A las puertas de la Copa Mundial de Fútbol de 1986, Carlos, un chico de diecisiete años, está más interesado en escuchar música y admirar a Rita, la hermana de su mejor amigo, Gera. Su vida monótona termina cuando la banda gótica de Rita les introduce a un club nocturno clandestino, "El Azteca". Ambos quedarán embelesados con este mundo de performances, ambigüedad sexual y drogas. Sin embargo, en esta exploración de sus nuevas identidades, también se pondrá a prueba su amistad. critica: Viernes 29 de noviembre, 6:00 pm, La casa del cine. "Esto no es Berlín" ha sido seleccionada para conformar la nueva edición de la Muestra Internacional de Cine, película en la que Hari Sama hace una restrospectiva a través de un relato de ficción —con demasiadas referencias personales de él—, sobre el descubrimiento del mundo underground y el encuentro con las expresiones artísticas, las relaciones de amistad y afectivas de manera ilimitada y fueran el motor impulsor en el México conservador de los años 80. Esto no es Berlin Protagonizada por Xabiani Ponce de León, José Antonio Toledano, Ximena Romo, así como por el propio Hari Sama, la trama se centra en una pareja de amigos adolescentes (Carlos y Gera) que por la mañana acude a la escuela y por las tardes encuentran a través del ocio una ventana a un submundo al que supuestamente no están preparados y al que Rita —la hermana de Gera creé pertenecer. Dicha inmersión reflejará la apertura intelectual de Carlos, quien en interacción con otros personajes buscan en el arte de la fotografía la ruptura de lo establecido, de un eco que los reconozca y les de brinde esa libertad de la que Europa se ha jactado y que también impulsa a Latinoamérica a seguir. Película bien lograda, que retrata la incomprensión de la juventud, de sus escapes hacia una exploración en la que lo "indebido" no podía omitirse y donde su director decide aparecer a cuadro en rol de tío, una figura de libre albedrío ajeno a los señalamientos y sí más enfocado a guiar. El relato jamás se percibe como cliché y recrea la época correctamente, nos traslada momentáneamente en el tiempo y comienza nuestra propia recreación y cuestionamientos sobre una educación que siempre restringe las libertades a través del tabú. En la filmografía vemos a un Hari Sama que va de la comedia más corrosiva y efectiva (Sin Ton ni Sonia), pasa por el abatimiento ante la pérdida (El sueño de Lu) y llega a un referencial casi autobiográfico el cual casi logra un borrón y cuenta nueva para muchos. Esto no es Berlin
Prerna, una adolescente de la India rural, alcanza la mayoría de edad cuando se inicia en el skateboard. Como consecuencia, tiene que luchar contra toda probabilidad para seguir sus sueños y competir en el campeonato nacional. critica: *Mujeres con un largo camino que recorrer La Skater En la primera secuencia, La skater nos deja claras sus intenciones. Estamos ante una cinta de iniciación en un mundo hostil. Al tener como protagonista a una joven pobre que vive en una pequeña aldea de la India y que además, tiene la osadía de soñar. Soñar con algo muy simple, a ojos occidentales, ya que Prerna (Rachel Saanchita Gupta) disfruta deslizándose sobre una tabla. Ni siquiera sabe que aquello puede ser un deporte, con unas reglas y toda una serie de campeonatos internacionales. Su mundo no va más allá, de la tabla que su hermano pequeño ha construido de forma muy precaria. Una situación que cambiará con la llegada al pueblo de Jesse, una británica que le descubrirá el skate. Una llegada azarosa capaz de generar conciencia en una Prerna muy atada a toda una serie de tradiciones asfixiantes. Tradiciones resultado de una sociedad tremendamente inmovilista, en la que la mujer no es más que una mercancía. Y que La skater utiliza para subrayar la situación tan desesperada a la que tienen que enfrentarse muchas mujeres. *Vuelta a los orígenes Situación totalmente antagónica a la que vive Jessica, por su condición de británica. Una joven en búsqueda de sus orígenes, que llega a la aldea de Prerna para conocer la tierra de su padre. Y es que Jessica cuenta con una independencia y una libertad, con la que Prerna no puede ni soñar. En un contraste que le servirá a la joven londinense para relativizar sus problemas y entregarse a los demás. Será ella la que les descubrirá la magia de una simple tabla de skate, con ayuda de algunos amigos. Demostrando que el deporte puede servir para educar y para generar una gozosa sensación de expectativas. Recogiendo La skater toda una serie de narrativas fílmicas, sobre el poder del deporte para salir de situaciones personales opresivas. Que aquí están protagonizadas, de forma un tanto novedosa, por una mujer. En un trabajo que la debutante Rachel Saanchita Gupta realiza de forma convincente. Destacando su gran expresividad y su sencillez interpretativa. *Luminosa, pero falta de profundidad No obstante, aunque la cinta cuenta con un estilo luminoso y esperanzador. Así como un buen pulso narrativo y formal, con secuencias de skate muy ágiles. En general, se echa en falta una profundidad mayor, al estarse aquí retratando un tema muy peliagudo. Estamos ante la historia de una adolescente india sin futuro, ni derechos y La skater no nos da contexto. De hecho, para aquellos que puedan ver la película en zonas del planeta con estas desigualdades no hay nada tangible a lo que acogerse. Más allá del entretenimiento y las buenas intenciones que transmite toda la cinta. No hay una crítica implícita. Y el final, podemos decir muy Disney, es difícil de imaginar en la realidad. Aunque sí que se agradece un tratamiento de la pobreza respetuoso. En el que no se apuesta por el morbo y, que si bien tiene una cierta estilización, tampoco pretende parecerse a un spot televisivo. *Conclusión Estamos ante una cinta entretenida, bien realizada, con una historia atractiva y unas interpretaciones convincentes. Una película que apuesta por el poder del deporte y que nos sitúa en latitudes diferentes, repletas de problemáticas muy enquistadas. Y precisamente, aquí encontramos los problemas de la película. Porque retratando una sociedad india, definida por sus castas inamovibles y su pobreza, La skater (Skater Girl) prefiere quedarse en la superficie. Una superficie más placentera y evasiva, pero desgraciadamente inusual lejos de la magia del cine. Escrito por Laura Tabuyo Acosta La Skater
Ulrich Mott es un excéntrico y despiadado oportunista que cree tener unos planes grandiosos acerca de la política exterior de los Estados Unidos. Para ello cuenta con el apoyo de su su mujer, Elsa Brecht, una periodista estratégicamente elegida para situarlo en lo más alto de la sociedad del país. Mott es un genio a la de asumir roles de responsabilidad en cualquier circunstancia, ya sea militar o política: sabe siempre cuándo tiene que adular, y a quién debe hacerlo, para obtener sus propósitos. La única que parece ser inmune a sus encantos es la hija de Elsa, Amanda que rechaza por completo el casamiento de su madre con un hombre mucho menor que ella porque percibe que algo siniestro se esconde bajo la incontrolable verborrea de Mott. critica: Vamos a ver, lo primero que he hecho ha sido comprobar que es cierto que esta historia está basada en hechos reales. Todo resulta tan increíble que si no conocías el caso (como yo) te resultará difícil no mostrar incredulidad ante la sucesión de acontecimientos que muestra esta película. El crimen de Georgetown El protagonista es un tipo con unas ambiciones sociales desmesuradas a cuyos delirios nadie debería dar crédito. Sin embargo, el tipo persiste en sus patrañas y logra embaucar a gentes importantes, a las que uno presupone prevenidos contra este tipo de sujetos. Así que, como espectador, uno no entiende que un estafador de pacotilla como este pueda mentir durante tanto tiempo y seguir medrando. La película ilustra como esa bola de nieve de mentiras crece hasta estallarle en la cara. Pero no hay un gran talento en su fraude. Ni siquiera vemos que resulte un tipo con un carisma irresistible. Simplemente los que lo rodean parecen ser imbéciles. Por eso la mascarada nos resulta ridícula, un despropósito. Estoy seguro de que ocurriría lo mismo si aquí en España hiciesen una película sobre los tejemanejes del Pequeño Nicolás o de las hazañas de aquel donjuán sin dientes que logró vivir durante 20 años de las mujeres que seducía a través de las redes sociales. Quienes no tuviesen conocimiento previo de esas noticias tendrían la misma sensación que tengo yo ahora. ¿Esto pasó de verdad? Imposible. El crimen de Georgetown
Mikey Saber es una estrella del porno pasada de moda que vuelve a su pequeño pueblo de Texas, aunque nadie le echa de menos. critica: Sean Baker es, sin duda alguna, una de las mentes más prometedoras del cine, independiente por ahora, de los últimos tiempos. Red Rocket sigue la estela de un actor porno en decadencia. Mikey Saber vuelve al hogar de su exmujer y exsuegra. Vuelve a una ciudad de Texas de la era Trump y busca cobijo tras abandonar la industria adulta. Destrozado, apaleado, pobre, sucio, pero gracioso, llama a la puerta y promete encaminar su vida a cambio de un techo y comida. Ahí empieza la película. Red Rocket La idea de Red Rocket era una guardada en el cajón maestro de las ideas, pues el equipo de Baker tenía pensado hacer otra película. Llegó la pandemia y tuvieron que cambiar de dirección. Red Rocket es una película con pocas localizaciones- pero muy bien elegidas-, unos actores principales profesionales rodeados de un elenco de secundarios primerizos en la actuación, y con una trama llena de diálogos electrizantes por parte de Simon Rex. La puesta en escena es simplemente espléndida. Sean Baker te transporta a esa ciudad rancia y pobre donde los paseos en bicicleta del gracioso Mikey Saber se convierten en momentos de auténtica libertad visual. Te sientes libre, sientes el viento en la cara, pero también el humo de las fábricas y la mugre impregnada en el comportamiento de Saber. Porque Sean Baker, que venía de hacer The Florida´s Project, donde metía al espectador en la piel de niñas pequeñas buscando un futuro esperanzador, aquí tu reflejo es Saber. Un reflejo de la industria del porno mainstream. Dolorosa, triste y muy de terror por momentos. Todo está rodeado de un humor bastante único que Simon Rex aporta a la película, pues viene de películas como Scary Movie. Es de las mejores películas del año porque Sean Baker hace un estudio minucioso y detallado de personajes, del arquetipo de actor porno y retrata el Texas de la era Trump a través de la moral de Mikey Saber. Red Rocket
Superproducción épica sobre la figura bíblica de Noé. En un mundo destruido por la perversión de los hombres, un humilde carpintero llamado Noé recibe una importante misión que será trascendental para la evolución y el desarrollo de la raza humana. Dios, cansado del corrupto y depravado comportamiento de los seres humanos a los que él mismo dio vida, advierte a Noé de un necesario e inminente diluvio universal que depure y libere a la tierra de la acción humana. Noé tendrá que construir un arca gigante para salvar a su familia, donde deberá reunir a una pareja de cada especie animal para preservar su conservación y crecimiento tras el apocalíptico diluvio que acabará con la humanidad y su fatídica conducta. El arca evitará que los seres que estén dentro mueran ahogados y los mantendrá con vida para una posterior reconstrucción del universo. critica: El cine de Darren Aronofsky nunca ha sido fácil. Ya desde su primera película, "Pi, fe en el caos" (1998) dejaba claro que no iba a tomar el camino sencillo, aunque esto no impidió que la dura "Requiem por un sueño" (2000) le pusiera en el mapa de forma global, un film sobre el abuso de las drogas que no dejaba indiferente ni se cortaba para mostrar las consecuencia de éstas en la vida de varios personajes. El salto sin red llegó con la (en mi cabeza) extraordinaria "La fuente de la vida" (2006), una de esas cintas que dividen opiniones de forma radical, y continuó su senda con dos trabajos aclamados por público y crítica, e incluso ganadores de premios, como son las notables "El luchador" (2008) y "Cisne negro" (2010). "Noé" ha tardado algo más de tiempo en llegar, estando de hecho en preparación desde después del lanzamiento de "Pi", siendo un proyecto que Aronofsky quiso sacar adelante numerosas veces, algo que consiguió -en parte- en forma de cómic y, ahora, como película. Un film que (de nuevo) vuelve a terrenos pantanosos, que no espera contentar a nadie y que se limita a ser su visión del relato bíblico. Ante todo, Darren es un autor, y lo es (casi) hasta las últimas consecuencias. Noé "Noé" no es sin embargo la película que alguien esperaría encontrar teniendo en cuenta exclusivamente su temática. Ni siquiera, partiendo de un realizador como Aronofsky. A medio camino entre el blockbuster épico, con batallas multitudinarias, violencia salvaje y criaturas de fantasía como gólems de piedra; y el cine de autor (con un retrato de personajes por encima de la media, aunque eso no signifique que sea tampoco muy complejo), es paradigmático que sea justamente esa mezcla, apenas funcional, la que haga que la película sea como poco interesante. Fallida en parte, pero también con instantes valiosos, momentos en los que se puede ver quién está detrás (ese tramo que aborda la psique humana, fruto de la obsesión, la fé ciega) de sus imágenes. No todo son efectos digitale de ILM; hay algo debajo. Le cuesta salir y lo hace a ritmo de Clint Mansell, que vuelve a aliarse con el realizador para componer una banda sonora bastante sólida en la que las imágenes se apoyan sin ningún tipo de reserva. Los temas que se abordan son los razonables partiendo del relato en que se basa, no hace falta describirlos. No obstante, en esa diferencia de estilos reside algo curioso: si la primera hora de la película (aproximadamente), en la que se concentra todo lo previo al gran diluvio, la segunda mitad es considerablemente intimista. Los personajes están presentados, así como los conflictos que existen entre ellos. Lamentablemente en algunos casos Darren -y su coguionista Ari Handel- pecan de ser demasiado esquemáticos, introduciendo elementos que rompen la lógica interna del propio film, como todo lo que ocurre con el hijo mediano de Noé (un poco a loa Anakin Skywalker). La representación de ciertos momentos también roza el absurdo(1), algo que detallaré en spoiler para no destrozar el visionado de la película a nadie que esté pendiente de verla, pero que tienen más que ver con la forma en que se filman que con el contenido de por sí. Crowe, Connelly y compañía no hacen un mal trabajo levantando a estos personajes, y decir lo contrario es negar la evidencia. Suya es la labor más complicada y es hacernos creer, al menos en parte, que lo que sucede en pantalla tiene algún tipo de validez. Lo consiguen cuando el guión se lo permite, pero también es cierto que ninguno de los personajes es tan sólido como otros que han construído con anterioridad estos mismos creadores. Así que al final, en Noé quedan buenas ideas mezcladas con otras que no lo son tanto, una película amorfa, casi fallida, pero que merece la pena ver porque en el fondo es el film 'cristiano' menos convencional desde "La última tentación de Cristo" (Martin Scorsese, 1988), sin ir demasiado lejos. Su mayor problema es que no es todo lo salvaje que podría, pero tampoco está domesticada en exceso. Se queda en tierra de nadie y su final, sea o no fiel a la historia bíblica, creo que podría ser bastante mejor(2). De nuevo, lo aclaro en spoiler. ¿Merece la pena "Noé"? Sí. Aún siendo la peor película de su director, hay arrojo y valentía en un film suicida que, camuflado como cine de autor, abraza directamente la épica del 'nuevo cine épico' que recuperó, en cierto modo, Peter Jackson con su "El señor de los anillos". Y tiene algunas partes magníficas (la historia de la Creación) que merecen verse en pantalla grande. Noé
Anne se encuentra en una encrucijada en su vida. Casada con un exitoso productor de cine, un día se encuentra de forma inesperada viajando en coche desde Cannes a París con un socio de negocios de su marido. Lo que debería ser un viaje de siete horas se convierte en una aventura de dos días repleta de diversión llena de lugares pintorescos, buena comida y mejor vino, mucho humor, sabiduría y romance, despertando los sentidos de Anne y dándole un nuevo deseo a su vida. critica: Estamos en Francia, y "los franceses somos" románticos; comemos elegante, bebemos vino y enamoramos mujeres. París puede esperar Una pelicula que pretende encantar, siguiendo los estereotipos más repetidos: Un hombre aparentemente culto, que en todos los lugares es conocido, que es "encantadoramente atento", que puede solucionar todos los inconvenientes. Un cliché de hombre francés que habla de vino, y le dice a la mujer pretendida las frases más repetidas que ya han perdido su sentido. Una historia común, con el único aliciente de la fotografía. Los elementos repetitivos están por doquier: una triste historia del pasado que se cuenta y la otra parte que saca a relucir también su historia. La consabida "es la primera vez que siento esto". El hombre maduro que gusta de la juventud, y la mujer que se siente conmovida por este gesto. El hombre que a pesar de toda la ostentación que hace, tiene un recuerdo de la sencillez de la vida. Una mujer incomprendida en su matrimonio, y la posibilidad de pretender ser feliz con un desconocido estereotipadamente encantador. El "te merces algo mejor, o no te mereces esto, porque una mujer como tú", bla bla bla... Y tal vez estos temas repetidos pueden dar lugar a una buena historia, que no es el caso de esta película, según la forma en que sea contada. Finalizando se salva un poco, al no caer por comleto en el cliché de llegar a hacer lo que todo el tiempo se está esperando. Pero en el final se llega nuevamente al, "te estaré esperando". París puede esperar
