Demolición

6.8
Un exitoso banquero de inversión lucha después de perder a su esposa en un trágico accidente automovilístico. Con la ayuda de un representante de servicio al cliente y su hijo, comienza a reconstruirse a partir de la demolición de la vida que una vez conoció. critica: La sutileza flaquea ya en el propio título. La demolición como mecanismo de reparación, como un nuevo punto de partida, es una constante que se repite durante todo el metraje, de una forma muy evidente, sin un sólo hueco a la imaginación, bien claro y mascado. Resulta imposible obviar la facilidad con la que se busca transmitir el mensaje, la simpleza de un guión que no deja lugar a otras interpretaciones. Pero es complicado también no rendirse a los encantos de un filme que sabe embaucar, que utiliza a la perfección todos los elementos a su alcance para llevarnos de la mano por el proceso de autoaprendizaje de un personaje absolutamente cautivador. Demolición Jean-Marc Vallée deja recaer de nuevo el gran peso de su propuesta en un carismático actor principal. Si Dallas Buyers Club y Alma salvaje no se entenderían sin la arrolladora presencia de Matthew McConaughey y Reese Witherspoon, Demolición no se concibe tampoco sin el inestimable trabajo de un Jake Gyllenhaal que todavía no entiende cómo la Academia de Hollywood se resiste a rendirse a sus pies. No será por recursos. Aquí los saca a desfilar todos. Un despliegue interpretativo que te hará odiarle, reírte, quererle y llorar. La obra definitiva de un actor total. Con Davis asistimos a una montaña rusa emocional, la que sufre el protagonista tras el accidente de coche que acaba con la vida de su esposa. Un accidente que saca a relucir una apatía vital que abarca desde un matrimonio en decadencia hasta los cimientos de un hogar construido a sus espaldas. El personaje inicia así un proceso destructivo que arrasa tanto los tabiques de una casa o la maquinaria de un ordenador personal como sus relaciones afectivas, que asisten perplejas, como asistimos nosotros, a una aparente involución. Pero en ese particular mecanismo de curación, no ya tanto del dolor tras la muerte sino más bien de la muerte en vida, aparecen por el camino personajes emblemáticos, piezas que no terminan de encajar en un sistema en el que nadie puede desmarcarse de la senda escogida. Porque si Vallée es bueno eligiendo talentos principales no lo es menos a la hora de contraponerlos con secundarios entrañables como los que encarnan Naomi Watts y el descubrimiento Judah Lewis. Ella la responsable de atención al cliente de una empresa de máquinas expendedoras que recibe las reclamaciones terapéuticas del viudo, él el hijo adolescente cuya nueva figura paterna implicará tanto lecciones como descarrilamientos. Con un gran sentido del ritmo, con un calculado pero efectivo equilibrio entre el humor y el drama, la demolición a la que hace referencia la película se reconstruye con una enternecedora revelación en forma de post-it en la nevera. Un pequeño detalle cotidiano, sin apenas importancia, que de repente adquiere toda la magnitud de la añoranza, ese sentimiento que sólo aflora ante la ausencia. Es otra redundancia, otro recurso fácil si se quiere. Pero sin llegar al mal gusto, a la simpleza más insultante, Demolición consigue lo que no siempre alcanzan los filmes que quieren abarcarlo todo: atizar en algún momento nuestra fibra sensible. Demolición
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Regreso al futuro

Aventura Ciencia ficción Comedia Familia
8.3

Marty McFly es un adolescente amigo de Doc, un científico a los que todos menos él toman por chiflado. Cuando Doc crea una máquina para viajar en el tiempo en forma de un automóvil deportivo, Marty viaja accidentalmente al año 1955. Allí se encontrará con sus padres cuando eran jóvenes, pero impide su primer encuentro. A partir de entonces, y con el tiempo en su contra, McFly deberá conseguir que se enamoren para que se casen y él no deje de existir. Regreso al futuro critica: El proyecto “Regreso al futuro” tuvo la gran suerte de caer en las manos adecuadas. De no haber sido así, una película juvenil de este tipo y más en plenos años 80, (aunque geniales, hubo a quien los 80 hicieron mucho daño) podría haber acabado siendo un bodrio decepcionante y destinado al olvido; pero como ya he dicho, gracias a Dios no fue así. Regreso al futuro Si hay una película sobre viajes en el tiempo que gana por goleada es esta. Marcó una época, a muchas personas que la vieron en su día, y a otros muchos que la descubren ahora. (Hay que decir que para que esta película te marque debes tener menos de 18 años en su primer visionado). Regreso al futuro Un guión hiper brillante, un ritmo narrativo que es pura adrenalina, discretos pero efectivos efectos especiales, una ambientación muy lograda de los años 50 y sobre todo… una banda sonora impresionante, apabullante, impactante! Creo que hasta la fecha, la mayor orquesta jamás reunida ha sido para la grabación de la música de Regreso al futuro. Y es que la música hace mucho. Una buena banda sonora consigue que una película, que de por sí es buena, parezca aun mucho mejor. Regreso al futuro En conclusión, cuando la estás viendo, sabes que estás viendo algo especial, muy especial y que difícilmente vas a volver a ver algo así. Regreso al futuro LO MEJOR: - Guión brillante, ritmo trepidante. Puro entretenimiento. - Banda sonora colosal. - El duo protagonista: El científco Doc y el adolescente Marty MacFly LO PEOR: - Aunque no mucho, algo desfasada (en los 80 les encantaba decir: ¡¡¡eh tío, estamos en los 80!!!) Regreso al futuro

The Giver (El dador de recuerdos)

Ciencia ficción Drama
6.5

En una sociedad futura carente de penalidades pero también de libre albedrío, el joven Jonas descubre una increíble verdad y decide sacarla a la luz. critica: Hoy me he leído el libro entero de The Giver (El Dador de recuerdos) y me ha dado por ver también la adaptación cinematográfica. The Giver (El dador de recuerdos) Tengo sentimientos encontrados con esta película. Y no, no es por los cambios de pequeños detalles como la edad de Lily, que Asher sea piloto de drones y no subdirector de recreo, que Fiona sea cuidadora de bebés y no cuidadora de viejos, que los “posibles” Receptores de Memoria tengan una marca en el brazo y no los ojos claros o que a Gabe (o Gabi en español) no le den su hipopótamo sino que Lily se crea que un elefante es un hipopótamo. Tampoco es por los cambios en la trama principal, puesto que los sucesos tienen lugar en otro orden, se ha añadido más drama y más momentos de tensión así como más acción y algo más de romance entre Jonas y Fiona cuando en el libro solo se deja intuir. Yo mismo al leer el libro me di cuenta que lo que estaba leyendo funcionaba en un libro, en palabras, pero no en una película con imágenes, por eso para mí estos cambios tienen sentido. Además se respeta el universo creado por Lois Lowry casi al 100% aunque se focalice la atención en otros elementos que el libro no incide tanto y dejando en el aire otros en los que se incide más en el libro. Los cambios en el diseño de La Comunidad y el Afuera, añadiendo esos triángulos, la niebla, los precipicios y las torres hacen más visual los conceptos que la escritora explica con palabras en el libro. A lo que iba, yo no soy de esos que odian la película porque tienen diferencias con el libro, ya sean muchas o pocas, entiendo que son formatos distintos y los cambios son necesarios, otros no lo son pero el director los hace para mostrar su visión o interpretación. El problema de esta película es que no está del todo bien adaptada. Me explico, todo lo que ocurre en la mitad del libro se resume en 8 minutos de película. Precisamente esta primera mitad de la historia sirve como presentación de La Comunidad, se presenta y se da a conocer cómo vive una familia en ese lugar tan “perfecto” para en la segunda mitad poder encontrar los problemas de este modo de vida junto a Jonas y el Dador. ¿Qué ocurre en la película? Pues que al espectador no le ha dado tiempo a conocer y asimilar la forma de vida en este lugar, las normas que existen, cuando ya Jonas y El Dador empiezan a romperlas y cuestionarlas en el minuto 15. Esa mitad de la historia que en el libro invita a la reflexión aquí desaparece, dejando una historia algo incomprensible para aquel que no haya leído el libro. Si dijésemos que el libro tiene 1000 páginas… pero es que tiene 200, creo que había tiempo de sobra como para no ahondar en eso. Cosas positivas que tenemos que ver en la película es la fotografía, muy en sintonía con lo que la escritora pretende trasmitir, que juega perfectamente con la mitología de esta historia. Algunos actores como Meryl Streep, Jeff Bridges y Alexander Skarsgård ya veteranos, o Brenton Thwaites (Maléfica) que hace de un perfecto Jonas o incluso Cameron Monaghan (Gotham y Shameless) que a pesar de que han cambiado la personalidad divertida de Asher hace un gran papel. A pesar de ello, la película tiene ese gran error de adaptación, no se sostiene por sí sola, necesita que el espectador lea el libro. Lo cual es una pena, porque la historia lo vale, dicen que es lo mismo que Juegos del Hambre, Corredor del Laberinto o Divergente, cuando no es así, la historia explora otros mensajes, otras ideas, dejando un final ambiguo para la reflexión del niño o adolescente, y la película a pesar de ser infantil es más independiente que otras grandes producciones de este género (por eso no gusta a todo el mundo) y toca los duros y difíciles temas que trata la autora en este y en otros libros como el holocausto, el suicidio o el racismo (que en la película se deja más claro que en el libro, llegando a poder comparar esta historia y estos temas con los de Aldous Huxley en Un Mundo Feliz o Ray Bradbury en Fahrenheit 451. The Giver (El dador de recuerdos)

Si no despierto

Drama Fantasía Misterio Suspense
7

En principio el 12 de febrero es sólo otro día en la acomodada vida de la joven Sam, pero resulta que va a ser el último. Intentando revivir su último día durante un tiempo, Sam intentará desentrañar el misterio alrededor de su muerte... y descubrir todo lo que está en peligro de perder. critica: ¿Si fuera tu último día qué harías: Cometerías excesos o reivindicarías todo lo que hiciste? Aquella es una pregunta sumamente compleja, quizá hasta filosófica. Estoy seguro que cualquiera escogería la primera opción: meterse todas las drogas habidas y por haber, beber alcohol hasta reventar y sobretodo follar hasta desangrar. Otros escogerían cosas más mundanas como viajar a un lugar donde nunca ha estado o decirle todas sus verdades a todo a quien que odie desde el fondo de su corazón. Pero, si ese último día se repitiera una y otra vez, ¿acaso todo eso a que llamaríamos lejana y casi imposible felicidad se convertiría en un infierno? Si no despierto Before I fall, película con guion basado en la novela de Lauren Oliver es una excelente representación de aquella pregunta tan jalada de los pelos. Si bien es cierto al comienzo parecía que iba a ser una típica película teen norteamericana de full sexo y alcohol, la trama agarra ritmo luego del primer deja vu que sufre la protagonista. Las constantes repeticiones de su último día lejos de resultar un martirio para el espectador, resultan ser entretenidas y logran hacer reflexionar al público sobre el presente, el pasado y el futuro. No es una obra maestra, de ninguna manera, pero su visionado es merecido y probablemente hasta obligatorio, no solo para aquellos adolescentes confundidos sino también para todos los adultos que estamos sumergidos en un pantano lleno de nada. Es un valioso abre los ojos para comprender lo bueno que tienes y para enmendar todo lo malo que hiciste. Si no despierto

Voces

Drama Suspense Terror
6.5

Daniel (Rodolfo Sancho) y Sara (Belén Fabra) son un matrimonio con un hijo de 9 años, Eric (Lucas Blas), que acaban de trasladarse a un nuevo hogar. Sin embargo, no saben que esa propiedad es conocida en el vecindario como "la casa de las voces". Eric es el primero en percatarse de los extraños sonidos que se ocultan tras cada puerta y que intentan comunicarse con la familia. Pese a que al principio Daniel y Sara creen que se trata de un producto de la imaginación de su hijo, poco a poco comienzan a percibir también esos sucesos paranormales, convirtiéndolos en una realidad. Este largometraje de terror, que trata el poder sugestivo de las psicofonías, está dirigida por Ángel Gómez. critica: Desde hace años, en España tenemos un síndrome que se puede convertir en insidioso, generalmente viene impuesto por productores que no arriesgan demasiado o, peor aún, producen películas de terror sin el mínimo interés por el género y mitigan el terror puro con dramatismo en exceso. Ejemplos de esto pueden ser El Mal Ajeno de Oskar Santos, la empalagosa A Monster Calls de J.A. Bayona o Intruders de Juan Carlos Fresnadillo. Menos mal que luego tenemos debuts como el de Ángel Gómez Hernández y el universo parece recolocarse. Voces Daniel y Sara forman un matrimonio que se complementa a la perfección a la hora del negocio: compran casas, las restauran, venden y vuelta al punto de inicio. Todo esto parece estar pasando factura al hijo de ambos, Eric, ya que muestra un extraño comportamiento que podría estar relacionada con la última casa en la que viven. Mientras todo el mundo cree que Eric está reclamando atención, puede que algo more en la casa y pueda acabar con todos. Hay furia en la ópera prima de Ángel Gómez Hernández, tras su multipremiado corto Behind, una furia entendida como un caudal de energía que salta a las imágenes, una furia que se convierte en una carta de amor al género puro y duro, que mezcla lo clásico con lo moderno y el terror occidente con el oriental. Este es el mayor acierto de Voces y que minimiza los errores que comentaré más adelante: es una película de terror con unos referentes clásicos que el autor no esconde, los personajes son tan internacionales, como lo es el género, lo que ayuda a que cualquier espectador en cualquier lugar del mundo pueda conectar con lo que se cuenta. Otra medida acertada es utilizar la tecnología – básicamente móviles y walkie talkies -como apoyo a la historia, sin convertirse en una pata narrativa más. Si la cámara de Ángel Gómez Fernández es briosa, el guion de Santiago Díaz cumple con su objetivo: entretener, asustar, hacer olvidar que estas sentado en una sala de cine. Podemos encontrar ecos a películas que vienen desde los años setenta hasta ahora, y esa mezcla resta algo de originalidad al conjunto, pero juega sabiamente con el ritmo para entretener; atención al uso que hace la historia de las moscas, entre asqueroso y súper ingenioso. Saltando de campo pasamos a la fotografía, obra de Pablo Rosso, quien lleva unido al género casi toda su carrera y que aquí firma un trabajo sólido donde cualquier esquina puede ser una trampa. En el lado actoral no podemos poner queja alguna, Rodolfo Sancho, Belén Fabra y el niño Lucas Blas componen sin problemas esta familia que vivirá un infierno debido a las fuerzas ocultas, pero uno no puede hacer otra cosa que rendirse al tándem compuesto por Ramón Barea y Ana Fernández, como padre creyente e hija escéptica, unos personajes que recuerdan al tándem formado por Vera Farmiga y Patrick Wilson como los Warren en The Conjuring. Voces no es perfecta pero si la película española de terror más honesta en muchos años, y sorprende su crueldad respecto a los personajes para que el espectador no sepa anticipar la trama. Quién sabe, si Gómez Fernández y sus socios creativos se atreven a ello, igual podríamos hablar de una franquicia de películas protagonizadas por Ramón Barea y Ana Fernández. El que esto escribe no tendría problemas en tener dos o tres películas como esta al año. https://www.terrorweekend.com/2020/07/voces-review.html Voces

Matar a Santa

Acción Comedia Fantasía
5.5

Un Papá Noel ruidoso y poco ortodoxo está luchando para salvar su negocio en decadencia. Mientras tanto, Billy, un niño precoz y descuidado de 12 años, contrata a un sicario para que mate a Santa después de recibir un trozo de carbón en su calcetín. critica: Vale, la premisa de "Matar a Santa" es tan imposible como ridícula. Vale, que una película de acción apenas tenga una única escena de acción al final de la película creando un anticlimax decepcionante es un suicidio narrativo. Vale, Walton Goggins está estereotipado y Mel Gibson se dedica a hacer las muecas de siempre. Vale, la película tiene más fallos que aciertos. Matar a Santa Pero es que resulta que me ha encantado. Y aún no sé por qué. "Matar a Santa" es una película menor que funciona tan solo porque se toma en serio todos y cada uno de los despropósitos que contiene. O por decirlo de otra forma: es honesta en su locura. Por poner un ejemplo: tardan más de media hora en construir el personaje de Mel Gibson y cuando nos han convencido de quien es realmente (una premisa imposible) entonces dinamitan todo cuanto han conseguido con esa fábrica llena de Elfos. ¿Puede una película llena de Elfos, renos, militares, asesinos, y un Papa Noel en quiebra ser coherente? Pues lo es. MUY coherente. Y quizás por eso me ha encantado, porque solo comenzar todo parecía que iba a ser un desastre y, aunque en cierta manera dista mucho de ser perfecta, tiene personalidad. Está rodada con mimo, se toma en serio a sí misma y lo que es más sorprendente: acaba siendo entretenida. A veces el cine es un misterio, como con esta película. Tampoco es que os la recomiende porque puede que os parezca una locura aburrida. Pero, maldita sea, tengo que volver a verla. Me ha encantado. Matar a Santa

McFarland, USA

Drama Familia
7.4

'McFarland' cuenta la historia de un entrenador de atletismo (interpretado por Kevin Costner, 'The Guardian' y 'El último voto') que hace lo posible por intentar reconstruir un equipo perteneciente al instituto de educación secundaria de una pequeña ciudad de California. A través de una enérgica motivación, el instructor consigue estimular la habilidad, la competitividad y el desarrollo de los alumnos que componen el equipo. El grupo de jóvenes deportistas, de la mano de este destacado entrenador, tendrá que hacer frente a numerosos obstáculos de carácter físico y social a lo largo de su recorrido y evolución. La capacidad de superación del preparador de la cuadrilla servirá de inspiración a todos los miembros del equipo, que tras un duro recorrido verán recompensado su esfuerzo y dedicación. critica: Kevin Costner ha vuelto a dar en la diana con uno de esos papeles que tanto le auparon en su carrera; el de entrenador. La película, bajo la bandera de 'basada en hechos reales', no se permite ninguna sorpresa; ni le hace falta. La historia la conoces, la has visto ya mil veces; grupo de perdedores que a base de esfuerzo, trabajo y corazón consigue llegar a lo más alto gracias a la labor de su entrenador, mentor. McFarland, USA Conoces perfectamente cada una de sus partes pero si está bien contada no te importa. Si el esfuerzo ha sido de verdad, si han puesto el corazón en ello; al final sentirás el repelús, la mágica reacción psicogalvánica de la piel sólo reservada para historias como ésta. La película no es redonda; de los siete chicos que forman el equipo, algunos aparecen apenas esbozados y es una pena porque en las más de dos horas que dura daba tiempo a profundizarlas un poco. Una preciosa fotografía y todo el encanto de la cultura chicana ponen el resto. El bueno de Kevin ha vuelto a dar en la diana después de algunos años perdido. Esperemos sea para quedarse. McFarland, USA