece obligado mostrar constantemente la violencia y el sexo explícitos. Me parece siniestro este ímpetu con el que se nos inculca un laicismo prejuicioso e intolerante. Lo queramos o no, para entender nuestro cine, nuestra historia, nuestra cultura, nuestro arte y hasta nuestra ciencia; es fundamental entender la religión cristiana. Tolkien
Basada en la experiencia vivida por el británico Billy Moore, que sobrevivió a una dura experiencia en una cárcel en Tailandia convirtiéndose dentro en boxeador. critica: Honestamente, filmar cámara en mano, bien pegadito a un protagonista que le pasan mil putadas, me parece la vía fácil. Porque sí, el cine es sobre todo imagen y mejor prescindir de la palabra, pero también es herencia, legado y novedad, no filmar una dramatización con el baremo de calidad "vídeo de comunión". Una oración antes del amanecer 'Una Oración antes del Amanecer' tiene bases muy potentes, aunque da la impresión de creerse más buena de lo que es. Y es verdad que eso le da pies durante un buen rato, pero también que solo verdaderos narradores pueden sostener dos horas de gruñidos tailandeses en plan documental: no, no me "resulta incómodo quedarme con ella durante dos horas" como dice alguna crítica profesional, se me hace más bien tedioso porque la identificación emocional es nula sin contraste para la brutalidad. Afortunadamente, algo sucede pasada la (larga) presentación. Billy Moore va a parar a prisión por ser un camello, y lo más terrorífico no es la estancia, sino el maremágnum de voces y gritos en tailandés diciendo cosas que no entiende. La intrusión no se queda en lo auditivo, sino también en lo visual: ahí abajo, entre hombres morenos de elaborados tatuajes, su piel pálida y británica reluce como un faro, sacando a la luz racismos latentes de alguna venganza hacia el hombre blanco. Es el lado desfavorable de la justicia, metido dentro del cajón del anonimato, metido dentro de la más pura mierda de entorno que le rodea. Encima de todo eso, está el mono. La urgencia de meterse otro chute, en un lugar en el que te juegas la vida solo por tener algo. La caída es larga y sobre todo penosa, reforzada en autoengaños, estallidos de violencia y la clase de furia que tiene un perro enjaulado, echándose atrás hasta que solo puede contraatacar con uñas y dientes. Pero todo infierno tiene una norma, escrita desde tiempos antiguos: si estás lejos de la salida, fuérzate a salir por el otro lado. De vez en cuando, asoma el cambio en Billy, a través de un autocontrol que solo puede mantener luchando. Y, entre la emoción cruda de puñetazo y puñetazo, aparecen detalles blandos como los senos de una prostituta, redimiendo a la bestia que queda en el boxeador. "A veces, durante los combates, puedes ver a tu familia en el público": son las cosas sencillas las que cuentan cuando estás ascendiendo la montaña más alta. Hay un momento, al final, en el que toda la aglomeración de caos luchador y tailandés encuentra la catarsis más apropiada, una que no es fácil ni grandiosa. Así suelen ser los momentos que merecen de verdad la pena. Una oración antes del amanecer
Ed Hemsler pasa la mayor parte de su vida preparándose para un desastre que puede que nunca llegue. Ronnie Meisner gasta todo su dinero comprando objetos en tiendas que puede que nunca use. En un pequeño pueblo de los Estados Unidos, dos extraños tratan de enamorarse sin interponerse en la forma de ser y de vivir del otro. critica: Pequeña y bonita película de un director al que no conocía, Noble Jones, que se encarga también de escribir el guión y que nos trae a una pareja de veteranos actores que son una maravilla cada uno a su manera. The Tomorrow Man Él es, ni más ni menos, que el siempre impactante John Lithgow, actor al que siempre comparo con otra máquina de la actuación como es Gene Hackman. Lithgow nunca deja una mala interpretación y saca petróleo de cada personaje que cae en sus manos. Aquí nos trae a Ed, un jubilado solitario totalmente obsesionado con la futura llegada del fin del mundo. Tan negativo, tan pesado con el mismo siempre que hasta su único hijo huye de él como de la peste. Ella es la deliciosa Blythe Danner, madre de la actriz Gwynne Paltrow, de la que soy gran seguidora desde que la descubriera como sufrida esposa en la preciosa película de Barbra Streisand, "El príncipe de las mareas". Ella es aquí Ronnie, una viuda a la que la vida no ha tratado bien y que compra compulsivamente. Estos dos seres tan peculiares en su día a día se conocerán en el supermercado y descubrirán que la vida se trata del ahora y no del mañana. Muy sencilla y muy fácil de ver y disfrutar. Un saludo, Tess The Tomorrow Man
Un periodista es detenido en Irán durante más de cien días y sufre un brutal interrogatorio en prisión durante 118 días. Maziar Bahari permaneció con los ojos vendados reconociendo únicamente el olor de agua de rosas de su captor. critica: Sandra (Marion Cotillard) es despertada en mitad de la siesta por una llamada de una compañera que la anuncia una terrible noticia: Está despedida. Sus colegas de trabajo tenían que elegir entre ganar una prima o no, siendo Sandra el daño colateral de esa elección. Y la decisión, está bastante clara, solo 2 de sus 16 compañeros la apoyan. Este es el planteamiento laboral, tan maquiavélico como (in)creíble que los Dardenne plantean, una empresa cualquiera y sus decisiones para conseguir la competitividad en un mercado libre y globalizado es la excusa para contarnos esta lucha entre David y Goliath. David es Sandra. Y Goliath también. Rosewater Sandra está casada con Manu (El eterno acompañante de los belgas Fabrizio Rongione) con el que tiene dos hijos; juntos, han luchado para conseguido mudarse de los alojamientos sociales a una casa a las afueras de la ciudad (Otro eterno acompañante de los hermanos Dardenne: Liege) Este golpe económico llega en el momento en que Sandra estaba saliendo de la depresión que la acechaba desde hacía un tiempo. Este fantasma invisible es una marca difícil de eliminar, una marca dispuesta a abrirse en cualquier momento, una marca que busca la mínima debilidad para coger fuerzas. Durante este fin de semana (Con sus dos días y su noche) Sandra no solo tendrá que convencer a sus compañeros de trabajo a que renuncien a su prima para que así ella pueda trabajar, sino que además tendrá que luchar contra ella misma. Estilo realista, grabado en largas escenas, con una cámara que acecha a sus protagonistas tanto por su cercanía como por su persistencia, con multitud de exteriores y una luminosidad de buen día de verano, los Dardenne nos plantean una película extrañamente optimista, que atrapa por una emotividad constante. Los hermanos nos presentan un trabajo soberbio (¿Acaso saben hacerlo de otro modo?) que se ve impulsado por una Marion Cotillard en estado de gracia, una Marion que cada vez arriesga más, se compromete más, una Marion que demuestra que lo mismo puede protagonizarte un Blockbuster de Superheroes, para después eliminar el acento parisino, sustituirlo por un deje belga y recrear un personaje lleno de matices, un personaje que desprende fragilidad con una sola mirada y de iluminar la pantalla con una sola sonrisa. “Deux jours, un nuit” no es una película social, ni un drama obrero, ni un melodrama, ni una película sobre la depresión, es todo y nada. Quizás lo más acertado sería tratarla como una epopeya, una lucha. Una pequeña gran película (Como la mayoría de las grandes películas, esas que salen de lo ínfimo, de lo sencillo, de lo vulgar y cotidiano. O al menos para esta que escribe, estos son los ingredientes indispensables), que no solo trata de una mujer luchando contra su depresión, por su puesto de trabajo y por sobrevivir (Algo muy “Dardenniano” por otra parte), sino que también nos hablar de la solidaridad, de la empatía hacia el otro, que rebusca en los límites entre el egoísmo y la estabilidad, una lucha, en definitiva, hacia la dignidad humana. “Deux Jous, un nuit” es y será una de las películas más emotivas (Sin moralina tendenciosa) y brillantes (En sus dos acepciones: “Que brilla” y “Admirable o sobresaliente”) de este 2014. Durante 48 horas seguimos a nuestra protagonista tocar el fondo para impulsarse con más fuerza hacia la luz. Un viaje de esos por los que merece la pena pagar una entrada. Rosewater
Mark Renton es un joven escocés adicto a la heroína, al igual que el resto de sus amigos Todos ellos viven en un mundo aparte, al margen de la realidad. Dentro del grupo hay un violento y alcohólico psicópata, un drogadicto desesperado, un mujeriego con un conocimiento enciclopédico de Sean Connery y un entusiasta de las caminatas y de Iggy Pop. critica: Valiente y honesta proposición sobre el mundo de la heroína a cargo de Danny Boyle y Andrew McDonald sobre el libro de Irvine Welsh, que se convirtió en un gran boom a principios de los noventa. Trainspotting no pretende juzgar a sus chicos, lo cual es digno de aplauso, sino presentarnos una serie de acontecimientos originados por unos cerebros destrozados a causa del consumo masivo de estupefacientes. Trainspotting Es sin duda la mejor película sobre el mundo de la droga. Una de sus virtudes es la ausencia de papeles protagonizados por policías. Éstos tan solo aparecen durante un par de segundos en todo el film. Danny Boyle centra la acción en la interrelación de los cinco amigos y en cómo se van distanciando a medida que avanza el metraje. No pretende juzgarlos, sino que los juzguemos nosotros. Trainspotting Otro gran acierto de Trainspotting fue la combinación de escenas desagradables con otras surrealistas o cómicas, logrando que muchos espectadores no se levantaran de sus butacas al contemplar episodios bastante chungos, como por ejemplo, los dos en los que aparece el bebe. El humor impregna todo el film, así como varios toques surrealistas que se agradecen por su frescura y dirección. Explicar un subidón de heroína no sería posible sin adentrar al espectador en el mundo onírico. La escena del retrete es, posiblemente, lo mejor de los noventa. Trainspotting La actuación de la pandilla es de diez. Todos dan verosimilitud a su personaje. Afortunadamente no son Jonny Depp y Benicio del Toro en Miedo y asco en Las Vegas. El listo de Tom Hanks, sin querer referirse directamente a esta película, comentó que prefería interpretar papeles positivos en su carrera y no estar con unos amigos tirado con una aguja en una apestosa habitación. Con ello quiero decir que me alegro de que este film sea europeo ya que en Hollywood con sujetos tan insoportables y estúpidos como Hanks, a quien le recuerdo que interpreta a un asesino a sueldo en Camino a la perdición, este producto terminaría completamente descafeinado y aburrido. Trainspotting Especial mención al increíble vestuario, a la magnífica banda sonora, y a la fotografía con colores muy vivos, lo que convierte a Trainspotting en una especie de carnaval del horror. Muy recomendable para todos los que quieran comprender los efectos que tiene la heroína sobre la vida de las personas. 9.5 Trainspotting "El mundo está cambiando, la música está cambiando, las drogas están cambiando, los hombres y las mujeres están cambiando... Dentro de mil años no habrá tíos ni tías... solo gilipollas." Trainspotting
"Agente 47" narra la historia de un asesino de élite que ha sido genéticamente alterado para convertirse en una perfecta máquina de matar. Su objetivo es acabar con una gran corporación que planea desvelar los secretos de su organización secreta. Para ello, forma equipo con una joven. critica: El relanzamiento de la posible franquicia cinematográfica de la adaptación del videojuego de ‘Hitman’, consigue dejar muy atrás el primer intento realizado con la película estrenada en 2007, y aunque el guión presenta diversos huecos, la película resulta un entretenimiento eficaz. Hitman: Agente 47 Rupert Friend interpreta al Agente 47, un asesino de élite modificado genéticamente desde su niñez, al igual que muchos otros, incapaces de sentir miedo o cualquier tipo de sentimiento o emoción, lo que lo convierten en una máquina de matar, y que debe cumplir la misión de asesinar al líder de una corporación que intenta apoderarse de los secretos de la organización que ha creado a los agentes. Para ello debe encontrar al hombre que lo ha creado, y la única opción es ir detrás de su hija (Hanna Ware), una chica que vive solitaria en Berlín y que deberá descubrir su propia identidad, huyendo del Agente 47 con la ayuda de un tipo misterioso llamado John Smith (Zachary Quinto). Durante el primer acto, la confusión por identificar quienes son los buenos y quienes los malos consigue dotar de cierto interés al guión de la película, los personajes, aunque con mucho trazo grueso, presentan características interesantes y cuando al final se revelan los roles todo el resto del film se convierte en una seguidilla de secuencias de acción sin parar. Con algunas características que la asemejan a películas como las de las sagas de James Bond o Misión imposible, aunque nunca consigue alcanzar tales niveles, Hitman: Agente 47 logra hacer olvidar toda precariedad proveniente de su libreto para presentar una película de acción con secuencias que atrapan y entretienen, siempre y cuando el espectador consiga dejar la lógica completamente de lado. http://tantocine.com/hitman-agente-47-de-aleksander-bach/ Hitman: Agente 47
