En la tarde del día 21 de agosto de 2015, el mundo observaba en silencio mientras los medios informaban sobre un ataque terrorista frustrado en el tren Thalys #9364 con destino a París—un atentado evitado por tres valientes jóvenes americanos que viajaban por Europa. La película narra el curso de las vidas de estos amigos, desde los avatares de su niñez para encontrar su destino, hasta la serie de eventos que precedieron al ataque. A lo largo de esta desgarradora experiencia, su amistad nunca flaqueó, convirtiéndola en su mejor arma, lo que les permitió salvar la vida de los más de 500 pasajeros a bordo. critica: Le tengo un estima especial a Clint Eastwood por tener la capacidad de crear grandes obras del cine contemporáneo (como la imperecedera Mystic River, que cada vez que la revisiono me gusta más y más) y haber sido uno de esos “duros de acción” dentro del spaguetti western que tanto adoro. 15:17 Tren a París Pero debo decir que le ha podido el patriotismo con '15:17 a París'. No digo que la acción heroica de los jóvenes no merezca ser resaltada e, incluso, no deba tener una versión cinematográfica de lo acontecido, pero no de esta forma. Da la impresión de que la historia que de verdad se nos quiere contar, apenas dura diez minutos y todo lo demás está metido para rellenar, para, supuestamente, completar la historia y que entendamos la acción de los personajes. Pero no funciona amigo Clint. '15:17 a París' falla en todo lo que acertaba, por ejemplo, 'United 93', que tiene una temática similar. En ella no podía apartar los ojos de la pantalla y sentir que era uno más del pasaje de aquel fatídico vuelo. Aquí, en cambio, por culpa del montaje o la estructuración del guión, no conecto en ningún momento con lo que sucede a bordo del tren, cuya escena se nos da con pinceladas a lo largo de su corto metraje (que, dicho sea de paso, se hace pesado). A pesar de que se llegue a jugar con el hecho de mostrar imágenes de archivo de lo sucedido o que los verdaderos héroes se interpreten así mismos. El film hace mucho más por el turismo en Europa (entran ganas de hacer la maleta y visitar monumentos) que por resaltar las habilidades o humanidades de los protagonistas. Viajaron, se lo pasaron bien y sus vidas dieron un vuelco en unos minutos en los que supieron hacer lo correcto. Bravo por ellos, pero no por la película. Más en: https://alquimistacinefilo.wordpress.com/ 15:17 Tren a París
El objetivo de Andrew Neiman, un joven y ambicioso baterista de jazz, es triunfar en el elitista Conservatorio de Música de la Costa Este en el que estudia. Marcado por el fracaso de la carrera literaria de su padre, Andrew alberga sueños de grandeza. Terence Fletcher, un profesor conocido tanto por su talento como por sus rigurosos métodos de enseñanza, dirige el mejor conjunto de jazz del Conservatorio. Cuando Fletcher elige a Andrew y para formar parte del conjunto musical que dirige, cambia para siempre la vida del joven. La pasión de Andrew por alcanzar la perfección se convierte en obsesión, al tiempo que su despiadado profesor lo lleva al límite de su capacidad y de su salud mental. critica: Damien Chazelle presentó en 2013 un cortometraje en el que un estudiante y virtuoso de la batería entraba a formar parte de la banda de jazz de su conservatorio, dirigida por un estricto profesor. Esa idea cuajó y ahora nos llega la versión completa de esa historia, la tensa relación entre un alumno que se desvive por la música y un profesor que busca la absoluta perfección. Whiplash Chazelle consigue con Whiplash una conjunción perfecta entre el amor a la música y el desarrollo de sus personajes. Plano a plano la película parece construirse sólo con acordes, golpes de baquetas y resonar de las trompetas, una mezcla musical fantástica que se mueve entre Caravan y Whiplash, jazz potente que aún retumba en mis oídos. Pero no sólo de música vive esta película, ya que Chazelle consigue que profesor y alumno entren en una batalla épica de redobles y platillos, haciendo que el espectador abandone su posición pasiva y participe de forma activa en su historia. Una película que despierta la pasión por la música, aunque sea mínima, que todos llevamos dentro, y el culpable no es sólo el director, sino que sus dos protagonistas, un soberbio J.K. Simmons y un apabullante Miles Teller, ponen la piel de gallina. Una máxima que dejan bien patente en todo momento es esa búsqueda de la perfección, esa obsesión (a veces malsana) de alcanzar un nivel casi inalcanzable, algo que comparten ambos protagonistas, cada uno a su manera y por caminos distintos. Esa obsesión queda también muy bien reflejada en su difícil relación: dura, sufrida, pero llena de pasión, una pasión explosiva con un zenit inmejorable. Llama la atención el tratamiento del sonido en Whiplash y su perfecta sintonía con la imagen. No es algo raro si tenemos en cuenta que su director es un amante reconocido de la música en general y del jazz en particular, y ese amor se nota que lo ha traslado a su mano y a su objetivo. El montaje de imágenes, repetimos, va en sintonía al sonido, a ese tronar de la batería, a los acordes de sus dos temas principales, con lo que da un ritmo trepidante (faltaría sólo eso) y un fluir de la historia muy acertado, porque no sólo de música vive Whiplash, aunque así su personaje lo pretenda con el tratamiento que de su vida real da, encontrada con su vida profesional, o la obsesión de alcanzar la maestría detrás de una batería. Taquicardia, chorros de sudor por la espalda, los ojos y la boca abiertos al máximo y una sensación de haber estado días sentado en la misma butaca es lo que, al final, consigue Whiplash. Más de 30 minutos de pura adrenalina es lo que Chazelle junto a sus dos actores consigue transmitirnos. No hay diálogos, sólo dos hombres con su batería y su batuta, mucha fuerza, una pasión desbordada, un lugar idílico, casi de ensueño, y un escenario enorme donde lucirse. La música es la auténtica protagonista, la que sale de dos brazos con una fuerza atronadora, la que nos corta la respiración durante media hora (o al menos esa es la sensación temporal que da). Una maravilla del cine entregada a la música que tanto cinéfilos como melómanos no pueden dejar escapar. No es de extrañar por ello que tanto el público como el jurado del Festival de Sundance 2013 sucumbieran a sus encantos. Whiplash
Tras ser abducido por extraterrestres, un joven científico de la NASA se obsesiona con encontrar pistas de lo sucedido al descubrir que nadie cree que su experiencia haya ocurrido realmente. critica: No es que Proximity sea un lastre ni mucho menos. El director sabe filmar, todo hay que decirlo. Pero esta aventura sabor miel tiene más chances de acaparar el mercado juvenil que el filtro "familiar" propiamente dicho. La presencia Al parecer Demeusy (mucho gusto y bienvenido al mundillo cinematográfico industrial) hace todo lo posible para que su obra no desentone con Disney y todo lo que eso representa. Porque Proximity es un arcoiris de sonrisas mágicas bajo un aparente envoltorio de ciencia ficción. Lo más ligera posible y priorizando las escenas con fondo musical (de lo mejor de la peli), la trama sobrevuela cualquier rigurosidad al punto de que el espectador debe aceptar todo sin tomarse nada demasiado en serio. El producto resulta en un refrito de androides star-wars; E.T. y ciertas ideas tomadas de la física cuántica y las realidades paralelas. Como estar viendo El señor de los anillos, pero con Batman de protagonista y ambientada en una atmósfera del estilo High scholl musical. En conclusión, un pegote de ideas que o las tragas hasta los créditos o implotas en el intento. Se agradecería un poco más de amor a los guiones de estas pelis. Puesto que los menores de edad están obligados a asistir al cine con gente más mayorcita. La presencia
Mientras su madre está en el extranjero, una joven de 18 años que lleva toda la vida en una comuna hippie se cuela en el mundo real para encontrar a su padre biológico. critica: *Reclamo adolescente Maisa Silva es sin duda el epicentro de Padre por duplicado (Pai em Dobro). Esta joven es un rostro muy conocido en Brasil desde niña. Actriz, presentadora y cantante, la carrera de Maisa es considerable pese a su corta edad, convirtiéndola en ídolo adolescente en su país. En este film interpreta a Vincenza, una adolescente sencilla, inocente y encantadora que se embarcará en lo que para ella supone una aventura para conocer a su padre. Padre por duplicado La intención de lucir a su estrella, Maisa, es evidente a lo largo de todo el largometraje. En contrapartida, ella corresponde con esmero y soporta con firmeza todo el peso de la película. Así, todo aquel que llegue a Padre por duplicado por ver a Silva, no se irá decepcionado. *Los adornos Como digo, la trama es sencilla. Un padre hasta el momento ausente y una adolescente que provoca simpáticos conflictos y enredos. Sin embargo, el pequeño toque de originalidad reside en dos factores: el modo de contarlo y su protagonista. Vincenza tiene la peculiaridad de venir de una comuna hippie donde vive con una madre espiritual algo adolescente y alocada. Esto caracteriza a Vincenza como una adolescente algo más madura de lo que corresponde a su edad y a la vez inocente y recién salida del cascarón que la comuna supone. Vincenza es toda emoción, ternura y sonrisa. Más allá de eso, dicha comuna no es más que eso, el motivo del carácter de la joven (el cual provoca la mayoría de los enredos) y el punto de partida. Puede que explotar algo más ese detalle habría aportado alguna carcajada extra. Aunque hubiera sido demasiado fácil caer en caricaturizar y eso siempre es arriesgado. Y no, Padre por duplicado (Pai em Dobro) no es una película que se arriesgue. Eduardo Moscovís, Marcelo Médici, Laila Zaid y Pedro Ottoni son los secundarios que acompañan a Maisa Silva. Sabiendo colocarse en su lugar, todos cumplen su papel, formando una máquina bien engrasada que funciona sin dificultad. Cabe destacar a Pedro Otto que, pese a pasar desapercibido, cumple con su papel de un modo exquisito. Y, por supuesto, Moscovís y Médici en su papel de padres están estupendos. La química de ambos con la protagonista enriquece la cinta, especialmente en el caso del actor cómico Marcelo Médici. *Simple satisfacción Padre por duplicado (Pai em Dobro) sufre en algunas ocasiones de tropiezos, acelerones y frenazos. Cuando la comedia arranca, no desemboca en desternillante. Lo emotivo pasa de puntillas pero con rapidez y (en este caso por suerte) sucede igual con el pequeño toque de drama. Da la impresión de haberse regodeado en exceso en algunas partes de la trama (el inicio con el padre pintor, por ejemplo) y haberse quedado sin espacio para no derrapar al final. Sabemos que el espectador no siempre busca obras maestras. A veces solo quiere puro y duro entretenimiento, una desconexión de hora y media de la realidad, unas risas simples y, satisfecho, a otra cosa. Este es el producto perfecto para ello, ni pide más ni ofrece más. Las pretensiones no ocupan lugar en Padre por duplicado (Pai em Dobro). *Conclusión Una de esas tardes en familia en las que se recorren una y otra vez las propuestas de Netflix es ideal para tropezarse con Padre por duplicado (Pai em Dobro). Esta película es como su protagonista: sencilla, amable, sin maldad y desenfadada. Porque el film es, en sí, Maisa Silva. Quienes ya la conozcan la disfrutarán y, para quien no le suene esta talentosa actriz brasileña, será un descubrimiento agradable con el que pasar una hora y media despreocupada. Si bien no se queda en el recuerdo, tampoco cae en el olvido. Escrito por Elia Rios Padre por duplicado
Frances es una dulce e ingenua joven que, tras la muerte de su madre, se muda a Manhattan. Cuando encuentra en el metro un bolso extraviado, decide entregárselo a su legítima dueña, Greta, una pianista viuda con una desesperada necesidad de compañía. Rápidamente se convierten en amigas, pero su amistad cambia cuando se descubren las siniestras intenciones de Greta. critica: Tengo que admitir que, temáticamente, Greta muestra el germen de una buena idea, y al empezar parece tener algo interesante que decir sobre la pérdida, sobre el luto, sobre aferrarse a algo (o alguien) que ya no está con nosotros, sobre el miedo a la soledad y sobre el deterioro que puede provocar en la salud mental de una persona. Son conflictos humanos, con los que es fácil conectar, y todos ellos con multitud de posibilidades narrativas. A Neil Jordan, por desgracia, no le interesa nada de esto. La viuda Greta acaba funcionando como una peli más de acosadores chalados, muy de la escuela de Un loco a domicilio, solo que esta vez la acosadora es Isabelle Huppert. Y no sé cómo decir esto sin que suene a sacrilegio, pero creo que Huppert no funciona en este proyecto. Que la dirección de actores no es el punto fuerte de Neil Jordan no es nada nuevo, pero lo que hace aquí con una actriz tan brillante como Huppert me deja boquiabierto. Una interpretación desconcertante, completamente deformada y que durante buena parte de la película no sé si me está pareciendo genial o vergonzosa. Tal vez fuera esa la idea, porque no diré que no es fascinante verla maldecir en húngaro en un restaurante o bailar ¿ballet? descalza con una jeringuilla en la mano, pero lo es por todas las razones equivocadas, lo es porque su Greta no es un personaje, es una caricatura, y una bastante mal hecha, dicho sea de paso. En escenas como las mencionadas no puedo evitar descojonarme, y si os digo la verdad, no sé si es la intención de la peli, El nivel de teatralidad es ridículo, y a veces tan exagerado que cuesta creer que no sea intencionado, pero el drama que vertebra todo el argumento pretende ser real. La relación entre Frances y su amiga, por ejemplo, es bastante sólida, y el sustrato temático de la película esta ahí hasta el final. Las interpretaciones de Moretz y Monroe son, por decirlo claramente, normales. Es como si ellas dos estuvieran actuando en una película y Huppert en otra distinta. Greta nunca encuentra el equilibrio en sus escenas, quedando una cosa extraña, disonante. Pero el mayor error de la cinta es la historia en sí, ya que se desarrolla de forma completamente previsible, como el resto de películas de este género. Protagonista conoce a persona, protagonista descubre que dicha persona está loca, persona empieza a acosar a protagonista. Todo te lo ves venir, más o menos, y cuando te sorprende es porque la imagen de Greta como villana que debe darnos miedo o mal rollo es tan bizarra que se hace difícil de digerir. Y como en todas las películas de este tipo, hay múltiples ocasiones en las que Frances actúa de la forma más estúpida posible porque así lo requiere el guión. En fin, Greta es una película muy loca, lo cual supongo que es apropiado. Su mayor baza es esa, que es un poco ida de olla (sobre todo porque tanto la actuación de Huppert como la forma en la que está escrito su personaje son demenciales), pero no lo suficiente para destacar por encima de otras películas de este rollo. No te la puedes tomar en serio, pero tampoco es lo suficientemente consciente de su estupidez como para funcionar como una comedia. A mí, lo siento mucho, no me funciona, la mire como la mire. Puntuación: 4,8 La viuda
Una madre no se detendrá ante nada para intentar recuperar a su hijo cuando este es secuestrado delante de ella en un parque de atracciones. critica: Tras el éxito de ‘The Call’, película que consagró a Halle Berry como heroína de thrillers de acción, ahora la ganadora del Oscar por ‘Monster´s Ball’ vuelve a la carga con un thriller de secuestro y persecuciones donde interpreta a una madre con un inquebrantable instinto maternal. Secuestrado (Kidnap) Berry interpreta a Karla Dyson, una madre de familia separada que enfrenta una demanda por la custodia de su hijo Frankie, un chico que suele acompañarla a su trabajo como mesera en un restaurant. Tras salir de su trabajo, Karla lleva a Frankie a un parque de atracciones, pero al deber atender una llamada de su abogado y tras un breve descuido, Frankie es secuestrado, por lo que Karla hará todo lo posible para no perder la pista de los secuestradores e intentar recuperar a su hijo. ‘Kidnap’ tiene poco de original, pero es un thriller bien ejecutado, si bien el verosímil es frecuentemente violentado, el buen trazo del personaje principal y la garra que constantemente muestra una Halle Berry totalmente entregada a su personaje la salvan. Y es que es Berry el alma de una película que en diferentes momentos consigue ser emocionante y atrapante, al dar vida a una madre dispuesta a todo para no perder a su hijo, en un relato lleno de tensión, con el que el espectador debe ser bastante condescendiente y dejar pasar de largo las varias inconsistencias en su guion para poder disfrutarlo, inconsistencias que para algunos quizá pasen de largo, pero que debilitan el relato al ser pequeños pero importantes detalles, que solo llevan a un final bastante apresurado y poco climático. La película es poco pretensiosa y eso se agradece, no busca ir más allá de lo que ofrece y no busca dar sorpresas ni subtramas que enrevesen un relato donde todo es simple y directo, a ratos emocionante, ridículo, intenso, tosco y ordinario. http://tantocine.com/mujer-en-llamas-de-luis-prieto/ Secuestrado (Kidnap)
