Ice Age: La edad de hielo

7.3
Hace muchos, muchos años, tantos como 20.000, una pequeña ardirata de nombre Scrat quería esconder una bellota en el hielo. Pero lo que hace es provocar una semicatástrofe que provoca que todos los animales migren hacia el sur, hacia tierras más cálidas. Bueno, lo que se dice todos, todos, no. Porque hay uno que lleva la contraria: se trata del mamut Manfred, un auténtico lobo solitario vagabundo y soberbio que va hacia el norte sólo porque los demás están yendo hacia el sur. critica: Admito que Diego es precisamente mi personaje favorito de «Ice Age». Tengo predilección por los felinos, y máxime si tienen personalidad ambigua, ojos amarillentos y esa voz limpia y varonil que le pone nuestro actor de doblaje. Doblaje, por cierto, que en esta ocasión está muy acertado. Ice Age: La edad de hielo He de decir también que esta saga me parece de lo mejorcito si de animación moderna hablamos. La prefiero mil veces a esas tan traídas y llevadas obras maestras de Pixar que aún, y mira que las busco, no he encontrado. Ice Age: La edad de hielo Esta primera entrega, más seria que las posteriores, cae en todas las simplezas que se pueden esperar en unos dibujos animados de nuestros días: personaje graciosillo, derrapes y caídas de toda clase, y guiños chistosos a la cultura occidental, como el skateboard o el rugby. Por ahí, no may mucho que destacar. Incluso la famosa ardilla a mi me sobra por completo. Ice Age: La edad de hielo Sin embargo, también nos encontramos con personajes interesantes, como puede ser Diego (verdadero protagonista de la historia), o un argumento más que digno aunque, sinceramente, poco aprovechado. La idea del viaje a contracorriente en un mundo de hielo y nieve para entregar un bebé humano, enemigo natural de todos ellos, a su familia es de una belleza que, por mi parte, le doy ya sólo por eso el aprobado. Evidentemente, la historia no tiene la épica, ni la lírica, ni el empuje, ni el tono que requiere semejante historia, pero está ahí, de fondo, con algunas pinceladas que se agradecen. Ice Age: La edad de hielo Así pues aceptable sin ser, ni mucho menos, una joya cinematográfica. Ice Age: La edad de hielo
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Kenshin, el guerrero samurái

Acción Aventura Drama Historia
7.6

Kenshin Himura (Takeru Sato) es un famoso samurái conocido por su destreza con la katana y su frialdad a la hora de matar. En el pasado estuvo al servicio de los Ishin Shishi, un grupo de patriotas que luchaban para devolver el poder al Emperador, librando cientos de batallas y cobrándose muchas vidas. Pero tras terminar todos los enfrentamientos, jura no volver a matar y decide pasar al anonimato para dedicarse a viajar por el país como un vagabundo ayudando a quien lo necesite, como penitencia por todas las muertes que provocó. Diez años después, en 1878, Kenshin llega a Tokio donde conoce a Kaoru (Emi Takei), quien le invita a quedarse en su dojo hasta que decida volver a vagabundear. Sin embargo, el pasado que Kenshin intentó dejar atrás pronto volverá para cobrarse venganza contra él. Adaptación del manga de Nobuhiro Watsuki. critica: No lo entiendo. De verdad que no entiendo cómo la adaptación de "Rurouni Kenshin" sale bien parada en el aspecto estético, donde Keshi Ohtomo se enfrentó al handicap más difícil al tener que pasar el dibujo a la carne y hueso sin que llegue a resultar una aberración; y en cambio en su guion, que de haberse centrado en sólo una parte de la saga de Tokio, exprimiendo su arco argumental ya escrito, habrían obrado el milagro de hacer un buen filme, la hayan cagado de esta manera. Kenshin, el guerrero samurái De acuerdo, es la carta de presentación de Kenshin fuera del mundo de la animación. Es lógico por tanto, centrarse en su etapa introductoria para que todos los espectadores, conozcan o no la historia de "Battousai el carnicero", vayan a verla. Ya habrán otras entregas en las que centrarse en la saga de Kioto, el plato fuerte por excelencia. Pero me parece absurdo que se haya metido a golpe y porrazo prácticamente toda la saga de Tokio -bastantes capítulos-, dejando una historia confusa para el espectador que nunca haya visto o leído Rurouni Kenshin, y para los que sí, la sensación de haber querido meter con calzador tanta trama en tan pocos minutos. Va a trompicones, y lo que es peor: con bajadas de ritmo fallidas. Básicamente han fusionado las historias de Jinei Udoh -un villano menor que sirvió como telón de fondo para presentar a la pandilla del dojo- y de Aoshi, uno de los villanos más interesantes de todo el manga. La gracia es que este último, el líder de la banda Oni y verdadero némesis de la trama en la que se nos presenta a Megumi, ni tan siquiera aparece. Meten al traficante de opio que a nadie le importa lo más mínimo y ni cómo se llama, y no meten a los otros. Incomprensible. Los que molan son Aoshi y su banda, de la que sólo aparece un amago de Han'Nya en la caracterización más mala del filme. ¿Todo para qué? Para meter a Jinei Udoh y así unir ambas historias a base de unas costuras sacadas de la propia cosecha de los guionistas que hacen más mal que bien en el ritmo del metraje. Evidentemente todo esto cabrea al fan o al que haya visto el Anime o Manga que a los que no; pero como digo, tal experimento no ha beneficiado en absoluto al resultado como película en sí, sin entrar en su valor como adaptación. Le falta ritmo, los hechos suceden de forma abrupta... Son muchas taras para que verdaderamente pase de ser una película pasable para el espectador que se adentre por primera vez en las aventuras de Kenshin. Habrá momentos que le parecerá confuso lo que sucede. Si con tan sólo haberse centrado en el arco argumental de Aoshi tal cual y añadiendo algún detalle sacado de la cosecha como la presentación que han hecho de Sanosuke, suficiente. Entiendo que quieran meter a Saito por el tema comercial, aunque no fuera al caso por la etapa en la que se centra, pero bueno. Una llegada de Kenshin al dojo para conocer a Kouru que sea simple y efectiva, algún flashback de su etapa como Battousai en la que se le vean sus dotes con la katana, la presentación sacada de la manga de Sanosuke... Todo bajo el arco argumental de Aoshi. ¡Punto! No obstante, como digo, el aspecto estético me ha sorprendido para bien. El actor que hace de Kenshin es lo mejor de la película. Es un calco, tanto en su forma de expresarse como en el estilo de lucha. Realmente ahí no hay nada que objetar. El resto de secundarios -a excepción del carnavalesco Han'Nya- bien. Si acaso no me termina de convencer del todo Saito, le falta lago más dureza e ironía al personaje. Las localizaciones son... Si yo pensase en cómo sería el Tokio de Rurouni Kenshin en la vida real, no llegaría a pensarlo tan fiel. ¡Si hasta el restaurante es idéntico! Le casco un 6, porque al menos se nota que le han puesto empeño y ganas de querer hacer algo bien, y no una estafa al nivel de Dragon Ball: Evolution. Espero que para la segunda parte sean algo más fieles en la trama y mantengan ese buen hacer que han tenido para la caracterización del universo de Kenshin. Es como mi crítica. No creo que el resultado sea del todo bueno, pero le he puesto corazón. Kenshin, el guerrero samurái

El ángel en el reloj

Animación Fantasía
7.3

Una niña enferma desea detener el tiempo. Este deseo la llevará a una aventura transicional de autodescubrimiento y de aprendizaje sobre la vida, la muerte y la relatividad. critica: Una animación mexicana con una interesante historia y un mensaje de amor, así es ‘El ángel en el reloj’, la primera de varias producciones de la productora Fotosíntesis Media que busca crear opciones de entretenimiento con causa. El ángel en el reloj La historia que narra es la de Amelia, una pequeña enferma de cáncer cansada de tomar sus medicamentos quien busca lograr detener el tiempo para así conseguir alargar su vida y evitar que sus padres envejezcan para poder pasar más tiempo con ellos. Un día conoce a Malachi, un ángel que habita en su reloj cucú, quien la lleva a los campos del tiempo donde conocerá a Aquí y Ahora, dos pequeños seres que junto al Capitán Manecillas le acompañarán en un viaje fantástico donde Amelia conocerá lo valioso que es vivir el presente y respetar el paso del tiempo. Con un estilo de animación tradicional, quizá buscando emparentarse más al estilo de los estudios Ghibli que a las animaciones estadounidenses, sencilla en su apariencia, pero funcional a su relato, así ‘El ángel en el reloj’ termina siendo un noble producto que consigue amalgamar una historia que logra atrapar al espectador sumando a ello un mensaje optimista. Siguiendo una narrativa clásica, la película consigue transitar con éxito las diferentes etapas del relato volviendo ágil, insertando un tema complejo como una enfermedad tal como el cáncer infantil (el cual no se menciona), sin necesidad de recurrir a situaciones maniqueas ni sensibleras, logrando una película amable y divertida. http://tantocine.com/el-angel-en-el-reloj-de-miguel-angel-uriegas/ El ángel en el reloj

Nebraska

Aventura Drama
7.4

Narra el viaje de realizan un padre alcohólico y su distante hijo desde Montana a Nebraska para recoger lo que cree que es un premio de un millón de dólares. critica: 1. Woody emprende un viaje, y no iniciático: es de recapitulación. Nebraska Es presentado como un tipo incognoscible; entre interrogaciones. Se le aborda en retrospectiva, y de forma indirecta. Es decir, en lugar de la usual descomposición de la sólida unidad externa del individuo para ahondar en su ser íntimo, aquí se le muestra patético y desnudo nada más empezar, y a partir de ahí, se le intenta reconstruir. Le sonsacan información. Le preguntan. Cuestionan sus decisiones. Escarban en su pasado. Se dan puntos al azar, y el espectador une las líneas. El retrato que queda de Woody no es fiel, no es preciso; es tosco y con aristas; pero es lo más que sabremos de él. 2. A Woody pronto le devorará el tiempo: es un anciano al que la senilidad le está tocando la espalda. Y la fotografía ayuda a transmitir esa sensación de sueños obsoletos; de aridez y derrota. Woody Allen, a propósito de 'Manhattan', comentó: 'el blanco y negro me ayudó a captar la belleza de la ciudad, pero también su decadencia'. La fotografía de Papamichael, en riguroso b&n, lejos de ser tentativa experimental o gratuidad estética, es una decisión intelectual, como puede ser la música o la elección y dirección de actores. Payne, de hecho, admite haberse visto influenciado por la sobriedad cromática de 'La última película', de Bogdanovich, para realizar este film. El b&n, en el Cine moderno, es un anacronismo; y Woody es un hombre polvoriento, casi caduco. La fotografía entronca ejemplarmente con la esencia. 3. Payne asegura odiar las 'road-movies'; se sorprende de seguir haciéndolas. El carácter nómada de sus personajes parece que se impone a los gustos del autor. Schmidt ya tomó carretera. Miles y Jack también se lanzaron a ella. La carretera parece seña de identidad del cine de Payne, como también lo son ese humanismo sencillo y entrañable, digno de Kaurismäki; y su gusto por la cotidianidad y el costumbrismo; remitiendo lejanamente (al menos, a mí me lo parece) a Ozu, a cuyo cine también se puede vincular el gusto por los planos estáticos, muy numerosos en 'Nebraska'. Y, por supuesto, el entorno. Los personajes de Payne son fruto de su entorno. La venta de terrenos vírgenes en Hawaii, donde 'también la gente lo pasa mal'. Las típicas rutas vinícolas en la California de 'Sideways'. El frío y la inmovilidad paisajista de Nebraska... 4. De 'Nebraska' me quedo, ante todo, con la sensación de haber viajado. El guión no es innovador, para nada; de hecho, hay escenas con un planteamiento demasiado similar al de anteriores películas del propio director. Su cine tampoco es dinámico, ni pretende serlo. Y es posible que la película no sea reivindicada o recordada con el paso del tiempo. Pero yo he viajado con Woody. He transitado esas carreteras, he visto esos horizontes y he vagabundeado por lugares que me quedan muy lejanos. Desde una pantalla. Pocos cineastas modernos son capaces de conseguir tan calmada contemplación, tal sentido de la 'situación', semejante retrato; en detalle y profundidad, de un lugar. Acaso Jarmusch y algún otro. Gracias. Nebraska

Batman contra Robin

Acción Animación Aventura Ciencia ficción
7.3

Tras unos siniestros acontecimientos, Batman descubre la sociedad secreta de los Búhos, que controla Gotham desde las sombras desde hace más de 200 años. critica: Tiene una animación mejor de lo esperado en una de estas películas de animación directas a DVD (Asalto a Arkham no fue tan gran cosa), con unas muy buenas escenas de acción y una forma de tratar la historia de Damien y Bruce, así como la de la Corte de los Búhos, muy digna para este tipo de productos. Batman contra Robin No está al nivel de Año Uno o El Retorno del Caballero Oscuro desde luego, pero tampoco se aleja tanto. Una de esas pelis de animación de DC que se dejan ver y puedes disfrutar sin suspirar... ...pero ¿para cuando una que este a la altura de la gran serie de animación de los 90? Batman contra Robin

¿Dónde está el truco?

Comedia
6

Arturo Meraviglia es un empresario teatral en dificultad. Debe cuidar a Gioele y Rebecca, dos hijos "heredados" por un tío mayor. Cuando se da cuenta de que Gioele está equipado con superpoderes, su suerte ha cambiado. critica: El comienzo del filme es una alegre fantasía circense en un bonito teatro. En la sala de butacas, un público entregado, y entre bastidores un niño de nombre Arturo busca a su padre al cual abraza mientras este le dice que ese espectáculo genera “alegría entre el público”; “alegría”, que nunca lo olvidara. ¿Dónde está el truco? Aunque de niño aprendió el oficio de su padre, Arturo ha sido incapaz como productor de hacer prosperar el teatro y el espectáculo. Ahora, treinta años después ya es adulto y la empresa está en quiebra. El afamado espectáculo ha sucumbido y los actores se han marchado. Apenas cuenta con un pésimo comediante llamado Juanito Sin Blanca, una auténtica calamidad como actor y como humorista. ¿Dónde está el truco? Pero hete aquí que le comunican a Arturo del fallecimiento de un tío lejano en los EE. UU. a quien no conocía y que podría ser su salvación. Pero su tío no le ha dejado nada material y sí que debía ocuparse de los dos niños que él adoptó. Al principio se resiste a asumir tal responsabilidad, pero los niños están solos y acaba por llevárselos con él a Italia, a su pobre oficina donde malviven todos. Pero la suerte asoma cuando Maravilla observa que el pequeño Joel no habla, pero tiene poderes paranormales. Concretamente el nene tiene el don de mover los objetos mentalmente, lo que se conoce como telequinesia. Muy pronto entraran en juego unos dudosos científicos entre los cuales está una bonita investigadora. Se interesan por el niño superdotado y a partir de aquí florecerá el amor por la joven, pero también hacen acto de presencia personas malvadas que intentan aprovecharse de las cualidades del niño. El italiano Alessandro Siani firma su cuarta película como director con esta comedia blanca, amable, ligera y digestiva con un yogurt, con guion de Gianluca Ansanelli y el propio Siani. Es una película apropiada y recomendable para niños, conducida por un libreto medio naif del tipo historieta gráfica, un humor simple y por momentos cansino, todo ello presidido por una historia con escasa sustancia que gusta a los infantes, pero puede llegar a fatigar a los mayores. A pesar de tener cierto tono de cine de aventuras con tintes cómicos, esto tampoco acaba por florecer pues no hay apenas secuencias o momentos especiales de tensión o miedo, pues los malos lo son también de TBO y pacotilla. Realidad tontorrona y fantasía se mezclan en el filme y aunque el tono y la puesta en escena chirrían, a veces se pueden encontrar pasajes divertidos. Particularmente brillan los números de escenografía circense en los créditos iniciales y también en la última secuencia, que resulta muy bonita escenográficamente hablando. A propósito del reparto destacan especialmente Siani, quien se lo monta genial en el rol protagonista de joven arruinado, simplón y dado a las bobadas. Bien Giovanni Esposito como el payaso sin gracia Juanito. Están muy simpáticos los niños, particularmente la expresiva Sara Ciocca como Rebecca, pero también Leone Riva como Gioele, el niñito sin habla y telequinésico. Stefania Spampinato acierta con oficio a aportar cierta sensatez a la función en su rol de bonita y amorosa científica llamada Flavia. Podría pensarse que el guion hace aguas en bastantes de los pasajes de la alocada historia, con una mezcla atropellada de incidencias y personajes entre absurdos y delirantes. Pero durante el metraje, me di cuenta de que unos niños, seis o siete años que habían ido a ver la peli, irrumpían a cada tanto en alborozados gritos y al final, cuando la felicidad era plena, irrumpieron en vivas y aplausos. Entonces, creo haberme dado cuenta de que esta película es a la medida de los niños, no de los adolescentes, de los niños hasta 8 ó 10 años que siguen teniendo un pensamiento intuitivo y fantástico capaz de empatizar con las locas imágenes de este filme. En suma, el conjunto de la película es “veraniego” y hace disfrutar al público infantil, por cuanto ofrece una aventura optimista y familiar. ¿Dónde está el truco?

Super papá oso

Animación Familia
6.6

Papá Oso vive por y para su hijo Xi Ha en un bosque rodeado de amigos. Pero cuando unos cazadores furtivos capturan al pequeño, el padre se embarca en una aventura en la gran ciudad para rescatarlo,,,,Super Bear critica: claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.