Aloha

Otis es un niño de 12 años que descubre desde muy joven la fama de Hollywood. Su padre es un antiguo payaso de rodeo con diversos problemas, ahora sin trabajo, que decide convertirse en su guardián. Cuando Otis no está divirtiendo a un selecto público pasa el rato con él en hoteles de poca monta situados en las afueras de las ciudades a las que acude a grabar. La convivencia entre ambos es muy compleja: Otis se ve obligado a sufrir sus abusos mientras ambos intentar dar sentido a una relación que se reproduce en el tiempo a lo largo de más de una década. critica: Honey boy es un trabajo singular. Tan singular que de hecho surgió en las sesiones de terapia a las que se sometió el actor Shia LaBeouf durante su estancia en un centro de rehabilitación. Fue allí donde descubrió que sufría estrés postraumático desde su infancia. Como ejercicio, LaBeouf escribió el guion que luego se acabaría convirtiendo en Honey boy. Es decir, llamar a esta película "un proyecto personal" es quedarse muy corto. Honey boy es mucho más que eso. Es un exorcismo. Honey Boy La película nos muestra la relación entre un actor infantil llamado Otis y su padre, un antiguo payaso de rodeos llamado James que ahora se dedica a acompañar a Otis y ser su representante. Otis (supongo que llamarlo Shia habría sido ya demasiado) está interpretado por Noah Jupe cuando es un niño y por Lucas Hedges cuando es ya un adulto en rehabilitación. Las escenas de Hedges funcionan sobre todo como marco narrativo para contar la historia de la infancia del personaje, que es donde pasamos la mayor parte del tiempo. Y madre mía, qué infancia más chunga. La disfuncional relación entre Otis y James es el núcleo de toda la película y el foco de los traumas de LaBeouf. James (interpretado, mirad por dónde, por Shia) es un padre de mierda. Es agresivo, controlador, posesivo, ridículamente exigente. El retrato que hace Shia de su propio padre es duro, deliberadamente oscuro, pero a pesar de todo es capaz de humanizarlo. James es complejísimo. Él también arrastra sus propios traumas y sus propias frustraciones, y los paga con su hijo. Otis, por otra parte, necesita afecto más que cualquier otra cosa. Su madre no está. Busca el cariño de su padre, pero no lo encuentra, por lo tanto, acude a otro lugar. Los diálogos son aguijones, nunca sientes la sensación de paz. Hay algún que otro momento tierno entre padre e hijo, pero duran poco. El aislamiento y el estrés los asfixia. Es un guion muy sólido, fantásticamente estructurado y que destila dolor y honestidad. Lo más destacable de Honey boy, sin embargo, está en las actuaciones. Lucas Hedges está muy bien, como siempre. Noah Jupe demuestra mucha madurez interpretativa para su edad, y su trabajo me parece fantástico. Y Shia LaBeouf hace la que es, para mí, una de las mejores interpretaciones del año. Me cago en mi vida. No sé hasta qué punto tiene que ser jodido interpretar a tu propio padre, y encima a un padre como este. Gracias a LaBeouf, en cambio, James cobra vida. Es un personaje absolutamente despreciable que fácilmente podría haber sido plano o caricaturesco. Sin embargo, LaBeouf consigue que hasta sienta lástima por él. La dirección de Alma Har'el es efectiva, muy espontánea. La fotografía, con mucha cámara en mano, recuerda a menudo a un documental, especialmente en su forma de enfocar a los personajes y de seguirlos por la escenografía. El resultado funciona, le da a la película un aspecto muy inmediato, muy real. La banda sonora está bien, pero no tiene demasiado de memorable. Eso sí, tengo que reconocer que acabar con All I really wanna do de Bob Dylan es una idea fantástica. En resumen, Honey boy es un proyecto único desde su misma concepción. Funciona como desahogo para su guionista y te hace comprender muchas de las idas de olla que ha perpetrado en los últimos años, desde su arresto por conducir borracho hasta su performance con una bolsa en la cabeza en una galería de arte, pero también se puede disfrutar si no se está familiarizado con la figura de Shia LaBeouf, porque a fin de cuentas, Honey boy es una película muy íntima y muy humana sobre los sueños rotos, las relaciones paternofiliales y los abusos de la infancia, y a pesar de su tono severo e incómodo, sus ideas son universales. Puntuación: 7,8 Honey Boy

En la película, la batalla por Ninjago City llama la atención del joven maestro constructor Lloyd (Ninja Verde) y de sus amigos, todos ellos ninjas secretos. Dirigidos por el maestro Wu deberán derrotar al malvado guerrero Garmadon, un tipo tremedamente malvado que a su vez es padre de Lloyd. Padre contra hijo e hijo contra padre, este épico enfrentamiento probará a un equipo de ninjas indisciplinados que deberán aprender a controlar sus egos y trabajar unidos si quieren acabar victoriosos. critica: ¿Para qué jugamos? Seguramente esta fuera la pregunta que se hicieron los creadores de este particular universo de ladrillos Lego cuando empezaron a edificarlo, conscientes de que se puede entretener sin dejar de explorar lo que los hace únicos. Con esa simple pregunta, que no hacía falta hacerse (merece la pena recordarlo), dejaron atrás la simple explotación de marca, y lograron crear un humor surrealista y metarreferencial, dejando claro que estas aventuras suceden en las mismas manos de sus propios creadores. Sin embargo, tenía que llegar el momento en que el perro se mordiera la cola, simplemente porque la originalidad sucede una vez, y se puede desgastar a fuerza de querer repetirla. 'La Lego Ninjago Película', pese a todo, empieza con una idea original: el viaje del héroe sometido al drama paternofilial, cambiando los papeles de adolescente arrogante y tutor decepcionado, de manera que la resolución entre ambos vaya a necesitar más esfuerzo que una simple lucha ninja. Lloyd y Garmadon son padre e hijo, pero también héroe y enemigo, porque el segundo no para de atacar la isla de Ninjago con robots cada vez más terroríficos y el primero suele impedirlo casi cada día oculto bajo la identidad del Ninja Verde, mientras sus amigos y compañeros de misión esquivan el espinoso tema de su parentesco. Pero pasa que Garmadon es, simple y llanamente, un idiota irresponsable que disfruta intimidando a la gente, y su hijo un chico quizás demasiado sensible, que todos los días tiene que aguantar a un padre malvado que ni siquiera siente vergüenza por serlo: primera bala del plomizo trauma familiar superada; quién nos iba a decir que la estupidez es más tóxica que la maldad. La Lego Ninjago película El problema de esta Lego película es que retuerce y alarga esa idea demasiado tiempo, sacándole tanta punta cómica en el ansia de ser original que al final todo se reduce a otro acercamiento de lo más típico entre ambos (el clásico "no somos tan diferentes de lo que parecemos", el "hagamos cosas juntos" de siempre...), y cuando una parodia se transforma en lo que está parodiando es que ni sus propios guionistas sabían de que estaban hablando. Aún con todo, y aunque esa historia principal pueda cansar, el otro principal atractivo está en el mundo Ninjago: un fuego cruzado de colores y texturas, alambicado en todo tipo de referencias orientales, sin ningún tipo de vergüenza para explotar las películas baratas de kung-fú o los vídeos musicales de grandes onomatopeyas. Otra profecía del Elegido y otra exaltación del amor familiar se pueden pasar por alto si vienen en un envoltorio tan atractivo, con el género "kaiju" presentado de manera doméstica (descacharrante, el mejor golpe de humor) o con el tópico "sabio oriental" bajo la forma de un viejo cachondo que usa el tema principal de 'Annie' como melodía motivadora. Durante gran parte de la película, se abusa del ruido y el caos para llenar la pantalla, forzando la maquinaria para que los lugares comunes queden enterrados en humor autoconsciente, y es solo cerca del final cuando se vuelve a recuperar algo de la originalidad inicial. Porque a esta historia se le olvida que mejor funciona cuando más rompe sus esquemas, y nada mejor para eso que (sin revelar mucho) presentar un tenebroso fin de viaje como la cima de lo cálido y familiar, y encima luego tener el valor de limar el antagonismo entre sus protagonistas para plantearse que es duro cambiar cuando se lleva toda una vida siendo igual. Aparte queda una bonita moraleja que va en contra de todas las batallas multitudinarias que hemos visto, irónicamente las que más se replican al jugar, haciendo que se nos pase por alto la habilidad creadora que siempre se ejercita para que cobren vida: a menudo las mayores habilidades no tienen que ser evidentes, y pueden estar ocultas bajo formas discretas, sin dejar de ser extraordinarias. ¿Para qué jugamos entonces? Probablemente para eso mismo, para disfrazar dramas con vivos colores e impresionantes poderes, y crear un mundo donde el Bien vence al Mal siempre, aunque eso no sea tan fácil normalmente. Y ahí está el acierto de este relato ninja, mostrando que siempre existen caminos más difíciles, y que, independientemente de nuestra edad, no hay que tener miedo de transitarlos. Todo lo demás, por suerte, seguirá siendo pura aventura. La Lego Ninjago película

Continuación de la saga de los Corleone con dos historias paralelas: la elección de Michael Corleone como jefe de los negocios familiares y los orígenes del patriarca, el ya fallecido Don Vito, primero en Sicilia y luego en Estados Unidos, donde, empezando desde abajo, llegó a ser un poderosísimo jefe de la mafia de Nueva York. El padrino. Parte II Critica: La segunda parte de la trilogía de “El Padrino” supera en calidad, por poco, pero la supera, a la primera por un elemento que ya señalaba en la anterior crítica: Su ambición. No se trata ya de un simple retrato de los quehaceres de una familia mafiosa y su lucha por el poder, ahora las interrelaciones se han complicado y existe un verdadero entorno vivo fuera de ellos, desde políticos a empresarios, todos ellos forman parte de la historia en igualdad de condiciones. Es decir, lo que es la Historia, con mayúsculas, ya no es de género, es un relato sociológico, histórico, político y económico de un momento clave para los Estados Unidos. Y esto lo hace en el río de Pacino como en el de Robert De Niro. La llegada de los inmigrantes, su asentamiento en Little Italy, las relaciones con Cuba, las comisiones de investigación sobre la Mafia... estamos hablando ya de otra cosa, estamos hablando de Cine, no como un mero instrumento de sensaciones placenteras o impactantes, sino como un medio cultural de aprendizaje. El padrino. Parte II Pero no sólo en los grandes temas del guión la película es fantástica, sino en las relaciones humanas. Está mucho más trabajado los conflictos en las parejas, las mujeres recuperan su peso en la saga, y todo ello curiosamente con menos dosis de violencia que la primera, entre otras cosas porque ya no hace tanta falta. Ya se sabe quienes son, aunque intenten ser respetables, y por tanto se sugiere más que se muestra porque el espectador ya se ha hecho adulto. El padrino. Parte II El inserto de Robert de Niro es por definición uno de los mejores que se han hecho jamás en toda la historia del cine. Su ambientación y puesta en escena, merece por sí sólo un Oscar. También Pacino se hace grande, y desde luego que prefiero al padrino Michael Corleone que a Vito Corleone. El padrino. Parte II “El Padrino II” por tanto es mágica y enorme, y ayuda aún más a engrandecer a su predecesora, aquí el guión se reescribe y se retoca constantemente hasta que todos, hasta el último miembro de la película quedan satisfechos, cosa que no pasó con la anterior. Casi todos los secundarios están magníficos, aunque si tuviera que citar alguno no podría eludir a John Cazale, en un papel que atormenta al más pintado. Dicho esto, quiero señalar que aún así, del cine de Francis Ford Coppola considero que su mejor película sigue siendo “Apocalypse Now”, es una cuestión meramente personal obviamente, pero eso no quita que diga que en especial “El Padrino II” sea una de las cumbres del cine norteamericano de todos los tiempos, y que cada vez que se revisite se encontrarán nuevos elementos para admirarla como obra de arte que es. El padrino. Parte II Nota: 8,9.

Una versión fresca y distintiva de la obra maestra semiautobiográfica de Charles Dickens, La historia personal de David Copperfield, ambientada en la década de 1840, narra la vida de su personaje icónico mientras navega por un mundo caótico para encontrar su lugar evasivo dentro de él. Desde su infeliz infancia hasta el descubrimiento de su don como narrador y escritor, el viaje de David es, a su vez, hilarante y trágico, pero siempre lleno de vida, color y humanidad. critica: Adaptación número 1000 de la historia de la vida de David Copperfield escrita por Charles Dickens que nos relata de la infancia del protagonista hasta la madurez, en una de las más mediocres pelis del relato clásico inglés. La increíble historia de David Copperfield La actuación de Dev Patel haciendo de Copperfield no está nada mal, y es de las pocas cosas buenas que se puedan rescatar, como así también su fotografría y la ambientación de la época, bastante cuidada. En cuánto al relato, el ritmo es fatal, aburrido como la mierda y una progresión muy lenta. Y lo peor de todo es que han llevado un drama de un clásico de la literatura a una comedia estúpida con chistes que no tienen gracia y no vienen a cuento. Ridícula adaptación y una falta de respeto a la obra, en una oportunidad perdida porque potencial no le faltaba. Otra con críticas por parte de la prensa sobresalientes que en mi opinión, puras mentiras. La increíble historia de David Copperfield

Su esposo abusivo ha muerto a manos de una amiga lesbiana que haría cualquier cosa por ella. Ahora huyen para ponerse a salvo. critica: Ride or die (2021) o en castellano Contigo a muerte, es una película japonesa dirigida por Ryuichi Hiroki y estrenada por Netflix en la que una pareja de mujeres debe huir luego de que una de las dos cometa un crimen. Contigo a muerte Por Nicolás Bianchi Por la temática se puede establecer un diálogo entre Ride or die y las recientes Portait of a lady on fire (2019) o The world to come (2020), en las que se retrata las dificultades de un amor entre mujeres, aunque por su comienzo la película japonesa se encuentra más cerca de la nominada al Oscar Promising young woman (2020), en donde el relato tiene su punto de partida a partir de una joven que se muestra vulnerable en un bar. En la puesta de Ride or die hay un cuidado estético que pervive en los largos 140 minutos del film. La primera escena comienza con un extenso plano secuencia en la que el espectador sigue a la protagonista de espaldas. Ella ingresa en un amplio bar ubicado en un sótano, lo recorre y finalmente se sienta en una de las barras, donde pide dos tequilas para convidarle uno a un extraño que está sentado unas banquetas más allá. El código que se introduce allí en la película es que a partir de ese gesto, Rei (Kiko Mizuhara), se encuentra disponible para que ese hombre haga con ella prácticamente lo que se le antoje. Los personajes principales de Ride or die son mujeres oprimidas y amenazadas, cuyas libertades están delimitadas por el deseo de los hombres y las tradiciones. A partir de la actitud de Rei la pareja va a un cuarto de un hotel lujoso en donde tiene lugar una escena de sexo que bordea lo explícito (no será la única en la película) que se corta cuando en medio del acto la mujer toma un bisturí y apuñala al hombre. La secuencia, que cambia abruptamente lo sexual por lo violento, conserva su crudeza e intensidad. El hombre muerto era un maltratador y golpeador que sometía a Nanae (Honami Sato), ex compañera de colegio y amante de Rei. Las mujeres, ahora cerca de los 30 años, se reencuentran luego de muchos años y, al ver Rei las marcas de la violencia física en el cuerpo de Nanae, emprende su cruzada vengativa. Una vez consumado el asesinato ambas deben huir y allí por momentos la película es una Thelma & Louise japonesa, con algunas escenas en las que se podría descifrar hasta una suerte de homenaje a aquella icónica historia. El film funciona a modo de rompecabezas. Mediante flashbacks y diálogos en el presente la historia de amor entre ambas se va a ir conformando lentamente. Entre ellas hay una relación antigua pero en muchos aspectos inexplorada. En la huida también se descubren y el futuro entre ambas está siempre en discusión, porque la policía, con cierta pereza, las persigue. No se puede vivir por siempre de fuga, o por lo menos para ellas no parece viable. Ride or die tiene una puesta visualmente muy atractiva y en varios momentos elegante. Cuenta con algunas concesiones que probablemente tengan que ver con su distribución vía Netflix. Hay algunos hits pop occidentales en el escape de los personajes y algunos diálogos que de tan explícitos bordean lo ridículo. Los personajes directamente dicen lo que el espectador debería pensar a partir de sus gestos y emociones. Es quizás una forma de salvar lo que se pierde en las inflexiones de un idioma inaccesible para la mayor parte del público de occidente. De todas maneras, el film conserva una esencia propia y aporta una mirada local a un tipo de película muy visitada recientemente. La historia de amor de Ride or die es gay porque presenta una relación lésbica y adolescente por la manera en que sobre todo Rei lo vive ya que, por más que se trata de una mujer de 29 años, no deja de ser una colegiala a la que la atraviesa una pulsión desgarradora. También es fatal, y esto no se trata de un spoiler, porque ambas están dispuestas, no sin algunas dudas, a ir por todo, a explorar lo que sienten hasta las últimas consecuencias. Contigo a muerte

Conocidos por sus pelos de colores, locos y mágicos, los Trolls son las criaturas más felices y alegres que irrumpen en el mundo de la canción. Pero su mundo de arco iris y cupcakes cambiará para siempre cuando su líder Poppy debe embarcarse en una misión de rescate que la llevará muy lejos del único mundo que siempre ha conocido. critica: Recordar es vivir, premisa básica que sin duda fue la principal motivación de los estudios DreamWorks para realizar una cinta que tuviera como personajes principales a aquellos monigotes que durante la década de los noventa fueran la sensación entre los jóvenes. En esos tiempos, era común observar a los muñecos de exótico peinado en llaveros, mochilas y demás accesorios. Ahora, la idea fue darles un aspecto más amigable y colorido para atraer a nuevos fanáticos de estos personajes. El resultado: un musical animado de excelente calidad. Trolls La historia desarrollada para estos simpáticos personajes es la siguiente: en un principio los Trolls vivían en total armonía en su propia villa, hasta el día en que fueron capturados por unos ogros llamados Bergens, quienes al ver lo alegres que eran estos pequeños dedujeron que la única forma en la que serían felices era comiéndoselos, para lo cual crearon una festividad llamada “Trollsticio”, un día especial en el cual un Bergen afortunado sería elegido para comer a un Troll y así ser feliz por veinticuatro horas. Después de años de cautiverio, los pequeños logran escapar para crear una nueva villa en el bosque en la cual todo vuelve a ser alegría y felicidad. Sin embargo, todo se acaba cuando la exiliada chef de los Bergens descubre este nuevo lugar y se dispone a volver a capturar a todos los Trolls. Así, todo quedará en manos de la princesa Poppy, quien con ayuda del huraño Branch tendrá que detener a los Bergens y liberar a sus amigos capturados. La trama es sencilla y fácil de digerir incluyendo además una “sub-historia” relacionada con una Bergen con problemas de autoestima, la cual funciona perfectamente sobre todo para enviar un buen mensaje a los niños. De esta forma, mientras se desarrolla el cuento uno podrá disfrutar de números musicales bastante coloridos con versiones de éxitos de Bonnie Tyler, Diana Ross, Gorillaz, Lionel Richie, entre otros. De esta forma, la banda sonora de la cinta es de excelente calidad, apoyándose sobre todo de las voces de Anna Kendrick y Justin Timberlake (la versión “Troll” de Can’t Stop the Feeling no podía faltar) para los personajes de Poppy y Branch. Asimismo, artistas de la talla de Gwen Stefani participaron para completar un elenco de voces que sin duda hacen que esta película sea bastante amena, siempre y cuando se opte por la versión subtitulada. Cabe señalar que para la versión en español el doblaje quedó a cargo de Belinda y Aleks Syntec. Es así como, los niños disfrutan de una historia animada y divertida, mientras que aquellos que en su infancia fueron fans de los Trolls podrán recordar buenos tiempos al ritmo de canciones del pasado y presente que seguramente reconocerán al instante. Los personajes no son complejos, son dibujos animados simples sin ninguna pretensión más que divertir y dejar un mensaje de igualdad y felicidad para todos. No hay subterfugios, interpretaciones ni dobles sentidos, por lo que funciona perfectamente para entretenerse, bailar y sacudirse lo amargado por lo menos por un día, por lo que cada quien podrá tener su propio “Trollsticio” sin necesidad de cambiar su dieta. Calificación: TÚ DECIDES. Más reseñas en https://wraparty.wordpress.com Twitter @wraparty Trolls