El poder del dinero

En un Estados Unidos moderno en el que las brujas son reales y la brujería es ilegal, una adolescente debe enfrentarse a sus propios demonios y prejuicios mientras ayuda a dos brujas a evitar a las fuerzas de la autoridad y a cruzar la frontera sur para refugiarse en México. critica: Comentaba la joven directora Elle Callahan que Witch Hunt nació como grito de rabia ante lo que ocurría en su país, Estados Unidos, y todas aquellas masas que coreaban a Trump y sus locuras. Pero un grito de rabia debe calar en el espectador porque, de lo contrario, ¿Para qué sirve? Witch Hunt Cerca de la frontera entre Estados Unidos y Méjico, la adolescente Claire siente que su vida siempre está en el hilo debido a que su madre forma parte de la red que saca brujas del país, ya que son perseguidas por esta nueva oleada de puritanismo. La aparición de unas jóvenes hermanas, Fiona y Shae, le aportará un nuevo punto de vista. Witch Hunt empieza con una declaración de intenciones, con la quema de una bruja en la hoguera, pero todo suena a impostado por los gritos, el montaje y la música. Empieza la sospecha de lo que, según avanza la película, se convertirá en una certeza: Elle Callahan tiene una historia en su cabeza, pero igual no consigue transmitírsela a los demás. Hay un elemento obligatorio en este tipo de películas: la tensión, que el espectador sienta que los personajes pisan terreno resbaladizo; como Assasination Nation de Sam Levinson o la serie The Handmaid’s Tale; pero todos los momentos que deberían impactarnos son apoyados por innecesarios jump scares y la música de Blitz/Berlin que, como suele ocurrirles, no aciertan con su acercamiento musical. En Witch Hunt hay buenos elementos pero todo da la impresión de que las secuencias se siguen unas a otras, a veces sin que aporten a la trama, y esto es debido a que Elle Callahan, en su doble faceta de guionista y directora, aplica a una historia de brujas los elementos clásicos de las películas con mutantes, porque en su universo las brujas no es algo que se perpetúe gracias al estudio y la sabiduría, aparte de la afinidad con las fuerzas… En Witch Hunt las brujas nacen, no se hacen. Tal vez lo más destacable en este sentido es la modernización de las pruebas que se les hacía a las brujas, como muestra la secuencia de la piscina que, mejor tratada, podría haber dado lugar a un momento terrorífico. El elenco, exclusivamente femenino, está muy bien comandado por el buen hacer de Elizabeth Mitchell, aunque tal vez su papel necesitaría una trama más amplia en vez de ser el apoyo de la principal; las jóvenes Gideon Adlon – de nuevo en una película de brujas tras The Craft: Legacy – resulta bien en pantalla y Abigail Cowen le da buena replica. La niña Echo Campbell debería sentirse más perturbadora pero va de un lado a otro por Witch Hunt hasta que le toca actuar. Witch Hunt debería hacernos reflexionar sobre las persecuciones de hoy en día e intentar ponernos en el lado del perseguido, pero se queda en una película que no deja poso. https://www.terrorweekend.com/2021/11/witch-hunt-review.html Witch Hunt

Catherine Deane es una psicoterapeuta que forma parte de un revolucionario tratamiento que le permite literalmente introducir su mente en la de sus pacientes. Sus experiencias con este método cobran un giro inesperado cuando un agente del FBI le llega con una petición desesperada: introducirse en la mente de un asesino en serie, Carl Stargher, que se encuentra en coma tras haber secuestrado y atrapado a una mujer cuya vida está en serio peligro si no consiguen descubrir su paradero. critica: J.LO se atreve a interpretar el papel de una erudita psicóloga que utiliza las más modernas tecnologías para arreglar problemas mentales; registro que se presta a la burla fácil pues es difícil verla como una superdotada, y apartar de nuestra cabeza su imagen de mega-estrella de la canción y del colorín. La López, que comenzó encasillada como chica latina para después encabezar todo tipo de peliculas románticas, tiene solo un par de cintas respetables, siendo la que nos ocupa una de ellas. La celda Con una sinopsis atractiva, el toque de originalidad de "La Celda" radica en el mundo visual que presenta Tarsem, los decorados y vestuario creados para recrear un universo de ensueño o pesadilla, la caracterización de los actores en distintas fases de la película (atención al gran cambio de registro y look de Vincent D'onofrio o los diseños que luce Jennifer, dignos de cualquier videoclip de Björk). La colorista iluminación y los efectos especiales ayudan a transportarnos a un mundo personal y único, lleno de referentes y de información acerca de los traumas y la bipolaridad del asesino, otorgando cierto grado de libertad para la interpretación al propio espectador. Aburridos de decenas de thrillers fotocopiados que surgen como setas y todos con la típica estructura, tenemos una pincelada expresionista en esta película, que con los mismos ingredientes crea un plato bastante diferente, que no todos los paladares degustan de la misma forma. Lo mejor: la fotografía Lo peor: le falta intriga La celda

Dos policías, uno veterano (Gibson) y el otro más joven y volátil (Vaughn), son suspendidos cuando un vídeo de sus duras tácticas de detención de delincuentes se convierte en la noticia del día en los medios de comunicación. critica: Por fin le hemos podido hincar el diente a la última película de S. Craig Zahler. Es increíble como tan solo dirigiendo dos películas antes, Bone Tomahawk (2015) y Brawl in Cell Block 99 (2017) ya haya conseguido tener una multitud de seguidores dispuestos a seguirle hasta el fin del mundo. Y es que tiene un estilo muy particular, es un director que siempre firma los guiones de sus películas y estos tienen, después de ver su tercera película, unos paralelismos muy claros. Siempre están protagonizadas por hombres veteranos, se toma el tiempo que haga falta para describir a sus personajes ayudándose de largas conversaciones y que son extremadamente violentas. ¿Alguien ha mencionado a Tarantino? Al otro lado de la ley Brett y Tony son compañeros en el departamento antidrogas de la policía. Tras una violenta redada ambos son suspendidos por seis semanas después de que se filtrara un video de sus acciones. Aquejados por las deudas no pueden permitirse tanto tiempo sin ingresos y están dispuestos a hacer lo que sea, pues al ser ahora civiles no pueden ser corruptos... Como ya había dicho, es una cinta con altas dosis de violencia pero todas ellas bien medidas y nada gratuitas. Consigue que el espectador se involucre en la historia y entienda los motivos de cada uno de sus personajes, aunque tal vez el sistema que utilice tenga algunos problemas y es que le dedica mucho tiempo al desarrollo de los protagonistas y eso hace sumarle muchos minutos a la cinta. Dragged Across Concrete podría durar una hora menos pero sería una película mucho peor. El director opta por el camino de que cada tiroteo y bala cuenten y nos brinda una cinta de acción, tensión, humor negro y mucha sangre. La fuerza de esta película es en mayor parte por la acertada dirección de Zahler y por un potente guión, que sin contar nada de especial si que consigue que tengas la sensación de que estás viendo una futura cinta de culto, pero la película cede mucha carga al carisma de su reparto, pues tener a un tótem como Mel Gibson, y además haciendo de policía que está de vuelta de todo, es ya un lujo, pero también aprovecha para reivindicar una vez más a Vince Vaughn para cintas de estas características. Destacar también el papel de Tory Kittles, el verdadero protagonista de la historia. Si no te importan las introducciones largas, y si eres un amante de los policíacos, el cine negro, la sangre, las buddy movies y las películas de tipos duros con cierto aire de los 80 ésta es tu película. Es muy recomendable en todos los aspectos pero si tuviera que decidir creo que Dragged Across Concrete es inferior (por muy poco) a las otras dos. Deseosos de ver qué nos depara en el futuro este director. http://www.terrorweekend.com/2018/10/dragged-across-concrete-review.html Al otro lado de la ley

Walter y su esposa descuidada atraen a un joven a su casa victoriana para escapar de un huracán. Cuando el hombre es acusado de asesinato por el detective Jones, debe revelar los perversos secretos de la pareja para salvarse. critica: Mediocre cinta de intriga, que no comienza mal puesto que hasta el minuto 40 o así tiene interés. El prólogo es bueno parece que tendrá verdadera sustancia. El realizador, el para mí ignoto Stephen S. Campanelli, lleva en esos momentos las riendas de la historia con mano firme, de forma lenta, pero sabiendo mantener el interés. Vamos, que hasta entonces promete. Sin embargo, luego todo se torna esperpéntico, sin ningún rigor ni credibilidad, amén de tedioso. El clímax sí que va in-crescendo, pero no de forma convincente sino preparado para, supongo, epatar el espectador, y no lo consigue por su torpeza narrativa. Ya me imaginaba que si estaba metido en la peli mi adorado Nicolas Cage no sería un buen producto. Hace tiempo que el bueno de Nico ha abandonado el buen cine para aceptar trabajos como este, que ni siquiera bastantes veces se estrena en el cine. En fin, que no merece la pena y eso que tiene elementos positivos como la actriz Kadee Strickland, que no es nueva en estos lares, pero que tiene aquí un jugoso personaje, inquietante y sexy a la vez. Atrapado en Grand Isle https://filmsencajatonta.blogspot.com Atrapado en Grand Isle

Un accidente marca y distancia a una madre (Jennifer Connelly) y a un hijo (Cillian Murphy). Ella llega a ser una famosa artista; él, un peculiar cetrero que vive marcado por una doble ausencia. Una joven periodista (Mélanie Laurent) propicia un encuentro entre ambos, que los lleva a plantearse la posibilidad de entender el sentido de la vida y del arte a pesar de las incertidumbres. critica: El sentido de la vida – ¿Qué hacemos aquí? ¿Para qué venimos? – y el sentido de la enfermedad – ¿Por qué yo o mi hijo o para qué el sufrimiento? – no parecen contenidos muy propicios o ligeros con los que condimentar una película comercial al uso. Quizás esto es lo más llamativo de todo, nos encontramos con una cinta que parece remar a contracorriente, sin concesiones, ni facilidades, singular en cualquier caso, en búsqueda constante de un norte y un rumbo que no acaba de encontrar o transmitir. No llores, vuela Se agradece que la cinta transite caminos poco habituales y hasta arriesgados, que no se haga previsible en casi ningún momento, que revele poco a poco su trama como con coquetería y pudor, que no imponga ideas preconcebidas o fuerce respuestas deslumbrantes o alambicadas, que sencillamente deje que los acontecimientos fluyan y vayamos comprobando que la suma de los días y de los acontecimientos no siempre nos permite vislumbrar nítidamente el contorno de un rostro o de una historia reconocible. Se respira libertad y transmite libertad – que no debe confundirse con liberación, ya que todos sus protagonistas son esclavos de unas pulsiones no siempre bien encauzadas. Quizás haya demasiado salto temporal entre las dos historias que narra – entonces, hace veinte años, y ahora, la inexorable consecuencia de aquellos acontecimientos. Este ir y venir pendular a veces se agradece y otras veces fatiga y resulta un recurso demasiado fácil para un guión que sin lugar a dudas tiene algo que contarnos y mucho que decirnos, pero parece que no encuentra siempre el tono y el ritmo adecuados, perdiéndose en meandros y disquisiciones que no están siempre a la altura de sus buenos y complejos propósitos. Es innegable que el punto fuerte de la película es el reparto, todos ellos acertados y con un toque de verdad que dignifica la cinta en su conjunto. Destaca sobre todo Jennifer Connelly que está en un momento dulce de su carrera, tanto física como artísticamente, bien secundada por Cillian Murphy en el papel menos agradecido y más atormentado de todos. Merecen destacarse también a la parisina Mélanie Laurent y a la madrileña Oona Chaplin. Pero quizás al final prevalezca cierta dispersión y falta de garra que si bien no lastran el balance global, si dejan cierto poso de insatisfacción. Podría haber sido mejor pero se queda en interesante ejercicio voluntarioso. No llores, vuela

Ambientada en una sociedad futura. El hallazgo de una fórmula contra el envejecimiento trae consigo no sólo superpoblación, sino también la transformación del tiempo en moneda de cambio, que permite sufragar tanto lujos como necesidades. Los ricos pueden vivir para siempre, pero los demás tendrán que negociar cada minuto de vida, y los pobres mueren jóvenes. Después de conseguir, por casualidad, una inmensa cantidad de tiempo, Will Salas, un joven obrero, será perseguido por unos policías corruptos, conocidos como "los guardianes del tiempo". En su huida, Will tomará como rehén a una joven de familia adinerada. critica: Andrew Niccol es el director de una de las más interesantes películas de ciencia-ficción de los últimos 20 años, 'Gattaca' (1997), que además fue su ópera prima. Después dirigió la pasable 'Simone' y la curiosa 'Lord of War'. Por todo ello tenía muchas ganas de ver su cuarto film, 'In Time', también de ciencia-ficción. In Time Sinopsis: "Gracias a los avances genéticos la gente deja de envejecer a los 25 años, pero hay un problema: sólo viven un año más, a menos que consigan más tiempo. El tiempo es ahora la moneda. La gente lo gana y lo gasta. Los ricos pueden vivir para siempre..." In Time Una idea que, más o menos, todos hemos tenido en mente alguna vez. El problema es que lo único aceptable de la película es esa idea. El resto es bazofia a granel. Todo lo que ocurre es absurdo (desde la manera de 'pasarse' el tiempo, hasta los pseudo-policías que nadie sabe para qué sirven); los personajes son un milhojas de estupidez que se mueven sin motivaciones claras y únicamente porque el guionista así lo quiere; la ridiculez extrema de una secuencia es dejada en ridículo por la de la siguiente secuencia (consultar spoiler donde encontrarán algunas de las tonterías más grandes del argumento)... Al escribir una película uno intenta que los personajes sean quienes guíen la trama, que dichos personajes sean complejos, incluso contradictorios, y que tengan matices, que las situaciones sean verosímiles (siempre dentro del género en el que te mueves), que la trama tenga una dirección clara y concisa... en fin, lo normal. Pero al ver esta obra uno empieza a tener dudas. In Time En fin, una película que parece escrita por un niño de 4 años. Horrorosa. El estreno en España, para los que tengan ganas de reírse un rato, es esta misma noche. ¡Salud! In Time