El bosque de los sueños

En Zazzau del siglo XVI, ahora Zaria, Nigeria, Amina debe utilizar sus habilidades y tácticas militares para defender el reino de su familia. Basado en una historia real. critica: Película nigenira del 2021, con una valoración de 3/10, bajo dirección de Izu Ojukwu y guión de Ogunjiafor. Amina Amina de Zaria o Aminatu (1533 - 1610) conocida como la reina guerrera, fue una reina hausa del estado musulmán de Zazzau (ahora Zaria), en el actual noroeste de Nigeria.[1]​ Fue la primera mujer en convertirse en Sarauniya (reina) en una sociedad dominada por hombres. Amplió el territorio del pueblo hausa del norte de África a las fronteras más grandes de su historia liderando un ejercito de 20.000 soldados, que para su tiempo y lugar, es una gran cifra. A pesar de que Nigeriano es el segundo país del mundo con mayor número de producciones. Por lo que del guión no es de extrañar que abogue por una ambiciosa historia, de una mítica reina de su historia. No obstante al film le falta muchos elementos de calidad, que le haga poder llenar las salas europeas. La producción es aceptable, pero dirección, línea argumental, sonido,montaje, he interpretación hacen agua por momentos. Una batalla final que queda muy floja y deshinchadas, en la que solo demuestra su corto supuesto presupuesto. Amina

Clara, una ex-crítica musical de Recife de 65 años, vive retirada en un edificio particular, el Aquarius, construido en la década de 1940 sobre la chic Avenida Boa Viagem, que bordea el océano. Un importante promotor ha comprado todos los apartamentos, pero ella se niega a vender el suyo y emprende una guerra fría contra la empresa que la acosa. La estresante situación le perturba y le lleva a pensar en su vida, en su pasado, en sus seres queridos. critica: Clara es madre de tres y abuela de dos. Tiene 65 años y vive en Recife. Su apartamento frente al mar se encuentra en un viejo edificio llamado Aquarius. Por lo menos ha vivido ahí los últimos cuarenta años. Es una reconocida intelectual de la música. Doña Clara Clara superó un cáncer de mama en la adultez, enviudó diecinueve años atrás y hoy goza de mucha vitalidad y buena economía. Camina por la playa, reflexiona sobre su vida sexual, coquetea, escucha buena música y come delicioso. Su vida anda bien hasta que una constructora compra todos los apartamentos de Aquarius para construir un edificio moderno y la presiona para que ella también venda. El guión de Kleber Mendonça Filho es más complejo que una exploración por la vida diaria de una mujer sesentera. El logro principal es que Clara no es solo ella por quien es y lo ha hecho de su vida. Clara existe por su relación con el entorno: con su viejo edificio, con su empleada, con su familia, con sus amigas y hasta con el guardacostas. Es esa persona de clase acomodada que se relaciona con la servidumbre hasta para ir a sus fiestas, es esa que cría a sus hijos diciendo siempre la realidad de las cosas, es esa que disfruta de una noche alocada de sexo solo por tener ganas de satisfacerse, es esa que rechaza al potencial amante así como es rechazada, es aquella que sueña y tiene temores pero los afronta a la cara. Clara muestra un poco de todos. La identificación con el personaje brota sola y sin esfuerzo. Pero Clara también es como el edificio, que con los años se vuelve un lugar abandonado por sus ocupantes tanto como ella es descuidada por su familia, que le faltan partes así como ella ha ido sufrido fisuras emocionales y físicas, o algo que será modificado por más moderno como son modificadas sus costumbres (de ejemplo la música que se ha digitalizado y ella aún conserva sus vinilos). A través de Clara y de su edificio, Mendonça Filho ha retratado por completo los lazos familiares, la corrupción de la sociedad y el paso del tiempo. Recuerda a esa vieja escuela fílmica italiana en donde los elementos sociales fluyen en la narración y ayudan a contar la historia. Además, esta mujer testaruda (se opone a todo su entorno para mantener el apartamento) es la representación del latino, con amplias convicciones pero anclado a sus viejas raíces y tradiciones. No veo un problema en que el director introduzca muchos conceptos en una sola narración si todos son tratados con sutileza para que el espectador los interprete uno a uno. Es sorprendente que tantas reflexiones fluyan con naturalidad y enseñen. A pesar de su longitud, entretiene con tomas cortas y diálogos inteligentes. Eso sí, carece de la profundización de al menos otro personaje, quizás el antagonista, para favorecer más al conflicto. Palmas especiales para Sonia Braga, imponente actriz. Doña Clara

Se centra en la vida de Molly Bloom, una esquiadora de talla mundial que llegó a ser millonaria antes de los 21 años. Tras perderse los Juegos Olímpicos, Molly se trasladó a vivir a Los Ángeles, donde incluso trabajó de camarera. Gracias a su inteligencia y sus dotes empresariales, la joven acabó ganando millones de dólares en el mundo del póker antes de que el FBI la investigara. critica: Ambiciones, adicciones, olor a ron y frambuesa, una rama. Molly's game Tras poco más de tres años de publicarse el libro autobiográfico de Molly Bloom, la reina del póquer, podemos ver su adaptación al cine. ‘Molly’s Game’ recuerda inevitablemente a ‘El lobo de Wall Street’, pero al no ser tan excesiva gustará a más tipos de público. Tenemos a un personaje fuerte que nos enseña con el cinismo procedente los tejemanejes de uno de los sectores más podridos de la sociedad. Y se agradece que lo haga con este humor y a un ritmo tan endiablado, ya que pararse a pensar mucho en ello resultaría estremecedor. El guion es inteligente, las actuaciones de premio, la dirección dinámica... Como punto no del todo positivo, me queda la sensación de estar dando demasiadas vueltas en el mismo sitio y pasar de puntillas por los temas que dejarían peor a la protagonista. Y una advertencia: id al cine bien despiertos, ya que entre la voz en off y los diálogos acelerados apenas hay momentos en los que pasan más de cinco segundos sin que alguien diga nada. La frase: «Es increíble lo rápido que se avanza cuando no se cobra por horas», dice un psiquiatra. El personaje: el único irlandés (Chris O’Doud) que juega a póquer con los rusos. La escena para el recuerdo: la partida en la que un error te invierte la racha. www.cinequanon.cat Molly's game

Frankie Dunn, después de haber entrenado y representado a los mejores púgiles, regenta un gimnasio con la ayuda de Scrap, un ex-boxeador que, además, es su único amigo. Frankie es un hombre solitario y adusto que se refugia desde hace años en la religión buscando una redención que no llega. Un día, entra en su gimnasio Maggie Fitzgerald, una voluntariosa chica que quiere boxear y que está dispuesta a luchar denodadamente para conseguirlo. Pero lo que más desea y necesita es que alguien crea en ella. Frankie la rechaza alegando que es demasiado mayor y que, además, él no entrena a chicas. Pero Maggie no se rinde y se machaca cada día en el gimnasio, con el único apoyo de Scrap. Finalmente, convencido de la inquebrantable determinación de Maggie, Frankie decide entrenarla. criticas: Protagonizada y dirigida por Clint Eastwood, es la 58 película que protagoniza y la 27 que dirige. Se basa en una novela corta de F. X. Toole, adaptada por Paul Haggis. Se rodó en LA, Las Vegas y en los Burbank Studios, con un presupuesto estimado de 30 M dólares. Nominada a 7 Oscar, ganó 4 (película, director, actriz y secundario). Obtuvo 2 Globos de oro y otros premios. Se estrenó en cines el 28-I-2005. Million Dollar Baby La acción principal tiene lugar en LA, a lo largo de unos 2 años, en torno a 2004, pese a claras intenciones de intemporalidad. Narra la historia de Frankie Dunn (Eastwood), de unos 70 años, antiguo entrenador de grandes púgiles, de origen irlandés, católico, anticuado, lacónico y solitario. Vive encerrado entre las paredes del gimnasio "Tip Hit", que comparte con Eddie Scrap (Morgan Freeman), antiguo pupilo y viejo amigo. Frankie vive atormentado por la separación de su hija, de la que no tiene noticias (le devuelven todas las cartas que le envía) y por sentimientos de culpa derivados de hechos pasados no explicados. Un día se presenta en el gimnasio Maggie Fitzgerald (Hilary Swank), camarera, de 31 años, empeñada en que Frankie la entrene, a lo que éste se niega. Million Dollar Baby La película es una obra de dos personajes profundamente humanos, maltratados por la vida, solitarios y rudos, que se convierten en protagonistas de una relación de intenso amor paternofilial. Gracias a éste, Frankie se encuentra a si mismo y Maggie logra su propósito de ser estimada y triunfar. Eddie Scrag, narrador de los hechos, los explica con pasión y socarronería. De su mano el film se adentra en el mundo de los sentimientos humanos (amor, devoción filial, compasión, amistad, fuerza de voluntad, espíritu de lucha, escrúpulos, búsqueda del perdón, etc.). No es una obra superficial: es compleja porque explora el alma del ser humano. El realizador busca una elevada calidad formal (sonido, imagen y palabra), en el contexto de una gran sobriedad. Realismo, descripción de personajes, exploración de sentimientos, sobriedad de formas, equilibrio entre fondo y forma, intemporalidad de los hechos y otras características hacen de la película una obra de inequívoca concepción clásica, alejada de eclecticismos y barroquismos posrománticos. Million Dollar Baby La música, de Eastwood, aporta excelentes composiciones de violín y solos de guitarra y de piano, que se hacen presentes con intensidad moderada. La fotografía presenta encuadres de magnífica composición y gran belleza. Predominan los ambientes interiores, de escasa luz, a tono con la melancolía del relato. El guión combina un aire general desesperanzado y triste, con momentos irónicos (discusiones de Frankie y Scrap y de aquél con el cura). Las interpetaciones se acercan a la perfección. La dirección deja en manos de la espontaneidad gran parte del rodaje, realizado con numerosas tomas únicas. Million Dollar Baby Película de concepción clásica, profunda, realista y sobria, que invita a la reflexión. Million Dollar Baby

Ben y Rose son niños de dos épocas distintas, que desean en secreto que sus vidas sean diferentes. Ben sueña con el padre que nunca conoció, mientras Rose lo hace con una misteriosa actriz cuya vida narra en un libro de recuerdos. Cuando Ben descubre una pista en casa y Rose lee un tentador titular en el periódico, ambos comienzan una búsqueda que se desarrollará con una fascinante simetría. critica: Cualquiera que conozca la filmografía de Todd Haynes no la describirá precisamente como accesible. Su magistral último trabajo, “Carol” (2015), sobre un romance lésbico en la década de los 50, no fue exactamente una película para todos los públicos. Ello no tiene nada que ver con la calidad de sus películas, todo lo contrario, posiblemente estemos ante uno de los mejores realizadores contemporáneos, sino por la complejidad de sus temáticas y contenidos. Wonderstruck: El museo de las maravillas En cambio, con Wonderstruck, posiblemente estemos ante una excepcionalidad en su obra, un cuento de hadas moderno, dirigida tanto a mayores como a jóvenes, ideal para verla en familia. Aunque el libro de Selznick presenta personajes infantiles, y estaba dirigido en un inicio al público más joven, en el fondo conecta con los lectores de todas las edades. Con Wonderstruck sentimos que Haynes apunta en la misma dirección, continua con el mismo enfoque y no se dirige exclusivamente a un público infantil. Wonderstruck es una película sobre la vida, el cine y los museos. Utiliza la luz, el sonido, el montaje, la puesta en escena y los decorados para retratar las misiones profundamente sentidas de dos niños: Ben y Rose. Ambos poseen la misma edad y dificultades (son sordos) para encontrar a sus respectivos padres. Ben y Rose no se sienten realizados en sus lugares y sueñan con otra vida. Ambos deciden ir a Nueva York y tomar el mismo camino. Las dos lineas narrativas se describen en paralelo a la espera de que ambas confluyan en un mismo punto y nos de respuesta a las intrigas planteadas de inicio. La aparición de Millient Simmonds en su debut en la gran pantalla, es un maravillosa sorpresa y un gran descubrimiento. Tras una mirada conmovedora y unos gestos equilibrados, sentimos y notamos de manera natural todas sus emociones. El otro protagonista infantil, Oakes Fegley, en cambio, pese a su corta edad, es ya un veterano. Todos le recordaremos por su actuación en “Peter y el Dragón” (2016). Sobre las películas de Tod Haynes, independientemente de que puedan estar mejor o peor, lo único que puede asegurarse siempre es que el diseño de producción será perfecto y Wonderstruck no es una excepción. El diseñador Mark Friedberg (The Amazing Spider-Man 2) recrea dos épocas totalmente diferentes de Nueva York con un toque magistral. Es una autentico gozo y placer observar la profundidad y minuciosidad con que están filmados todos los detalles de cada periodo. Como nos tiene siempre acostumbrados, Tod Haynes ha conseguido nuevamente en Wonderstruck mostrarnos su especie de marca registrada: Realizar una película pensando hasta el mínimo detalle. Junto a su Director de Fotografía Ed Lachman, usan una sorprendente combinación de películas Kodak de 35 mm en blanco y negro, con otras en color, para dar a las dos líneas narrativas desarrolladas en la trama una autenticidad y una belleza única. La ciudad de Nueva York de los años 20 que habita Rose, además de la magnífica fotografía, va acompañado de un impresionante diseño de vestuario, decorados y escenografías que consiguen mágicamente transportar y trasladar a los espectadores a otra era. Desde la ropa de la gente hasta los carruajes de la época mantienen nuestros sentidos absortos ante la magnitud del espectáculo ofrecido por Haynes, donde todo está recreado a la perfección. La fotografía en blanco y negro aumenta la sensación de realismo, del mismo modo que la inexistencia de sonido crea la impresión de estar viendo una película muda. El mundo de Ben en la década de los 70, psicodélico, funky y saturado contrasta con el de Rose en Blanco y negro, silencioso, entusiasta y envolvente. Ed Lachman recrea estos años con colores naranjas quemados. Al igual que en la época de Rose, las calles llenas de gente por las que deambula Ben están minuciosamente realizadas tanto en decorados como vestuarios. Ademas, Tod Haynes, emplea aquí canciones como “Space Oddity” de David Bowie o “Fox On The Run” de Sweet para conseguir mayor efecto y autenticidad. Al igual que en las películas mudas, la partitura tiene un peso relevante en el resultado final, y por la magnífica utilización de la música en cada una de las escenas, brilla el excelente trabajo de Carter Burwell con el que ya colaboró Haynes en “Carol“. Su música evoca sentimientos y emociones sin llegar a ser nunca manipulador. Wonderstruck realiza un bello homenaje al cine mudo, a esa transición hacía el cine sonoro. Una película mágica que consigue trasladar al espectador, como si de una máquina del tiempo se tratara, a otras épocas (los años 20 del cine mudo y la época funky de los 70), gracias a una espectacular ambientación con una minuciosa realización donde se cuida el más mínimo detalle. Wonderstruck: El museo de las maravillas

Anne y Bob son un matrimonio de americanos que acaba de instalarse en París y han decidido celebrar una cena en la que reunir a miembros de la alta sociedad americana y parisina. Ella descubre en el último momento que el hijo del primer matrimonio de su marido también ha sido invitado, haciendo así que la cena tenga trece cubiertos. Por simple superstición, decide añadir un decimocuarto cubierto y le pide a su empleada doméstica María que se haga pasar por una rica española. Pero, el exceso de vino y una sugerente conversación hacen que María se encariñe accidentalmente con un marchante de arte inglés. Anne no aprueba este romance y tiene la firme intención de detenerlo. critica: Madame" es la nueva película de la directora, guionista y escritora francesa Amanda Sthers, aunque el foco de interés en esta nueva comedia dramática francesa está puesto claramente en el reparto, que tiene como protagonistas a la actriz australiana Toni Colette, al estadounidense Harvey Keitel, a la española Rossy De Palma, y al británico Michael Smiley. madame El inicio de "Madame" nos traslada hasta París, y nos muestra a una pareja de americanos, Anne (Colette), y Bob (Keitel), quienes recientemente se instalaron en dicha ciudad. Son de clase alta, y tienen todas las mañas clásicas de quienes pertenecen a dicho estrato social. Mientras se realizan los preparativos para una cena que la pareja celebra esa misma noche, con invitados pertenecientes a la alta sociedad, la inesperada aparición del hijo del primer matrimonio de Bob abrirá el foco de conflicto, ya que el joven resulta estar invitado a dicha cena y Anne se entera de este hecho a último momento. Esto conllevará a un suceso que no le caerá en gracia a Anne; la mesa dispondrá de trece cubiertos, lo que hará sobresalir el espíritu supersticioso de la anfitriona, quien decide improvisar y añadir un decimocuarto cubierto, para evitar llamar a la mala suerte, sumando a la mesa de invitados a María (De Palma), su empleada doméstica más antigua y de mayor confianza, encubierta como una amiga. madame